Entrevista a Federico Taibo Bassano

También conocido como Taibox, es un joven artista que al igual que otros tantos intenta abrirse paso dentro del inexistente mercado del cómic uruguayo. Es artista gráfico y como tal realizó la tapa y las ilustraciones para el libro “En mi escuela pasan cosas raras…” de la autora Helen Velando. Además se lo ha visto frecuentando a los miembros del colectivo artístico llamado G.A.S. (Grupo de Arte Secuencial) donde se codea con gente como MaGnUs, Federico de los Santos y Carlos Lemos entre otros. En la actualidad está ilustrando la tira semanal “Mi vida sin un Jetpack”, escrita por MaGnUs y publicada en la web. Cuando no está trabajando en algún proyecto visual es descaradamente interrumpido por gente que viene a hacerle preguntas sobre su proceso creativo y sus métodos de trabajo.

Datos personales.

Nombre y apellido:   Federico Taibo Bassano

Lugar de nacimiento:  Montevideo, Uruguay

Fecha de nacimiento:  3 de Julio de 1980

Base de operaciones:  Villa del Cerro, Montevideo

Primer trabajo publicado: Digitalmente; Quest (guiónada y dibujada por mi), en papel Luna Carmesí (Guión: Alejando Castro)  

¿Cómo dirías que el comic entró en tu vida?

Cuando tenía 5 o 6 años, estaba de vacaciones en un camping de Piriápolis con mis viejos y una de las veces que fuimos a la rambla, entramos en un comercio pequeño que vendía revistas de todo tipo y me llamó la atención una serie de pilas de comics, discriminadas por genero, mi madre me compró dos o tres revistas viejas de La Zorra y el Cuervo.
A los pocos días volvimos al comercio y tras revisar un poco mas, encontré unos números sueltos de la versión española de Judge Dreed, Strontium Dog y ABC Warriors (2000 AD), fue allí que conocí a “los tebeos” y supe que una de las cosas que debía hacer en la vida era seguir adquiriendo y leyendo comics.

¿Cuándo tomaste la decisión de pasar de leerlo a hacerlo?

Siempre me gustó dibujar y al mismo tiempo que empecé a coleccionar comics, me dieron ganas de dibujar los personajes que allí aparecían. Hasta los 12 años jugábamos con mis compañeros de clase “guerras de dibujo”, que consistían en dibujar un personaje conocido (casi siempre eran superhéroes) y luego debatir quien lo había dibujado mejor. Siempre terminaba en un empate técnico, por una cuestión de egos.
Ya en el liceo los compañeros y los profesores me incitaban a asistir a algún curso de dibujo o de caricaturas, porque les gustaba como dibujaba. Me negué a hacerlo durante años, alegando que yo era un simple pibe que dibujaba bien y que para dibujar profesionalmente se necesitaba talento, cosa que yo no creía tener.
Fue en el 2007 cuando decidí asistir al Curso de Realizador de Comics en Bios [una academia de computación que además tiene un curso sobre cómics] y luego de entrar al “mundo del comic”, no pude salir nunca más. 

En Uruguay (hasta hace poco) era proverbial la falta de cursos o de institutos que enseñaran narrativa. ¿Cuáles fueron tus métodos de aprendizaje?

Durante años, dibujé lo que veía. Simplemente trataba de que los elementos quedaran proporcionados y en su lugar, luego en el liceo me sirvieron mucho las clases de dibujo, para aprender un poco mas las técnicas de dibujo al natural, perspectivas, y todo lo referente al dibujo técnico.

En un país como éste, donde hay producción pero no hay publicación sustentada por algún medio ajeno (por lo menos hasta la aparición de los fondos concursables), me imagino que como la mayoría de nosotros tuviste que tirarte a la pileta de la auto edición sin saber nadar. ¿Dónde llevaste a cabo tu investigación al respecto, como aprendiste los pormenores del asunto?

Las primeras pautas de la auto edición, me las enseñó Aroldo en el curso de Bios. Allí el fija como meta que cada uno llegue algún día a realizar un fanzine para poder tener un trabajo que mostrar. Más o menos nos explicó como viene la mano con las comiquerías, la distribución y todo eso.
Pero una cosa es que te muestren el camino y otra muy distinta es caminarlo, al principio veía al fanzine como algo lejano y hasta innecesario, debido al crecimiento de los blogs y la posibilidad de mostrar tu trabajo en la web, pero luego entendí que era necesario imprimir un trabajo, que el fan necesita tener un comic en su mano, algo tangible, dejar la ruedita del mouse y pasar las páginas de forma tradicional.
Así fue que junto al resto de los miembros de GAS Comics dimos un “salto de fe” con GAS3K y aún teniendo una buena aceptación por parte del público, nos dimos cuenta todo lo que nos faltaba aprender.

