Dossier Faith Erin Hicks.

INTRO.

Faith Erin Hicks es una joven artista canadiense que vive en Halifax, Nueva Escocia. Me encontré con su trabajo gracias a la recomendación de Andrés Accorsi en el sitio de comiqueando. Yo ya había leído un par de comics posteados en internet que iban avanzando a razón de una página cada unos pocos días, pero no había visto nada como esto. No solo estaba posteando una página nueva por día de su más reciente novela gráfica (publicada por la editorial First Second para ser leída de forma gratuita antes de que el libro saliera a la venta como objeto) sino que además las dejaba abiertas a los comentarios de los lectores y hasta iba agregando entradas completas sobre su proceso creativo y cómo es que se gana la vida como artista junto a algunas páginas clave.

La historia en sí se llama “Friends With Boys” y cuenta la historia de Maggie, una chica criada en el seno de una familia complicada que educa a sus hijos en casa hasta que alcanzan la edad para ir a la secundaria. Allí hacen su aparición la relación con sus tres hermanos, su padre, sus nuevos amigos, su nuevo entorno y hasta con un fantasma. El trazo de Hicks es prolijo y juguetón, lo suficiente como para cautivar al lector ya desde la segunda página. Intenté contactarme con ella para hacerle la entrevista, pero no obtuve ninguna respuesta. Por lo tanto me dediqué a extraer y traducir material del sitio web y a compilarlo para poder brindarles una mirada al proceso creativo detrás de una joven artista que cosecha nuevos fans con cada pincelada. Además, en un negocio saturado de testosterona es bueno tener la opinión de una chica, que no solo trabaja con superhéroes desde su particular punto de vista, sino que además sabe moverse dentro del terreno de lo super natural y lo cotidiano. Abramos pues la proverbial puerta y adentrémonos en el mundo de Faith Erin Hicks y su amistad con los muchachos…

ENTREVISTA.

(*) Extracto de una entrevista realizada por Jonathan Liu para Wired.com

Ha sido una experiencia encantadora la de leer Friends with Boys online, en particular poder leer algunas de tu notas sobre las páginas. ¿Cómo fue esa experiencia para vos como una creadora de historietas? (*)

Realmente genial! Es mucho trabajo el de mantener el sitio y a la vez intentar bloggear, hablar sobre temas interesantes y estar al tanto de los comentarios de los lectores, pero realmente he disfrutado mucho la respuesta de los lectores. Comencé haciendo comics online, así que siento que estoy volviendo a mis raíces. Adoro la inmediatez de internet, y ser capaz de ver como la gente responde a cierto personaje o a cierta parte del libro. Algunas partes les gustaron a los lectores y respondieron bastante, otros mantuvieron una postura más distanciada. Es muy interesante, y muy valioso para mí como creadora.

¿Cuándo comenzaste a postear las páginas, cuanto de tu trabajo estaba completo? ¿Ya habías terminado con el libro a esa altura o seguías trabajando en él? (*)

Ya había terminado de dibujar FWB para cuando comenzamos a salir online. Nosotros (mi editor, mi agente y yo) habíamos comenzado a hablar sobre ponerlo online antes  de que terminara de dibujarlo, pero resulto un proceso tan largo que al final ya había completado el trabajo cuando salimos online.

Ya sé que ya hablaste sobre esto en el sitio, pero ¿podrías compartir un poco sobre tu proceso a la hora de crear una página? ¿Cuánto planeas con anticipación? ¿Hay algo hecho en digital o fue todo hecho en papel? (*)

Todo lo que refiere al dibujo en papel, pero tipeo la escritura en la PC, como debe hacer una dama. Escribo el guión y hago un primer pase de thumbnails en un montón de hojas rayadas. Luego escribo el guión final a partir de ese desastre. Hago thumbnails finales para completar el look de la escena, y después comienzo a dibujar a lápiz en unas hojas gigantes de papel Bristol. Dibujo con un lápiz celeste de animación (o col-erase) y entinto con un pincel Winsor & Newton serie 7 para acuarelas y tinta china barata. Lleva mucho tiempo, pero creo que al final se ve genial.

PROCESO.

