Creando Comics: Un Viaje por la Narrativa Visual: Entrevista a Salvador Sanz

Salvador es un joven artista argentino que viene haciendo cómics desde los ´90. Comenzó allá cuando la publicación de fanzines estaba en pleno apogeo y sus trabajos fueron viendo la luz en las páginas de Catzole. Allí se encargó de hacer tapas y de serializar la serie llamada Desfigurado. Siendo profesor de dibujo y dictando clases en escuelas de historietas se fue forjando una carrera que lo llevaría a publicar más tarde su primer novela gráfica, una historia de terror ambientada en Buenos Aires llamada Legión. Con el resurgimiento de la revista Fierro bajo el ala de Página/12 comenzó a publicar una nueva serie que mezcla terror y ciencia ficción llamada Nocturno. Más tarde y dentro de la misma Fierro Sanz retoma un personaje que había comenzado a publicar en la desaparecida revista Bastión, Angela Della Morte. Además de consumado historietista es también un animador ganador de varios premios en distintos festivales por su corto Gorgonas y supo participar en películas animadas como la de Mercano el Marciano. Sus trabajos son publicados en Argentina, Brasil, EE.UU y Europa y no por ello deja de ser una persona humilde y conversadora. A continuación vamos a entrar un rato en la cabeza de una de las figuras más destacadas del comic rio platense.

Datos personales.

Nombre y apellido: Salvador Sanz

Lugar de nacimiento: Buenos aires, Argentina.

Fecha de nacimiento: 9 de junio de 1975

Base de operaciones: Buenos aires

Primer trabajo publicado: Fanzine Catzole

¿Cómo dirías que el comic entró en tu vida?

De chico me compraban historietas, las mejores eran para mi hermano que era más grande y leía cosas como Hugo Pratt o El Eterrnauta. A mi me conseguían unas viejas historietas españolas en blanco y negro en el parque Rivadavia y las coloreaba con marcadores. Una vez en el palier de mi edificio alguien tiro unas revistas “Humor”, adentro publicaban “La feria de los inmorales” de Bilal. Nunca había visto unos dibujos tan increíbles. Medio de casualidad me acerque de una a la historia adulta y ya no me llamaba la atención Patoruzito.

¿Cuándo tomaste la decisión de pasar de leerlo a hacerlo?

En el secundario con mi amigo Javier Rovella, ahí arranque y no pare más.

¿Estudiaste narrativa en algún lado? ¿Cuáles fueron tus métodos de aprendizaje?

Estudie historieta en la EAH , la escuela argentina de historieta con Alberto Pez y Marcelo Dupleich. También hice la carrera de bellas artes y estudie unos años animación en el instituto IDAC. Todo me sirvió para lo mío, pero donde también aprendí mucho fue como ayudante del historietista Gonzalo García.

En un país como Uruguay, donde hay producción pero no hay publicación sustentada por algún medio ajeno todos nos vimos forzados a auto editarnos, me imagino que como la mayoría de nosotros tuviste que tirarte a la pileta de la auto edición sin saber nadar. ¿Dónde llevaste a cabo tu investigación al respecto, como aprendiste los pormenores del asunto?

La autoedición la hice por muchísimo tiempo. Edite un fanzine llamado Catzole en los noventas con Javier Rovella, Julio Azamor y otros amigos artistas; es un camino difícil que hice por necesidad de mostrar mi trabajo y me dio muchas satisfacciones. Aprendimos a la fuerza el trabajo del editor, el distribuidor y vendedor de nuestro propio trabajo. Pero ahora que publico profesionalmente, creativamente no encuentro la diferencia, porque trato de publicar en lugares donde me dan libertad de contenidos como Fierro, Ivrea o donde sea. Una gran diferencia es que tu trabajo se exhibe mejor, tiene mejores tiradas y llega a más lugares. Pero obviamente, el verdadero quiebre es cuando te empiezan a pagar por tu trabajo.

Muchos de nosotros somos hijos de los comics de superhéroes, pero en tu caso creo que la ciencia ficción tiene mayor peso ¿Eso influenció tu trabajo?, ¿Preferís historias sobre gente con o sin spandex?