Muchos de nosotros somos hijos de los comics de superhéroes. ¿Eso influenció tu trabajo?, ¿Preferís historias sobre gente con o sin spandex?

Con orgullo puedo afirmar que los superhéroes me mostraron el comic, aunque también leía otros géneros, descubrir a Wolverine en una viñeta donde discute con Magneto  (quien antes era “malo” y ahora estaba con los “buenos”) mientras este usa a Cerebro para localizar un mutante, para mí (que en ese entonces tenía 10 años) fue algo increíble.
Hoy en día tal vez el comic de superhéroes no sea lo que mas me atrae, pero tiene siempre un lugar reservado en mi biblioteca.

Ya que ése genero en particular es un medio cooperativo donde todo se hace por separado, con un guionista escribiendo la historia, un dibujante haciendo los lápices, otro entintando todo, un letrista, un colorista y un editor examinando cada paso del proceso, ¿alguna vez trabajaste en equipo?

Varias veces me ha tocado trabajar en equipo, pero debido a lo escueto que es el medio local, nunca fueron mas de dos personas; el guionista escribiendo y yo dibujando, entintando, coloreando y rotulando.
Últimamente estoy trabajando con MaGnUs, que además de guionista es rotulador, por lo cual las tareas pueden repartirse de forma más equitativa y el proceso creativo es más fluido. 

¿Cómo es tu proceso creativo?

Todo empieza con una idea general, que poco a poco se va expandiendo hasta llegar a un argumento (principio - medio – fin). Luego considero que es importante desarrollar los personajes principales y sus trasfondos para luego poder sacarles mejor provecho en el guión.
Después, me gusta hacer bosquejos de cada pagina (layouts) donde puedo ver a grandes rasgos como va a lucir el trabajo final.
La parte de los diálogos en mi caso es la más complicada y lo que me lleva más tiempo (es por eso que me gusta trabajar con un guionista), por eso dejo siempre esa parte para el final.

¿Haces muchos bocetos antes de comenzar o vas derecho a la página?

Siempre trabajo con un bosquejo general de la pagina (layout), donde están ubicados los cuadros, los planos y en caso de que me toque hacer el rotulado, los globos de diálogo.
A veces, veo la necesidad de hacer bosquejos mas específicos, casi siempre son poses o planos de personajes o elementos que aparecen en los cuadros, pero trabajo bastante de forma directa sobre la página.

¿Cuáles son tus herramientas? (lápices, minas, marcadores, pinceles, tinta, etc)

Básicamente uso un lápiz para bosquejar, que es simplemente un lápiz de carpintero de esos rojos que venden en las ferreterías, un lápiz mecánico .05, una goma sintética, fibras Pilot negras (generalmente 01, 03 y 05), tinta china (negra y blanca), pincel, pluma y un marcador permanente grueso (tipo Sharpie) que lo uso para reforzar las masas de negro. Nunca debe faltar el corrector blanco, para tapar errores o hacer algún efecto.
También me gusta probar cosas nuevas, ahora estoy entintando con unas fibras Faber, una de ellas tiene punta  de pincel.

¿Qué tipo de papel usas para dibujar?

Generalmente uso papel Caballito de 180g, el tamaño puede variar ya que unas veces trabajo en tabloide y otras en A3.

¿En qué tamaño soles hacer los originales?

Yo aprendí de entrada a trabajar en tabloide (43.2 x 27.9 cm), el inconveniente que eso trae es que hay que recortar una hoja de 1/2 wattman para ajustarla a tabloide y eso consume tiempo.
Hace un par de años probé con las hojas de 1/8, cuyo tamaño es bastante cercano al A3 y me resultaron bastante cómodas para trabajar, así que seguí con ese tamaño hasta el día de hoy.
Para las tiras, uso las hojas A4 comunes, que de forma apaisada dan justo con la medida.

¿Preferís trabajar en papel o en digital?