 Allá por 2010 o cuando sea que ésta página haya sido dibujada (sí, estoy bastante segura que fue en 2010. Parece que fue hace mucho) hice copias de la misma a lo largo del proceso para poder mostrarle a la gente como es que dibujo mis cómics, yendo desde los bocetos iniciales hasta las tintas completas. Espero poder brindar una mejor percepción sobre cómo trabaja un historietista! Yay.

Primer paso! El nacimiento de un cómic nuevo:

Así es como escribo inicialmente mis guiones. Y déjenme comenzar esto diciendo que así es como trabajo “YO”, no como otros historietistas deberían trabajar. Se de otros que hacen los guiones antes de hacer los thumbnails o hacen otras cosas mágicas antes de comenzar, pero así es como yo hago mis cómics. Primero me consigo un par de cuadernos con papel rayado y ahí empiezo a garabatear. Hago los thumbnails a medida que voy escribiendo, porque los cómics son las dos cosas, arte y escritura, y siento que (especialmente en la importantísima etapa del comienzo) uno no debería tener precedencia sobre el otro. Así que cuando hago mi primer pase por el guión, hago dibujitos a la vez que voy escribiendo diálogos, lo que me permite pensar de antemano en cómo voy a dibujar el libro, como van a interactuar los personajes, como se van a acomodar los paneles, y ver si el ritmo va a ser acorde. Luego doy un paso hacia atrás, y agrego o tacho cosas (como se puede ver en esta página). Esto complica bastante las cosas, desde luego, de modo que cuando tengo que sentarme a escribir el guión propiamente dicho para pasárselo a mi editor se puede volver todo un poco confuso. Así es como he trabajado en mis tres libros publicados, y como estoy trabajando en el libro que estoy haciendo ahora.

Entonces, cuando tipeo y refino el guión, se lo paso a mi editor en First Second (o SLG, si fuera 2007), ella lo mira, sugiere revisiones y lo que haga falta, luego pulimos el guión hasta que quede lindo! Es divertido.

Aquí están los thumbnails para esta página:

Como pueden ver cambié de idea en cuanto al planteo original de la página, agregándole un toma de reacción de Maggie al comienzo de la misma, antes que Lucy la arrastre.

Segundo Paso: Composición con thumbnails.

Estos son unos thumbnails un poco más definidos, pero aún bastante pequeños (tomo una hoja común A4 y la divido en cuartos, dibujando un thumb en cada cuarto), en los cuales voy descifrando la composición definitiva de la página. Escaneo estos dibujos y se los mando a mi editor junto con el guión para que ella pueda hacerse una idea de cómo va a quedar el arte terminado. Así es como funciona con First Second, con otro editor con el que estoy trabajando ahora me pidieron lápices definidos antes de que comenzara a entintar, pero no me pidieron bocetos…todo depende del editor y tu relación con el, eso va a dictaminar tu proceso.

Y aquí está el guión de esta página en particular:

PANEL 1: Maggie observa la mano.

PANEL 2: Maggie (mirando a Lucy): de nuevo…el qué?

PANEL 3: Lucy le agarra la mano a Maggie, la arrastra con ella. Lucy: vamos, te voy a mostrar!

PANEL 4: Lucy, Maggie y Alistair caminan por la loma hacia el cementerio. Lucy y Maggie conversan alegremente.

PANEL 5: Alistair queda un poco atrás de Lucy y Maggie mientras ellas entran por el portón del cementerio, aún conversando.

PANEL 6: Alistair sonríe, parcialmente aliviado, parcialmente entretenido. Su hermana tiene una amiga.

PANEL 7: Lucy avanza entusiasmada por el cementerio. Lucy: Por aquí!

Como yo escribo para mí misma, no tiendo a ser muy descriptiva con el aspecto visual como podría ser el caso si estuviera escribiendo para otro. Ya sé cómo va a lucir la página, así que no preciso decirle a nadie cómo dibujarla. La mayoría de las notas visuales que pongo son para la editora, para que sepa  que es lo que está pasando, y alguna que otra nota de carácter emocional, para poder acordarme luego de qué es lo que está sintiendo el personaje (como Alistair acá)

Tercer paso: El dibujo a lápiz!