Por alguna razón nunca me interesaron los superhéroes. Nunca me identifique mucho con ellos y su universo, pero tengo que reconocer que hay grandes obras y grandes artistas en ese genero. Pero por ahora sigue sin llamarme la atención trabajar en ese mercado. Mis géneros favoritos son la ciencia ficción y el terror.

Ya que ése género en particular es un medio cooperativo donde todo se hace por separado, con un guionista escribiendo la historia, un dibujante haciendo los lápices, otro entintando todo, un letrista, un colorista y un editor examinando cada paso del proceso, ¿alguna vez trabajaste en equipo?

Trabaje mucho en equipo haciendo animaciones tanto personales como proyectos comerciales, en la historieta trabaje con otros guionistas pero siempre en proyectos cortos, para proyectos largos prefiero abocarme a mis historias personales. Pero me gusta hacer todo el proceso solo, lápiz, tinta y color. Me gusta la historieta de autor. He trabajado con guionistas o porque era parte de un compromiso comercial o porque me gustaba la idea y me parecía algo bueno. No me limito, pero como que me gusta más contar mis propias ideas.

Vos sos un artista muy prolífico y trabajas en varios medios diferentes (comics, ilustración, animación) ¿En qué dirías que difieren los métodos de trabajo y cuál es tu medio favorito?

La historieta es mi medio preferido por que no se necesita a nadie más, uno esta solo en su tablero con sus materiales y su imaginación. Los demás medios son muy interesantes pero hay que trabajar en equipo y se necesita mucha plata para bancar una producción grande.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Primero escribo el guión y a la hora de plantar las páginas las trabajo como un storyboard. Primero hago un plantado muy esquemático en chiquito para calcular que me entre lo que quiero contar en determinadas páginas, y después las boceto en hojas A4. Voy recortando y pegando por encima las viñetas reemplazándolas hasta que funcione la secuencia. En esa etapa me preocupa muchísimo la narrativa por sobre otras cosas. Por lo general trato que sea bastante cinematográfico, respetando ejes y cosas del lenguaje del cine pero adaptado a la historieta. En el traspaso del guión al boceto me tomo la libertad de cambiar muchas cosas, que a medida que voy dibujando se me ocurren que pueden enriquecer la historia. Hago el boceto en A4, como te decía, y después lo escaneo, por ahí lo retoco en la compu y después lo imprimo en hoja A3, que es más o menos el tamaño en que dibujo los originales. Imprimo la página en dos partes y eso después lo uso para calcar el dibujo sobre la página en la que voy a entintar.

¿Cuándo trabajás lo hacés en silencio o por ejemplo escuchás la radio?

Trabajo escuchando música o con la televisión prendida cuando no necesito concentrarme demasiado.

¿Cuáles son tus herramientas? (lápices, minas, marcadores, pinceles, tinta, etc.)

Lápiz mecánico HB 05 o el staedtler tradition HB, estilógrafos de cualquier marca, tinta china y para los valores marcadores KURECOLORS.

¿Qué tipo de papel usas para dibujar?

La hoja que consiga, la mejor es la Shoeler satinada para entintar.

¿En qué tamaño haces los originales?

Mis últimos originales miden 32 x 41cm y los de Nocturno un poquito más grandes, pero siempre alrededor de una hoja A3.

¿Cómo haces para conseguir los grises, los hacés con Photoshop o con algún material especial?

No, no, los hago con los marcadores KURECOLOR, que vienen en distintos valores de grises. Teniendo un par de ellos podés superponerlos para crear pasajes, y te permiten trabajar bastante rápido ya que tienen puntas anchas que ayudan a cubrir superficies grandes. Dí con ellos buscando valores de grises planos que no fueran generados por computadora, aunque al final ajusto nuevos valores con la PC.

¿Son caros?

Son caros, pero duran. Además venden cartuchos para recargarlos.

¿Preferís trabajar en papel o en digital?

Papel.

¿Cuál es tu set up digital, que clase de equipos tenés?

Uso una PC cualquiera y pinto en Photoshop con la Wacon Bamboo.