Me gusta dibujar y entintar en papel, donde puedo mover la hoja como yo quiera y no existen los pixeles ni los niveles de presión de la tableta. Luego me gusta colorear digitalmente.
Muchas veces hago el dibujo en función del coloreado, teniendo en cuenta la paleta y los efectos que quiero darle a la página.

¿Cuál es tu set up digital, que clase de equipos tenés?

Tengo una PC, AMD Athlon 64x2, una impresora Epson TX115 multifunción (scanner e impresora) y una tableta digitalizadora Wacom Bamboo.
Para el coloreado, tengo varios programas  (Manga Studio, Paint Tool Sai, Corel Painter X) pero el que mas uso es el Photoshop CS4.
Después uso el Adobe Illustrator CS4 para el rotulado y el In Design CS4 para armar los archivos PDF.

¿Cuándo trabajás lo hacés en silencio o por ejemplo escuchás la radio?

 Generalmente esta la TV prendida, de no ser así trabajo en silencio. No es por nada en especial, simplemente que estoy concentrado en el trabajo y cuando dibujo no le presto atención a nada más. La tele esta prendida siempre en casa y queda encendida cuando empiezo a dibujar

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¿Cuánto tiempo promedio pasas en la mesa de dibujo?

 Cuando trabajo en un proyecto específico, sea pago o no, paso entre 4 y 6 horas dibujando, entintando y muchas veces coloreando digitalmente también. Obviamente que me tomo pequeños descansos, que también sirven para tomar distancia y replantear cosas de la página o la ilustración en la cual estoy trabajando.

¿Cuál fue la sensación al ver tu primer trabajo publicado (y donde fue)?

Mi primer trabajo publicado fue en la revista de Montevideo Comics 2010, con la historieta Luna Carmesí (con guión de Peter Parker) que quedó en el 2º lugar del Concurso de Historietas Montevideo Comics y coincidió con mi “debut” como expositor, en el stand de GAS Comics. Al mismo tiempo salió la revista del Taller de Guionado de Comics del Centro Cultural “H”, donde también se publicó Lily (guión de Andrea Rodríguez), una historieta que, al igual que Luna Carmesí, fue realizada en dicho taller.
La sensación fue rara, porque estábamos atendiendo el stand de GAS Comics en el evento y venían colegas a felicitarme por el premio y gente pidiéndome que le mostrara los lápices de la historieta y preguntando donde había aprendido a dibujar y toda esa “gimnasia” que tienen las convenciones, a la cual yo no estaba acostumbrado, ya que anteriormente solo había asistido como espectador, nunca como expositor.

¿Cuándo estás escribiendo y dibujando un libro (comic), que viene primero?, ¿Cómo hacés para trabajar la historia?

En mi caso, luego de tener la idea general, lo primero que mi mente procesa es la parte gráfica. Las páginas y los cuadros son las primeras cosas que resuelvo y luego las voy acomodando de acuerdo a las necesidades del guión.
Hay que cuidarse de no caer en el “vicio” del dibujante/guionista, donde las ganas de dibujar ciertas escenas o cuadros le ganan a necesidad de hacerlas.

¿Cuándo haces thumbnails, seguís el orden secuencial o vas saltando de escena en escena yendo a las cosas específicas que más te llaman la atención primero?

Generalmente sigo el guión, de lo contrario temo perderme resolviendo algo que no tenga mucha importancia en la historieta.

Proceso de Federico, desde los lápices hasta llegar al color.

Ya que muchas veces nosotros mismos tenemos que ponernos diferentes trajes (el de guionista, dibujante, entintador), ¿Sos de ponerte en el lugar del editor mientras estás trabajando?, ¿Te vas auto editando a vos mismo o dejás que las cosas salgan como salgan?

Siempre trato de dar un paso atrás y mirar como van las cosas, inclusive les pido a mis amigos o familiares que estén en la vuelta su opinión. Creo que la autocrítica es un ejercicio saludable y que las ganas de publicar y ver el trabajo terminado no debe atentar contra la calidad del producto. Hay que tomarse un tiempo prudencial para la autocrítica y tratar siempre de sacar el mejor producto posible.

¿Cuándo estas en medio de un proyecto tu forma de trabajar es fluida o sos más bien estructurado?, ¿Sos de cambiar cosas a medida que las vas haciendo o te regís por el guión?

Siempre trato de tener una estructura básica de trabajo, pero si veo que algo se puede cambiar para mejorar el comic, lo hago sin problemas.