Así es como se ven mis lápices. ¿No son desprolijos y horrendos? :D soy una dibujante bastante tosca, no me importan los lápices para nada, creo que mis trabajos solo se ven completos o decentes una vez que han sido entintados. Nunca le mostraría una página a lápiz a nadie a menos que sea mi editor (o ustedes, queridos lectores). Como pueden ver, no pongo un montón de detalles, porque los detalles se los voy a agregar más tarde con la tinta. Pero es importante tener una estructura de dibujo a lápiz que sea solida, de otra forma las tintas no van a quedar lindas. Además, los recuadros que ven acá son los márgenes de seguridad para la hoja impresa, y WOW, ese sí que fue un concepto difícil de entender cuando comencé a ser publicada. Básicamente, el borde es donde la página va a ser cortada cuando se imprima el libro, así que vas a querer que todas las imágenes importantes (junto a los globos de texto) queden dentro de esa  zona de seguridad, para asegurarte que nada se pierda al ser cortado cuando lo impriman, una vez que el libro se convierta en un objeto físico. Pero también, hay veces en las que uno quiere que el arte “sangre” fuera de la página (como ocurre en el último panel), y entonces se vuelve todo horriblemente confuso. Me costó mucho llegar a entender esto…me alegra que ahora tenga sentido.

Dibujo con un lápiz celeste col-erase para animación. CELESTE, no un azul claro de los que no reproduce el escaner, son dos cosas bien diferentes (el celeste es un poquito más oscuro que el azul). He usado lápices para animación casi desde que comencé a dibujar, mayormente porque suelo molestar bastante el papel cuando dibujo, constantemente refregando el canto de mi mano sobre el dibujo. Los lápices de grafito ensucian a lo loco, así que si usara grafito terminaría con una gran mancha de color gris. Los lápices col-erase tienen una mina más dura, y por eso manchan menos. Tampoco son muy fáciles de borrar, pero eso no importa, porque los celestes no son escaneados. Así es, no tengo que andar borrando mis lápices desastrosos después de todo, solo escaneo la página terminada y termino con un hermoso dibujo hecho a tinta, sin ninguna clase de línea a lápiz, VIVA! Estos son los UNICOS lápices que he encontrado que se comportan de ésta manera, ya que mi escáner (tengo un Mustek A3, que es un escáner grande bastante decente y barato, aunque no creo que sea compatible con Windows más allá de Windows XP) levanta cualquier línea de cualquier lápiz de otro color, incluso uno tan claro como el col-erase naranja.

Eso fue largo! Pero en serio, encontrar un lápiz con el cual me sienta cómoda dibujando y luego no tener que andar borrando mis páginas (borrar es molesto, y puede incluso dañar la tinta) fue un proceso extenuante, y estoy emocionada de haber encontrado al fin un sistema que me funciona.

Cuarto paso: El entintado.

Bueno, solo échenle un vistazo a la página terminada. Yo entinto con un pincel Winsor & Newton serie 7 para acuarela, número 1, mojándolo en un tarrito de tinta china (uso la Speedball super black ink, solo porque es barata) y luego, con mucho cuidado voy repasando las líneas a lápiz. Es el mismo pincel que Jeff Smith usó para entintar Bone. Yo empecé a usar pinceles para acuarela allá por el 2009, cuando ya iba por la mitad de Brain Camp…y es por eso que la segunda mitad del libro se ve mucho más linda que la primera. El serie 7 brinda una espectacular cantidad de control sobre la tinta, y hace que mis cómics se vean más pulidos. Fue complicado al principio, pero creo que mi arte ha mejorado bastante desde que comencé a usarlos…Le recomiendo a cualquiera que esté pensando en cambiar a pincel que considere éste tipo de pinceles, no se van a arrepentir. Antes del serie 7 usaba un Pentel pocket brushpen, que es algo así como un pincel bastante decente con el cual comenzar, si es que te gusta usar pincel pero no te gusta mucho andar sumergiéndolo en tinta. Sin embargo, no creo que el Pentel se compare ni un poco con el serie 7. El serie 7 es lo más!

Más o menos por acá (luego de terminar de explicar cuál es mí proceso) es cuando la gente me pregunta si alguna vez he considerado hacer comics digitalmente. Algunas etapas de mi proceso se podrían hacer muy fácilmente de manera digital (los bocetos por ejemplo), pero existen varias razones por las cuales no tengo intención de dibujar mis cómics completamente en la computadora: El Hardware es muy caro (tendría que invertir en una Cintiq para obtener el tipo de refinamiento que precisan los cómics profesionales, y las buenas cuestan miles de dólares), además estar mirando un monitor de computadora por muchas horas puede cansar y hasta dañar la vista, y yo prefiero una cierta apariencia para mis cómics, y esa apariencia no es digital. Disfruto bocetar en mi tableta (es genial para hacer algo muy rápido), pero no se puede comparar el grado de control y refinamiento o el singular estilo visual que se obtiene con lápiz y tinta.