Dado que vivimos en un lugar y en una cultura donde la piratería parece ser reina, y donde los comics se consiguen digitalizados prácticamente el mismo día en que salen a la venta, ¿Cuál es tu postura frente a la piratería de comics por internet?, ¿Te molestaría (o te molesta) saber que tu trabajo puede estar escaneado por ahí sin redituarte ganancia alguna? (no tomar en cuenta el trabajo que se hace para blogs y cosas por el estilo)

A mí que suban mi laburo no me molesta, por ahí lo interesante es que llegas a otros lados que por ahí en papel no llegas ni a palos. No sé a qué nivel perjudica a la industria del papel, lo aprovecho porque no puedo tener la hipocresía de bajar música y películas y no querer que me suban los trabajos. No tengo una posición tomada aún sobre como esto puede afectar a una industria que se nutre de gente de mi generación, que estamos muy ligados al papel. O sea, yo leo comics en la PC pero no me gusta nada andar leyendo en el monitor, si me das la opción prefiero el papel toda la vida. Una vez bajé Desfigurado y era horrible, mal escaneado, no se podía leer nada, en ese caso, para ser pirateado mal prefiero que me manden un mail y les mando las cosas escaneadas [risas], porque de última uno se baja esa versión mal hecha y piensa que así es tu trabajo. Ahí sí que te perjudica, porque el que piensa que tu trabajo es una porquería porque está mal escaneado no va a ir a comprarse la versión impresa del libro.

¿Cuál fue la sensación al ver tu primer trabajo publicado (y donde fue)?

Mi primer trabajo publicado profesionalmente fue en la revista bastión, fue el primer episodio de mi personaje ANGELA DELLA MORTE. La sensación de satisfacción siempre es la misma hasta el día de hoy, necesito ver mi trabajo editado, es el verdadero medio para el que hago mi arte. Hasta que no se edito mi obra no esta terminada. Claro que lo primero que veo son los errores y hasta que no me relajo no lo disfruto tanto.

¿Cuándo estás escribiendo y dibujando un libro (comic), que viene primero?, ¿Cómo hacés para trabajar la historia?

Mis ideas parten de imágenes desde el principio, mientas dibujo se me ocurren ideas para contar. Y cuando la escribo la imagino visualmente, hago un guión literario sin demasiadas descripciones, las necesarias para no olvidarlas ya que las voy a dibujar yo mismo. Trato de trabajar bastante los textos que irán en la página, aunque una vez dibujadas las páginas suelo retocarlos de vuelta para que se integren más al dibujo. Es un ida y vuelta constante, entre texto y dibujo y hay historias que precisan más del texto que otras. Hay veces que las dejo descansar en mi cabeza (a las ideas), para ver si realmente se me ocurrieron a mí o si salen de otro lado. Porque a veces pasa eso de que se te ocurre algo y decís “uy, que buena idea para contar una gran historia” y resulta que es algo que ya está hecho. Pero bueno…no es culpa de uno, uno trata de contar su versión de la historia. Igual yo creo todavía se pueden crear cosas nuevas, quiero creer que todavía se puede innovar. No me creo eso de que no hay nada nuevo bajo el sol.

Lápices para una página de Barón Fluo.
Continuación de Angela Della Morte publicada
en la revista Fierro.

¿Cuándo haces thumbnails, seguís el orden secuencial o vas saltando de escena en escena yendo a las cosas específicas que más te llaman la atención primero?

Primero hay una estructura muy básica que depende de que vas a contar y cuantas páginas tenés para hacerlo, de ahí vas ajustando hasta llegar a la narrativa específica de cada viñeta.

Más o menos, ¿Cuánto tiempo te lleva hacer una página?

Depende de la complejidad de la misma, no es siempre igual, pero más o menos dos días por página es mi promedio.

Ya que muchas veces nosotros mismos tenemos que ponernos diferentes trajes (el de guionista, dibujante, entintador), ¿Sos de ponerte en el lugar del editor mientras estás trabajando?, ¿Te vas auto editando a vos mismo o dejás que las cosas salgan como salgan?

Trato de librarme totalmente, no ponerme ningún limite creativo. Luego el editor decide si le interesa mi trabajo y lo ve publicable, ese es su trabajo.

