Hablemos de formatos.

Para comenzar podemos arrancar por preguntarnos inicialmente ¿Qué es un comic? Para luego llegar a la pregunta que actúa como motor de éste proyecto: ¿Cómo se hace un comic?

Hay que hacer varias distinciones ya que no todo es lo mismo en cuanto a formatos y contenidos, así que si sabes o crees saber todo lo necesario como para saltearte éste preámbulo a las entrevistas, siéntete libre de pasar directamente a ellas. Si por el contrario eres nuevo en el terreno de los comics o si solo quieres quedarte para hacer rendir el tiempo que estas invirtiendo en visitar la página te invito a quedarte y acompañarme en éste recorrido por la estructura de un comic.

Bueno pues; ¿Qué es un comic? Una de las primeras acepciones que se pueden tomar es la del formato y por formato hablamos de la forma física que se usa para presentar el contenido. Un comic (generalmente acortado del término comic-book) es una revista formada por dibujos e ilustraciones que cuentan una historia haciendo uso de la narrativa visual, maridando imágenes y texto en forma de dialogo (en la forma de los emblemáticos globitos) o breves párrafos descriptivos. El primer comic book apareció en EE.UU en 1933 y era una reimpresión de tiras cómicas de las que salían publicadas en los diarios. Como la mayoría de las tiras eran de tono cómico se les llamo comic book a las revistas (o libros) que las recopilaban, acuñando así un término que no solo serviría para encasillar un tipo de publicación, sino que además iba a definir un medio a través del cual nuevas generaciones de artistas iban a buscar una forma para poder expresarse. Hoy día los comics no son cómicos exclusivamente, de hecho ya casi son un terreno monopolizado por el género particular de los superhéroes, pero más sobre eso en un rato.

Si bien el término surge de los EE.UU no es en éste país el único lugar del planeta donde se produce éste tipo de arte, de hecho es algo popular en todo el mundo y en cada país tiene su propio nombre: en España se los llama historietas (como en Latino América) o tebeos, en Brasil y Portugal se los llama quadrinhos, en Italia son fumetti, en Francia y Bélgica son llamados bande dessinée, en Corea es manhwa y en Japón manga, pero aunque tenga todos éstos nombres diferentes la esencia es una sola, la de contar historias empleando dibujos y texto.

Además de diferentes nombres hay también diferencias en cuanto a los géneros que abordan (ya que hay comics de horror, suspenso, aventuras, romance, ciencia ficción, superhéroes, infantiles, adultos, autobiográficos y un montón mas) y a los formatos que se emplean. Tomemos algunos de los formatos principales del medio y veamos un poco de qué se tratan y como se emplean.

Batman, paladín del genero de super heroes y
 en este caso estandarte del cómic americano.

El formato comic book típico americano es en forma de revista, impresa a color o blanco y negro con una cantidad promedio de 22 a 26 páginas de arte más tapas y por lo general de publicación mensual. El tamaño de impresión es de aproximadamente unos 17 x 26 cm aprox.  pero se suele trabajar los originales en un tamaño mayor, en planchas de 28.5 x 38.5 cm para que el artista tenga mayor libertad de movimiento y pueda hacer mejor su trabajo. Además al verse reducido el tamaño la calidad del arte terminado luce un poco mejor. En éste tipo de publicaciones el trabajo de los autores suele estar segmentado en campos de especialización ya que la escritura de la historia suele estar a cargo de un escritor o guionista, el dibujo es llevado a cabo por un grupo de gente que incluye al dibujante a lápiz, al entintador y luego al colorista. Más tarde se va a sumar el rotulador que es quien se encargará de colocar sobre el arte los diálogos y las narraciones junto a los efectos de sonido si es que son necesarios, todos bajo la mirada de un coordinador llamado editor que se encarga de que los plazos y la calidad del material sean entregados en tiempo y forma a la compañía que se va a encargar de publicar el material. Generalmente se usa éste formato en los títulos de periodicidad mensual aunque no exclusivamente. A lo largo de los años han surgido modificaciones en cuanto a la presentación del material siendo considerados comic books aquellos que continúan mes a mes y terminan con el clásico “Continuará…”, luego están los one-shot (lit. un tiro) que son historias con más páginas de lo habitual pero que presentan historias auto conclusivas, el número de páginas en éste caso varía desde las 32 hasta las 64. En los 90 eran populares unos libros tipo one-shot pero con mejor calidad de impresión y lomo en lugar de grampas, ellos se llamaban prestiges, pero con el paso del tiempo fueron quedando de lado y de sus cenizas surge un nuevo formato que hoy día es uno de los más populares del mundo, la novela gráfica.