Pero una vez más, estas son MIS preferencias a la hora de dibujar. No existe una única forma de hacerlo, digital, tradicional, es todo lo mismo. Tradicional es lo que me gusta a mí, pero si te gusta hacerlos digitalmente, eso también está bueno!

Básicamente, lo que quería era remarcar que no hay nada más importante que encontrar las herramientas apropiadas y los métodos que funcionen mejor para cada uno. Los elementos que uso son cosas que me llevó mucho tiempo encontrar. Me gusta mostrárselas a la gente porque puede que sean las herramientas adecuadas para ellos también, y el hecho de que yo les cuente sobre ellas les puede ahorrar unos cuantos años de búsqueda. O pueden ser totalmente las equivocadas para hacer sus cómics.

Por ejemplo, el pincel Pentel. Solía hacer todos mis cómics con el Pentel, hice Zombie Calling y la Guerra en Ellsmere con él. También hice la mitad de Brain Camp: aquí hay un panel entintado con el Pentel y luego uno hecho con el Winsor & Newton para acuarelas (y un frasquito de tinta).

Para mí, uno muestra un montón más de destreza técnica. Mi opinión personal es que mi trabajo mejoro una vez que encontré un pincel que me permitió desarrollar mi talento artístico en una dirección más realista. No sé por qué hizo que mi arte se vea mejor, pero lo hizo. El arte es así, medio rara: a veces algo funciona cuando por ahí no debería, y no lo hace cuando tendría que hacerlo. ARTE! Puede llegar a volverte loco.

Como sea, el caso es, conozco gente que usa el Pentel, o incluso marcadores berretas con punta de pincel y que son capaces de hacer dibujos hermosos. Me acuerdo de haber visto a Darwyn Cooke dibujar un tremendo boceto de The Spirit usando solo un marcador de esos, un instrumento que francamente odio. Siento que estuviera usando guantes cuando uso uno, pero ese tipo podía hacer cosas mágicas con él. Funcionaba para él.

Creo que mi punto en cuestión es que uses lo que funcione mejor para vos. Probá de comprar cualquier porquería en tu tienda de arte y probálo. Algo barato y hecho pelota puede resultarte mejor que un pincel de US$ 70.

Una de las peores experiencias que tuve en la escuela de arte fue tratar de dibujar con un modelo en vivo. ODIABA el dibujo en vivo. Tenía que usar una barrita de carbonilla y dibujar en hojas de papel gigantescas. Defenestraba el dibujo en vivo. Nada de lo que hacía se veía o se sentía bien, así que al graduarme de la escuela de animación, juré que nunca más iba a dibujar en vivo. Era terrible en ello y no sabía cómo hacer para que quede bien.

Bueno, desafortunadamente, eso dejo de ser una opción, porque para volverse bueno dibujando gente, hay que dibujar con modelos. Creo en esto firmemente: hay que dibujar mucha gente desnuda y aprender la anatomía y como se ve la gente para poder dibujar buenas personas de historietas. Creo que es una de las reglas fundamentales para poder dibujar buenos cómics. ¿Pero qué podía hacer? Odiaba dibujar así, la respuesta llegó cuando cambié mi método de dibujar de ésta forma.

Decidí que no iba a usar más hojas gigantes o estar parada frente a un caballete, eso me resultaba incomodo. Habría de sentarme en una silla e iba a usar las herramientas con las que me sintiera cómoda, que resultaban ser lápiz y tinta. Y así lo hice, dibujé gente desnuda de esa forma y fue sorprendente cuanto llegué a disfrutarlo. No hacía grandes dibujos, pero por lo menos disfrutaba lo que estaba haciendo.