¿Cuándo estas en medio de un proyecto tu forma de trabajar es fluida o sos más bien estructurado?, ¿Sos de cambiar cosas a medida que las vas haciendo o te regís por el guión?

Dibujar mis propias historias me da la libertad de tener la posibilidad de alterar el guión hasta el último momento, y trato de aprovechar ese recurso. Cuando es una historia larga, el tiempo de realización es muy largo y en el medio se te siguen ocurriendo ideas que le pueden aportar mucho tanto desde lo visual como desde lo narrativo.

Ya que prácticamente todo tu cuerpo de trabajo ha salido primero serializado y luego compilado en libros ¿Esto influye en vos a la hora de planear un trabajo nuevo?

Siempre pienso mi trabajo para que finalmente sea editado en libro, para el lector al que le gusta ese formato.

¿Qué preferís: serializar algo o te gustaría trabajar en un libro completo y publicarlo una vez que esté terminado?

Prefiero la serie por una cuestión económica. La obra ya se va financiando a media que se va publicando cada episodio.

¿Quién se acerco a quién para publicar en Fierro? ¿Fuise vos con el portfolio bajo el brazo o te llamaron ellos? El libro de Nocturno es idea tuya ofrecida a Ivrea o ellos te llamaron?

Cuando salió la nueva “Fierro”, me acerqué a la Redacción y dejé muestras en un sobre; con Ivrea les mandé muestras por mail. La actitud es esa, suele haber una forma de llegar a las editoriales y acercarles tu material; el tema es que les interese la propuesta.

¿Cómo surge “Legion”?

Venía haciendo unos capítulos de Angela Della Morte para la revista Bastión y paralelamente surgió lo de hacer una novela gráfica con la gente de Ivrea. Me gustó porque yo no tenía nada publicado, nada mío solamente, siempre había participado en revistas. Esta era mi oportunidad de hacer una novela gráfica, una obra, un libro con mi nombre en la tapa, donde yo tuviera el control total de la obra. Eso me gustó mucho.

¿Y lograste trabajar con esa libertad?

Sabés que sí, o sea, ellos lo que me pidieron era…hubo al principio un ida y vuelta de ideas donde yo presentaba proyectos y ellos me decían “éste no nos gusta por tal cosa, o aquel no nos convence por tal otra”. Ellos me pedían una sinopsis o algo así, pero ya les gustaba el dibujo de lo que había hecho en Angela. Era como que el dibujo ya estaba vendido, ahora ellos me decían “vendenos una idea”. Lo que sí me dijeron fue que querían algo de terror, y con eso ya me fui manejando. Como lo que buscaban era algo de terror propiamente dicho fue así que surgió la idea para Legión. Yo había pensado en hacer algo con un ejército infernal que venían a destruir todo, pero después salió el tema del color. Yo había propuesto hacer un libro en blanco y negro, pero uno de los requisitos que había de su parte era que insistían en que hubiera color. En realidad me habían dado la opción de que fuera en blanco y negro, pero tenía que tener 100 páginas, y si era en color iban a ser 48. Yo estaba medio inseguro con los tiempos ya que 100 páginas me iban a llevar mucho tiempo, porque encima había una fecha de entrega, así que me metí de una a hacer 48 páginas. Además yo quería que fuera en blanco y negro porque después el guión habla de un color que nadie vio y que inventó una pintora que se llama “Ultramal”. Una de las cosas que me llama la atención era eso de jugar con las limitaciones que tiene una historieta, eso de que no tienen sonido, y en éste caso la limitación con el color me interesaba, ya que se hacía mención a un color que nunca había sido visto por nadie. Creo que ganó mucho siendo a color, ya que logro hacer que el color se introduzca de una manera, salga de otra, y de esa forma se integra a historia y cobra otra importancia.

Tapa de la edición Argentina.

¿Cómo llegan a dar con esa tapa?