Novela gráfica "Habibi" del
autor Craig Thompson.

En su mejor interpretación se entiende como novela gráfica a un comic con muchas páginas, armado en forma de libro con lomo cosido y/o encolado y por lo general auto conclusivo. En cuanto a la cantidad de páginas que conforman una novela gráfica no hay una regla o norma estipulada, éstas pueden ir tranquilamente desde las 48 hasta las 700 páginas (como algunas de las del autor americano Craig Thompson) pero eso depende básicamente del autor. En éste tipo de trabajos también se suele trabajar en equipo pero ya hace su aparición la figura del autor, aquel que se encarga tanto de escribirla como de dibujarla (y en algunos casos hasta de colorearla y rotularla). No hay que confundir novela gráfica con tomo recopilatorio, la primera es algo nuevo y original, el tomo recopilatorio junta y re-imprime una serie de números de una colección determinada que fue impresa con anticipación y serializada en formato comic book.

Cixi de Troy, ejemplo de álbum europeo.

Luego tenemos el álbum europeo, un libro parecido a una novela gráfica pero que al igual que los comic books puede presentar personajes recurrentes que formen parte de una historia más abarcativa serializada en subsecuentes volúmenes. Suelen estar impresos a todo color y en varios casos ya salen en versión de tapa dura. Su periodicidad y tamaño en cuanto a cantidad de páginas depende generalmente del autor (ya que suele ser uno solo el que escribe y dibuja) y la frecuencia entre tomo y tomo puede variar yendo desde los seis meses hasta los cinco años entre sí. El formato que se usa para los originales es también grande, siendo de unos 35 x 50 cm aprox. con una salida de imprenta de alrededor de los 23.5 x 31cm. Suelen ser llevados a cabo por un solo autor que concibe la obra como un todo y la va realizando de a poco o en capítulos. En Europa algunos artistas llegan a tener el estatus de estrellas de rock y cada uno de sus libros es esperado con ansias y recibido con buenas críticas tanto por parte de los medios especializados como por parte de los lectores. Algunos ejemplos de autores europeos son Jean Girard (Moebius), Hergé, Massimiliano Frezzato o Peyo con sus títulos “El Incal”, “Tin Tin”, “Los guardianes del Maser” y “Los Pitufos” respectivamente. Luego hay duplas famosas de guionista y dibujante como pueden ser Goscinny y Uderzo en “Asterix” y Diaz Canal y Guarnido en “Blacksad”.

Página original de "Cixi de Troy" del artista francés Olivier Vatine.

Portada del Vol.25 de Vagabond,
el manga de Inoue Takehiko.

Luego llegamos a Japón y al manga. Una de sus mayores características es la longitud de sus historias ya que éstas se suceden a lo largo de muchos tomos de unas 200 a 250 páginas cada uno, llegando a haber historias que para ser completadas llegan a tener 40 o 60 tomos como puede llegar a ser el caso de uno de los mangas más populares del mundo “Dragon Ball” del artista Akira Toriyama. Pero sin ningún lugar a dudas la mayor característica del manga es su singular estilo grafico, popular en todo el mundo a causa de la tendencia de sus artistas por dibujar personajes con ojos enormes y pelos de variadas formas, largos y colores. Su serialización se lleva a cabo en revistas enormes del tamaño de una guía telefónica en la que se publican varias series a la misma vez. Con el paso del tiempo y la acumulación de páginas de un mismo título se vuelven a publicar esos capítulos en tomos recopilatorios, ahora en un tamaño menor (más fácil de coleccionar y guardar) e impreso en papel de mejor calidad con algunas páginas a color y una sobre cubierta, en un tamaño impreso de unos 13 x 18 cm, aunque también hay libros de mayor tamaño.