Se me olvidó mencionar qué tipo de papel uso en mi largo divague sobre el proceso de hacer una historieta. Dibujo en papel Bristol Strathmore, con superficie satinada. La clase común de Bristol, no la versión “elegante” de papel para hacer cómics que vienen tratando de imponer en éste último tiempo. Ese tipo de papel es muy caro para gente común que trata de ganarse la vida haciendo historietas. ¿Te cobran algo así como 30 dólares por 20 hojas? No lo creo. Mis páginas originales son de 9 y un poco por 14 y un poco (pulgadas), así que usualmente compro el papel de 11 x 17 y tengo un poco de margen extra. El Bristol que yo compro está en oferta una vez al año (algo así como un 40% menos), así que voy una vez al año y me gasto como $100 para abastecerme.

En definitiva…vayan y dibujen, no tengan miedo de probar cosas nuevas, y no tengan miedo de ignorar las instrucciones de los maestros y los profesionales. Yo solo ofrezco mis consejos sobre cómo hacer historietas como entre comillas: así es como funciona para mí, pero puede que no funcione para vos. Y eso está bien, en serio.

Hacerlo financieramente viable.

Ahora les voy a hablar un poco sobre cómo hago para mantenerme haciendo cómics.

Primero que nada, nunca en un millón de años llegué a pensar que iba a poder pagar el alquiler dibujando historietas, o haciendo trabajos artísticos de manera independiente. A veces me encojo internamente cuando le digo a la gente que me gano la vida escribiendo y dibujando historietas, porque hay veces que no se siente así; es más bien como si me hubiera tomado unas vacaciones de algún trabajo real para poder dibujar cómics, y que eventualmente voy a volver una vez que se me acabe la plata. La última vez que tuve un trabajo real fue en 2008, cuando trabajaba en un estudio de animación.

En parte la razón por la que soy medio pesimista al hablar así es porque actualmente estoy viviendo de los adelantos que me dan los editores, y voy reforzando eso con dinero de una beca y algún trabajo independiente (haciendo trabajos de ilustración para clientes, haciendo el ocasional taller, haciendo dibujos por encargo, etc.). No cuento con una novela gráfica que sea un hit de la cual reciba regalías de forma estable. Por lo menos no todavía. Sospecho que en mi línea de trabajo me sentiría más segura si lo hiciera.

Así que, para explicar mi situación: por ahora, he vendido o sido parte de cuatro novelas gráficas compradas por editores que dan adelantos en el pago (Brain Camp, FWB, my libro actual Voted most likely y Bigfoot Boy). Un adelanto es dinero que se le paga a un escritor o artista (o historietista) por parte del editor basado en una proyección de lo que puede vender el libro a futuro. Tomemos por ejemplo FWB. First Second me pagó una cantidad X de dólares para escribirlo y dibujarlo, porque ellos estiman que van a hacer XX en ventas. Suena un poco arriesgado, como si estuvieran tomando un riesgo, pero aparentemente así es como funciona el mundo editorial en el mercado de libros. La cosa con los adelantos es que en general (esto depende del editor) uno recibe la mitad del dinero al firmar el contrato y la otra mitad luego de completar el trabajo. Y de ahí hay que ir a sentarse a dibujar la historieta. Así que me pagaron la mitad de X por hacer FWB incluso antes de hacer la primera página, pero a partir de ahí tuve que vivir con la mitad de X por un año mientras completaba el libro.

Soy EXTREMADAMENTE AFORTUNADA de estar trabajando con editoriales que pagan adelantos. No es algo muy típico. No es algo PARTICULARMENTE usual en el mundo del cómic. No me pagaron ningún dinero como adelanto cuando hice mis libros con Slave Labor Graphics, en su lugar me pagaron regalías basados en los números de ventas. Zombies Calling y Ellsmere vendieron algo así como 2.000 copias cada uno, de las cuales me tocó un porcentaje del precio de tapa, creo que era un 7%. Así que hago un 7% de cada 10 o 14 dólares. No hice mucho dinero con esos libros, razón por la cual mantenía mi trabajo en animación al momento de hacerlos. ;)

Mis ingresos varían a lo loco, y así ha sido desde que dejé de trabajar en animación a tiempo completo. Por ejemplo, en 2010 tuve mi mejor año, llegando a hacer una buena cantidad de dinero, más de 30.000 dólares en un año! Estaba bastante sorprendida. Pero en 2010 obtuve una beca de US$ 8.000 que brinda el gobierno de Nova Scotia para escribir y dibujar FWB. Tuve también una cantidad inusual de trabajos freelance en 2010, como Girl Cómics para Marvel y un trabajo de ilustración para las niñas exploradoras de América que pagó bastante bien. Estos fueron trabajos independientes ya que no se han repetido con ninguno de los dos clientes.