Ivrea venía publicando mucho manga y en ese punto querían comenzar a publicar cosas nacionales, cosas que se identificaran con el lugar, no querían historias ambientadas en Japón. De hecho la portada fue objeto de discusión con Leandro Oberto (el editor) porque yo había presentado varios bocetos con el personaje ese, el bicho de Legión pero con distintos fondos. El es un tipo que te deja trabajar tranquilo, pero eso sí, en la tapa quiere tener una última opinión, quiere que le guste a él, y si no le gusta hay que cambiarla, porque la tapa es la que vende el libro. Yo había hecho otra con un puente de fondo porque no quería caer en la obviedad de caer en el obelisco o la casa rosada, el obelisco ya se volvió un cliché. Había usado un puente de los lagos de Palermo pero ese bien podía ser un puente de cualquier otro lado. Fue en base a esas idas y vueltas que surgió la idea de usar al shopping del Abasto como fondo.

A mí me pasó algo muy gracioso, yo estaba trabajando en una tienda de comics en EE.UU cuando de pronto veo la edición americana de Legión, y lo que me llamó enormemente la atención fue que reconocí de inmediato al Abasto, ahí fue que quise conseguir el libro por curiosidad pero estaba agotado ¿Cómo llegaste a publicar con IDW?

Que bueno que lo viste en la tienda! Fue através de un agente, yo no tuve contacto directo con la gente de IDW. pero exceptuando la frase cita de Leonardo da Vinci que nunca entendí por que no la incluyeron, el libro es exactamente igual a la edición argentina.

Frase omitida en la versión americana de Legión
a la que Salvador hace referencia.

¿De dónde sale eso de meter gore?

A mí me gusta mucho lo de crear ambiente y atmósfera, así, al estilo cinematográfico, pero así como me gusta eso también me gusta mostrar. Por eso aparecen las cabezas cortadas y ese tipo de cosas, porque me gusta ver también.

¿Qué nos podés contar de Nocturno?

Había mandado una propuesta de unas cuatro páginas con ese universo de personajes que se transforman en pájaros y a los de Fierro les gustó y me pidieron otra. Cuando hice esa segunda me pidieron otra más y ahí como que vimos que daba para más, no es que yo haya caído ya con la idea de hacer esa historia en particular, se fue dando. Pero ahí sí yo ya tenía ganas de hacer una historia más ambiciosa y más larga. Yo ya me tenía más confianza con los tiempos, capaz que ahora en unos meses podía hacer una historia de 100 páginas. Encima tengo un medio que me está publicando, que me está pagando como Fierro, así que me dije “Vamos a darle con todo!”.

¿Fue medio irregular a la hora de salir, no?

Lo que pasa es que la Fierro se había planteado salir como una revista de antología pero sin series, y a medida que ellos se iban reestructurando entorno al formato yo también me iba acostumbrando al ritmo de trabajo. Por eso es que fue saliendo de forma tan dispar, donde por ahí salía un capítulo y después no salía de nuevo por un par de meses. Yo les decía que mi historia tenía “continuará” y que al hacer eso me estaban complicando, pero era lo que había, y no era la mía la única historia serializada que sufría por eso. Pero paralelamente ya la iba pensando como novela gráfica, así que me fumé todas las interrupciones y para cuando había terminado de publicarla en Fierro (un par de años más tarde) ya había venido hablando con Ivrea para publicarlo como libro, y como Legión había vendido muy bien me dijeron que sí. Después lo que hice fue retocar un poco aquellas primeras páginas que había hecho para Fierro y me encargué de corregir algún que otro dibujo que por ahí no me convencía del todo. Pero tampoco podía corregir todo, porque si no me tengo que poner a re dibujar todo [risas]. Arreglaba cosas como una cara o una manito, que se yo.

¿Siempre sos de hacer retoques cuando pasas de la versión serializada a la de libro?

No siempre, bueno, si…si puedo, si no son muchos cambios. Cuando salió Desfigurado en libro lo hubiera querido retocar, pero es un trabajo tan viejo que ya casi ni me reconozco yo mismo el dibujo. En ese caso tendría que sentarme y dibujarlo todo de nuevo, y no dá. Funciono en su momento y aprendí en base a los errores que cometí ahí, no tiene mucho sentido cambiarlo ahora. Yo tengo un problema con la figura humana, porque la figura humana es algo que todos vemos todo el tiempo, así que cuando algo queda mal, cuando está mal representada, todo el mundo se da cuenta. Es donde uno tiene que concentrarse más, uno trata de relajarse y disfrutar, pero bueno, las cosas pasan y uno tiene que aprender a vivir con eso. Yo creo que es algo que nunca terminás de aprender del todo, siempre se aprende algo nuevo.