Portada del Vol.16 de Ikkitousen,
manga de Yuji Shiozaki.

Aquí también se trabaja en blanco y negro y en un formato un poco mayor al de la página impresa, pero de los tres tipos es el que suele tener los originales de menor tamaño. Al igual que el álbum europeo las historias suelen estar a cargo de una única persona que la escribe y la dibuja, solo que dado el caudal de páginas y su periodicidad (en algunos casos se publican capítulos de 16 páginas semanales) los autores suelen tener a mano a un grupo de ayudantes para que terminen algunos fondos o secuencias cuando se ven bajo la influencia de la fecha de entrega. Al artista que realiza manga se lo llama Mangaka y algunos de los más famosos son Masamune Shirow (Appleseed, Ghost in the Shell, Dominion tank police), Katsuhiro Otomo (Akira), Nobuhiro Watsuki (Rurouni Kenshin – Samurai X) y el llamado manga-no-kamisama (dios del manga) Osamu Tesuka (Astro boy, Kimba el león blanco) junto al anteriormente mencionado Toriyama.

En los últimos 10 años la influencia del manga sobre el resto del mundo ha crecido a tal nivel que ha generado dos subculturas editoriales en el mundo, el ibero-manga (comic con estilo manga pero hecho por autores europeos tratando de imitar el estilo japonés) y el ameri-manga (lo mismo pero hecho más que nada en EE.UU). En muchos países del mundo es el manga el que lidera las listas de ventas y la ventana por la que las nuevas generaciones de lectores se acercan al mundo de la historieta. Parte de esto se debe también a que la mayoría de los títulos cuentan con una versión animada que se emite por televisión y el atractivo agregado de un sinfín de merchandising que va desde los libros de ilustraciones hasta las estatuas de PVC, pasando por pins, llaveros, tazas y cualquier otra cosa que se pueda vender. 

Esta presencia de material en múltiples plataformas hace que los interesados en una de ellas terminen volcándose luego a alguna de las otras, creando una especie de polinización cruzada que hace que el mercado se mantenga constantemente vivo.

Calvin & Hobbes, legendaria tira cómica de Bill Waterson.

Todo ésto dentro de lo que generalmente se da a llamar comic, pero nunca nos podemos olvidar de la forma que dio origen a ésta nueva modalidad, la llamada tira gráfica o comic strip. Son éstas las famosas historietas que suelen salir en los diarios, de periodicidad diaria o semanal, hechas tanto a color como en blanco y negro pero siempre de corte más bien cómico en cuanto al tono de la misma o los temas que abordan. Algunos de los casos que mejor ejemplifican el concepto de tira cómica son “Calvin & Hobbes” del americano Bill Waterson o “Mafalda” y “Yo, Matías” de los argentinos Quino y Sendra respectivamente, o más recientemente la híper popular “Macanudo” de Liniers. 

"El señor que traduce el nombre de las películas"
Parte de Macanudo, de Liniers.

Si bien las tiras suelen tener una duración de unos pocos cuadros dentro de una sola línea de espacio (de ahí el nombre de tira) en el caso de algunos diarios o revistas se les suele dar mayor espacio en el suplemento de los domingos, donde en vez de una tira suelen contar con una página entera o en algunos casos una media página. En el caso de Calvin & Hobbes los libros que recopilan toda la obra de Waterson ponen en conjunto las tiras ordenadas según su fecha de publicación y se les agregan las llamadas páginas dominicales donde sea pertinente. También cabe señalar que mientras las tiras diarias pueden ser en blanco y negro se suele presentar las páginas dominicales a todo color.

Seguimos nuestro recorrido y llegamos a la más reciente forma de publicación (por así llamarla), una forma que no solo refleja la señal de los tiempos, sino que además debe su popularidad a lo económico de su producción y a la eliminación de intermediarios. Estamos hablando del web cómic. Desde luego, ésta nueva forma de editar se ha hecho increíblemente popular desde que las conexiones a internet han ido mejorando a nivel global. Es más económico porque elimina el gasto asociado al papel y a la impresión del mismo, ya no hace falta estar pendiente de imprenteros poco confiables ni hace falta enseñarles cómo es que se publica un cómic (créanme, eso pasa). También quita del medio al editor (en algunos casos) ya que es el propio autor el que tiene el control sobre su propia obra y decide cuando postearla y de qué forma. 