Muchas veces me preguntan sobre la transición al mundo de los cómics y el trabajo artístico independiente, cómo hacerlo y cómo hacerlo financieramente redituable. Así es como lo hice: no lo hice.

En 2008 perdí mi trabajo en animación porque la compañía en la que trabajaba se quedó sin proyectos. Viví un año en seguro de desempleo, esperando conseguir algún trabajo, y ahí llegó First Second y me dijeron si quería hacer Brain Camp. Yo salté con la oportunidad. El estudio seguía sin trabajo para cuando terminé con Brain Camp, y por aquel entonces FWB se le vendió a First Second, y de pronto tenía otro poco de plata del cual vivir (el adelanto de X, si es que se acuerdan) así que seguí dibujando cómics.

Estaba observando un panel en la New York Comic Con de 2010, y la pregunta de “¿Cómo se lleva a cabo el cambio a trabajar en cómics a tiempo completo?” fue hecha. Creo que había unas cinco personas en el panel, y dos de ellas dijeron estar casados con alguien que accedió a mantenerlos mientras ellos intentaban llevarlo a cabo. Creo que éste estilo de vida artístico no es para cualquiera, funciona para mí, aún soy joven, y siento que ésta es mi oportunidad de ganarme la vida dibujando historietas, ¿así que por qué no aprovecharla?

No puedo ofrecer consejos concretos sobre cómo dar el paso para trabajar haciendo historietas tiempo completo. Lo que sugiero es buscar becas (Nota del traductor: como puede ser el caso de los Fondos Concursables en uruguay o la Xeric en EE.UU) ya que obtener una en 2010 fue algo increíble. También sugiero ahorrar, así si te despiden o decidís tomarte un descanso de tu trabajo diario, puede que seas capaz de pasar un mes o dos trabajando de lleno en tu propio cómic, sin tener que preocuparte por pagar el alquiler.

Oh, otro tema que quería tratar ya que un par de personas me preguntaron al respecto: Algunos quieren saber cómo es dibujar una historieta para un editor, especialmente cuando se tiene un trabajo de tiempo completo o se va a la escuela y no les es posible comprometerse de lleno con el cómic trabajando en él tiempo completo. Creo que es muy importante que uno sea directo con su editor en cuanto a sus tiempos, y debe ser realista con uno mismo sobre cuantas páginas al mes va a ser capaz de completar. Yo hice Zombies Calling y The war at Ellsmere mientras trabajaba a tiempo completo, lo que me dejaba lugar para completar unas 10 páginas al mes. Completé esas dos historias en unos 9 meses. Los editores esperan que tengas otro trabajo además de hacer historietas; es raro que éste sea tu único trabajo, y aún tengo que encontrar algún editor que no sea flexible, siempre y cuando seas honesto con él. Si podés obtener un contrato para hacer una historieta, y solo podés completar 10 páginas al mes, asegurate que eso le quede claro a tu editor, para que ellos puedan programar y trabajar de acuerdo a esos tiempos. Si 10 páginas son demasiadas, decíle a tus editores y ellos deberían ser capaces de trabajar alguna solución contigo.

Una vez que comencé a hacer que dibujar historietas sea mi único trabajo mi relación con los editores cambió, porque yo dependo de ellos para pagar el alquiler, pero cuando estaba trabajando en animación y haciendo historietas en mi tiempo libre, mientras fuera capaz de producir unas pocas páginas al mes y tratara de acercarme a la meta, mis editores estaban contentos.

Esto es algo para recordar: los editores están de tu lado. Da resultado tener una relación honesta y simbiótica con ellos para producir los mejores y más vendibles cómics que puedas hacer. Porque de esa forma ambos hacen dinero y así pueden hacer aún más comics juntos. Creo que es muy importante el hecho de querer crear historietas en las que estés personalmente involucrado (historias personales), pero también creo que es importante estar al tanto de qué tipo de cómics se venden bien en éste mercado, y qué puede llegar a ser atractivo para el editor con el cual querés trabajar.

¿Por qué TRABAJAR SOLA?