"Turntable"de un robot diseñado para Angela Della Morte.
Aqui se puede apreciar cierta influencia del campo de la animación.

¿Sos de usar referencia?, ¿Cuál es tu relación con ella y de donde la conseguís?

Bajo muchísima documentación pero para las locaciones, los vehículos o la ropa. Para la figura humana raramente y a veces tomo yo mismo la foto si es alguna pose compleja.

¿Buscás o ves arte fuera del terreno de los comics?

Escucho mucha música, me gustan el cine y la literatura, aunque últimamente ando con poco tiempo para leer. Pero es algo que disfruto mucho.

¿Cuáles son tus influencias como artista?

He aprendido de muchos autores y aún ahora sigo aprendiendo. Antes me gustaban Enki Bilal y Richard Corben, luego conocí a Alberto Breccia, Moebius, Guido Crepax ,Katsuhiro Otomo, Oscar Chichoni, Takehiko Inoue y muchos ilustradores conceptuales y directores de cine. En una época leí mucha literatura fantástica, cosas como Lovecraft y eso, así que eso tiene que caer también dentro de las influencias.

Salvador hace su versión de los personajes de Liniers como invitado en Macanudo.

En una entrevista anterior que hiciste para la Fierro había una pregunta que se destacaba del resto, la hizo Ayar y creo prudente reproducirla. “Casi todos los artistas tienen un conflicto básico, una situación determinada que los obsesiona, o tal vez alguna idea o alguna búsqueda determinada que se refleja en las obras de forma recurrente. En tu caso ¿Cuáles son las ideas que se van repitiendo desde Catzole hasta Fierro? ¿Han ido modificándose?”

Creo que en mis primeros trabajos la cuestión del arte como herramienta para diversos propósitos ha estado muy presente. Pero no es algo en lo que me he propuesto insistir, se ha dado inconscientemente: en “Desfigurado” el arte es la llave a la iluminación, pero en “Legión” y el cortometraje “Gorgonas”, la pintura y la música son la puerta al Apocalipsis. En mis últimos trabajos me estoy alejando de esa premisa, y aparecen otros temas. Prefiero que el lector los encuentre por sí mismo. Creo que la obra debe hablar por sí misma y el autor no tenga que andar explicándola.

¿Si tuvieras que describirte de alguna forma, como lo harías?, ¿Artista, historietista, narrador, caricaturista…?

Historietista.

¿De que trabajás para pagar las cuentas?

Vivo del dibujo en general, aparte de las historietas también trabajo para productoras de publicidad haciendo storyboards.

¿Cómo artista, que es más importante, el dibujo o la narrativa?

Ambas fusionadas en una. Si me gustara alguna mas que otra no haría historietas.

¿Qué es lo que intentás transmitir cuando hacés un comic?

Yo siempre escribo sobre un mundo personal de fantasía que crece en mi mente y pide salir al mundo exterior. Expresarme de esta manera artística es una necesidad para mí y no puedo dejar de hacerlo. Es mi forma de escape de la realidad.

¿Cuál es tu mayor satisfacción al hacer comics?

Me gusta narrar, desarrollar un mundo y necesito más de una sola imagen para darle sentido y enriquecerlo. Trabajo mucho y muy duro para obtener el mejor resultado, por eso la satisfacción pasa mas al final, cuando esta editado. Pero mi satisfacción mas grande es cuando alguien lee mis historietas y las disfruta, logra adentrarse en mi mundo personal, que está ahí en el papel y lo hace propio. Lo interpreta y le da vida a su manera.

¿De ser capaz de elegir, donde te gustaría publicar? (Revista, país, editorial, no importa)

Cualquier mercado es importante para mí. Los que menos conozco me generan mucha curiosidad, Rusia, Japón, en cualquier parte.

¿Algún consejo para el aspirante a artista?

Sean originales, no intenten imitar nada que se haya hecho, aún se puede crear algo totalmente nuevo. Hay que creer en eso.