Hay sitios que publican tiras cómicas de actualización diaria, como puede ser el caso de "Penny Arcade", y hay algunos en los que se publican historias completas pero con periodicidad variable, como puede ser el caso del sitio “Marche un cuadrito” donde se publica una página de una historia distinta todos los días. También está el caso del sitio “Historietas Reales” de un formato similar al anterior y el caso particular de la artista canadiense Faith Erin Hicks, quien publica una página por día de su nueva novela gráfica “Friends with Boys” en el sitio del mismo nombre. La diferencia más notable en éste caso en particular es que el libro ya está completo y va a ser publicado en formato impreso por la editorial americana First Second, quienes junto a la autora decidieron ir poniéndolo online con la esperanza de ir generando lectores que se enganchen con la serialización de la historia y vayan a comprar la versión impresa una vez que esta se encuentre disponible en las tiendas.  Otro caso similar puede ser el de la nóvela gráfica “reMIND”, hecha por Jason Brubaker y serializada en su propio blog antes de que el propio autor se encargue de publicarla como libro de forma independiente. 

Maco X Maco.

Algo que probó ser un éxito, ya que según su blog el libro se vende muy bien y ya está por comenzar la continuación, a ser publicada de la misma forma.

También están aquellos autores que hacen uso de internet para expresarse y experimentar con el medio y sus posibilidades, y que ya piensan en términos de la web a la hora de crear. En Uruguay está el blog de Maco, una joven artista que desborda talento y hace uso de la red para mostrar sus trabajos y cosechar seguidores.

Varios Mini comics de la artista norteamericana Stephanie Yue.

Si seguimos hablando de formatos no podemos dejar de nombrar al que a veces parece ser el patito feo del grupo, el Fanzine. Fanzine es un anglosajismo que resulta de combinar los términos Fan (fanático) y Magazine, quedando entonces como designación para una revista hecha por un fanático, sin intervención editorial ni capital ajeno. Se les puede decir “patito feo” por lo tosco de su presentación y en algunos casos lo pequeña que es en cuanto al tamaño. Suelen ser históricamente revistas de pocas páginas hechas todas a mano e impresas en hojas de tamaño A4 dobladas al medio y engrampadas en el lomo. Se suelen presentar así porque la manera de imprimirlas es por medio de fotocopias, lo que hace que la calidad de impresión palidezca notoriamente comparada con el siguiente eslabón de la cadena, la impresión offset. En los EE.UU se los conoce como mini cómics y disfrutan de un mercado propio que ha venido en alza en los últimos años, donde los lectores parecen tener un poco más presentes a las personas y el esfuerzo que hacen para salir a competir al mercado. Sin lugar a dudas el fanzine es el mejor medio posible para comenzar a publicar algo y así darse a conocer, no solo porque su costo de producción no se compara con el de algo más elaborado sino porque además le va brindando a su autor una muestra de lo que conlleva el proceso editorial.

¿Pero es sustentable la empresa de editar y publicar cómics? ¿Es conveniente ofrecer el material online de forma gratuita para después ofrecerlo de forma paga en formato impreso? ¿Es un mini cómic menos valedero que el resto por su formato?

Por si no se han dado cuenta, el Inglés les va a ser de mucha ayuda
a la hora de indagar gran parte del material que vamos a ver.

Vamos a hablar del aspecto editorial y de producción en una próxima entrega y en venideras entrevistas que vamos a tener con editores, tanto profesionales como independientes (aunque una cosa no quita la otra, ojo con eso) hablaremos sobre en qué consiste hacer un cómic más allá de escribirlo y dibujarlo. Hablaremos pues de impresión, publicidad, distribución y hasta fórmulas de trabajo y cómo y cuándo involucrar un contrato que contemple tanto aspectos económicos como de la división del trabajo y de los derechos de la obra.

Hasta entonces sigan con nosotros que todavía queda mucha tinta virtual por ser derramada con respecto al tema de la historieta.