Tengo mis propias razones para decidirme a escribir y dibujar mis propias historias, y aquí están:

1)      Soy capaz de administrar mis propios tiempos. Tengo opiniones fuertes sobre cómo debe ser el ritmo en un cómic. Soy partidaria de una narrativa descomprimida, y me gusta cuando se le da al arte espacio para respirar dentro de la historia, y cuando se les da a los personajes momentos para actuar o expresarse en lugar de llevarlos de un lado a otro gritándose el dialogo los unos a los otros.  Esa es mi principal queja en lo que respecta a los escritores de cómics: Demasiadas palabras! No hace falta tener un montón de palabras apretujadas en cada página. Confíen en sus artistas para contar sus historias con dibujos, no palabras! No los va a matar estar en silencio por una página o dos, queridos escritores, se los prometo.

2)      No pasa muy seguido que se me acerque un escritor con una idea que yo quiera dibujar. O sea, he tenido ofertas, y algunas de ellas las he aceptado, pero han sido pocas y muy distanciadas entre sí. Algo que encuentro bastante decepcionante! Me encantan las historias de otra gente! Me encanta leerlas y consumirlas, y adoro cuando leo algo que es bien diferente de las historias que escribo. De verdad me encantaría colaborar con un escritor y ser capaces de crear algo, un mundo único y completamente diferente. Veo a escritores como John Arcudi y Mike Mignola o Brian Vaughn y pienso en lo interesantes que son sus historias y cuan diferentes son a las mías…la idea de ilustrar algo tan distinto a lo mío es muy atractiva. Pero aún no ha ocurrido. En la mayoría de los casos, los escritores parecen pensar que me gusta dibujar historias sobre relaciones (un 80% del material que me mandan incluye ese tipo de cosas), lo cual, si han visto mi cuerpo de trabajo, resulta bastante confuso. He hecho cómics sobre familias demoníacas, chicas peleando en internados, zombies y chicas con súper poderes porque son divertidas y emocionantes de dibujar. Dibujar un sitcom no me resulta muy entretenido. No tengo ni idea si los escritores responden al hecho de que soy una chica, pero espero que no, EW.

3)      Las historietas consumen mucho tiempo! Solo puedo dibujar una novela gráfica al año (cerca de unas 300 páginas. Este año dibuje unas 240 sin contar las páginas de Superhero Girl , pero 96 de ellas tenían que ser coloreadas, lo que me enlenteció bastante) y tengo montones de ideas para mis propios cómics. Quitarle tiempo a mis propias historias para dibujar las de otra persona a veces no es posible si en realidad quiero ver las mías terminadas. Pero de nuevo, esto es cuando me ofrecen algún buen proyecto. Me delita cuando un buen guión cae en mis manos (como es el caso de Bigfoot Boy o Brain Camp, más sobre ellos en un rato) , pero eso no pasa muy a menudo. A veces me resulta un poco injusto que un escritor pueda escribir más cómics de los que yo soy capaz de dibujar. He conocido escritores que trabajan en dos o tres libros a la vez, mientras que yo solo puedo hacer uno (aunque de hecho ahora estoy haciendo dos, pero estoy muuuuuy atrasada en uno). Es frustrante. Ojalá pudiera clonarme y así dibujar todos los cómics. Tristemente, no puedo.

Pero de vez en cuando trabajo con otra gente. Hasta ahora he hecho dos novelas gráficas con otros: Brain Camp, que fue mi primera experiencia dibujando un guión ajeno, y la novela en la que estoy trabajando actualmente con el escritor J. Torres, llamada Bigfoot Boy.

Ambas experiencias son diferentes y presentaron sus propios desafíos, pero antes de hablar de ellos déjenme mencionarles cómo fue que terminé dibujando estos libros, porque esa es siempre la pregunta que más me hacen en las convenciones: “Soy un escritor y quiero hacer cómics. ¿Cómo hago para que un artista me dibuje el guión?”

La respuesta: PAGANDOLE.

En ambos casos los dos libros estaban en manos de editores que tenían dinero para pagarle al artista que fuera a dibujar esos guiones. Encima tampoco tuve que hacer un montón de trabajo para ser considerada: en el caso de Brain Camp dibujé tres páginas del guión, y para Bigfoot Boy ni siquiera tuve que hacer eso, solo hice algunos bocetos de los personajes. Así que el tiempo que he tenido que invertir en algún proyecto que puede ser que no pague ha sido mínimo. Para un artista sobre explotado como yo, tratando de hacer que mi trabajo se vea por ahí, eso era un factor muy importante.

Además, eran proyectos que estaban buenos. Brain Camp se trataba de un campo de vacaciones diabólico, y me hacía acordar a la película de Carpenter, The thing; una de mis películas favoritas. Bigfoot Boy tiene, bueno, tiene a pie grande (y yo soy canadiense.) Y los guiones estaban escritos por escritores experimentados con varios títulos publicados bajo su nombre, algo que es una gran ayuda. Cuando sos un dibujante trabajando con otro escritor, tenés que ser capaz de confiar en sus habilidades. Personalmente creo que en las historietas, una buena historia puede sobreponerse a un nivel de arte mediocre, pero si tu historia apesta, no hay una cantidad suficiente de buenos dibujos que puedan convertir a tu cómic en un buen cómic.

Ahora, sobre cómo se hace para atraer a un artista antes de alcanzar ese punto donde sos un escritor cuyo trabajo está en manos de editoriales que pueden pagarle a artistas para que lo dibujen…no tengo ni idea!

Y creo que soy la persona equivocada para preguntarle, porque yo me siento más cómoda escribiendo y dibujando mis propias historias. Conozco artistas que no escriben, y que tampoco tienen el deseo de contar sus propias historias, solo quieren dibujar. Pero esa no soy yo, así que no creo que mi respuesta a la antigua pregunta “¿Cómo atraes un artista si sos un escritor?” sea la norma.

Pero como sea, volviendo a mis experiencias dibujando los guiones de otros: Fueron buenas! Susan kim y Laurence Klavan fueron los guionistas de Brain Camp, y ambos estuvieron de acuerdo en dejarme dibujar el guión en base a lo que yo interpretaba. Me dejaron diseñar a los personajes de acuerdo a como yo creía que se tenían que ver (hice al protagonista masculino para que se parezca un poco a un joven Kurt Russell como referencia a The Thing), algo de disfruté mucho. El guión ya estaba terminado para cuando yo me sumé al proyecto, así que de verdad aprecié el hecho de que me dejaran poner mi estampa visual en el libro. Si hubieran estado todo el tiempo encima mío, o si se hubieran puesto muy demandantes con el aspecto visual del cómic probablemente hubiera terminado sintiéndolo menos “mío”, y me hubiera sentido como si me hubieran contratado para hacer solo un trabajo de ilustración.

Hasta ahora Bigfoot Boy ha sido muy divertido (bueno, menos la parte con el plazo súper apretado, pero bueno). Es un cómic para lectores jóvenes, es alegre y divertido y contiene un montón de comedia física y animalitos adorables. J.Torres es un escritor experimentado, y eso se nota.  El ponía páginas donde los personajes no hablaban, pero reaccionaban al mundo que los rodeaba, y eso era buenísimo. Como artista me siento confiada para contar una historia de forma visual, y eso es lo que uno quiere si va a estar dibujando el guión de otra persona.

Típicamente, hago mis cómics yo misma. En realidad eso es lo que más me gusta de hacer historietas: lo puedo hacer todo yo sola. Desde luego, hay otra gente genial involucrada en el proceso de creación de un cómic que va a ser publicado, editores y diseñadores e imprenteros y publicistas y algunos más de los que me puedo olvidar los títulos, pero la escritura y el arte en sí los puedo hacer sola. No soy una artista, y no soy una escritora. Soy las dos cosas. Soy una historietista, y eso es bastante genial.

©2012 Brainstorm producciones.

©2012 Faith Erin Hicks para todas las imágenes.

©2012 Friends with Boys para First Second publishing.

©2012 Jonathan Liu para la entrevista publicada en Wired.com.


Y ahora toda la lista de links:

http://www.friendswithboys.com/2011/11/page-102/  (proceso de una página)

http://www.friendswithboys.com/2011/12/page-111/  (entintando con pincel)

http://www.friendswithboys.com/2011/12/page-125/  (por qué hace comics sola?)

http://www.friendswithboys.com/2012/01/page-175/  (Cómo es que vive de hacer cómics)

http://www.wired.com/geekdad/2012/02/interview-faith-erin-hicks/ (Entrevista por Jonathan Liu)