Dado que vivimos en un lugar y en una cultura donde la piratería parece ser reina, y donde los comics se consiguen digitalizados prácticamente el mismo día en que salen a la venta, ¿Cuál es tu postura frente a la piratería de comics por internet?, ¿Te molestaría (o te molesta) saber que tu trabajo puede estar escaneado por ahí sin redituarte ganancia alguna? (no tomar en cuenta el trabajo que se hace para blogs y cosas por el estilo)

 Por un lado es bastante molesto, porque la piratería de una u otra forma te quita ventas y si querés ganar un peso con esto, aunque sea lo mínimo como para poder costear la impresión, no podes vivir solo de los coleccionistas que quieren tener todo en papel, a alguien mas tenés que poder venderle tu producto y hay gente que si puede conseguir las cosas "de arriba" lo hace y no te compra nada.

Pero por otro lado, está el tema de la difusión y para eso nada mejor que la "descarga directa", mucha gente conoce lo que uno hace por los scans de la web y la verdad, esta bueno llegar a una convención y que la gente conozca lo que uno hace.

Si la pirateria viene mas por el lado de DC, Marvel, Image, Dark Horse, etc, me tiene sin cuidado. Las grandes editoriales saben cómo hacer para poder vender más y si no han acabado con los scans es porque de última no les hace tanta mella.


¿Sos de usar referencia?, ¿Cuál es tu relación con ella y de donde la conseguís?

Uso referencias cuando necesito representar lugares, personajes o elementos específicos, generalmente reales.
En la historieta que hicimos con MaGnUs para Bandas Orientales, usé mayormente imágenes de la película Artigas: La Redota, me sirvió mucho para plantear el ambiente y el paisaje humano en el que se ubicaba la historieta.
Para los personajes históricos tome como referencia mas que nada pinturas de la época.

¿Buscás o ves arte fuera del terreno de los comics?

Luego del comic, la música, el cine y las series de TV son lo que mas disfruto y consumo.
Muchas de las ideas que se me ocurren para los comics surgen de ahí.

¿Cuáles son tus influencias como artista?

Hay muchos artistas que admiro, desde Travis Charest, Adam Huges y  Leinil Francis Yu, hasta Frank Miller y Eduardo Risso, pasando por Joe Madureira y Humberto Ramos.
De todos esos “maestros” trato de sacar detalles, de ver como resuelven ciertas poses y cuadros, para luego intentar aplicarlos en mis trabajos, sin que este termine siendo una “fotocopia” de esos artistas.
Esta bien tomar referencias, pero creo firmemente que lo peor que le puede pasar a un artista es ser la “copia al carbón” de un gran artista.
Creo que debemos buscar nuestra propia identidad en el trabajo, aquello que hace que el lector diga “esto lo dibujó Fulano”, sin necesidad de ver los créditos.

¿Cómo artista, que es más importante, el dibujo o la narrativa?

 Desde mi humilde punto de vista, en lo primero que se debe enfocar un dibujante nuevo es a la calidad del dibujo, independientemente del estilo. O sea; cualquiera sea el estilo que se aplique, tratar de ejecutarlo bien. La narrativa es muy importante, pero se va puliendo página a página. 

Hay que tener en cuenta que una buena narrativa poco tiene que ver con la cantidad de cuadros que tenga la página, sino con lo que transcurre en esos cuadros y como el lector los relaciona.

¿Qué es lo que intentás transmitir cuando hacés un comic?

 Entretenimiento. Ya sea una tira humorística semanal o una novela gráfica con un guión profundo, de un abordaje más complejo, apunto siempre a que la mayor cantidad de gente se entretenga con mi historieta.

¿Cuál es tu mayor satisfacción al hacer comics?

 El comic, como forma de arte, es el producto de la imaginación de quienes lo crean, y ver materializada una idea que hace tiempo uno tenía en la cabeza, siempre causa gran satisfacción.

Lo mismo cuando uno trabaja con la idea de otra persona, que un guionista que no te conoce personalmente te diga "...Wow! ... está perfecto..." es también muy satisfactorio, ya que interpretar ideas ajenas no es nada facil.

Pienso que debe pasar lo mismo en la música, la escultura, la pintura, etc. Ver materializadas las ideas es algo muy satisfactorio.

¿De ser capaz de elegir, donde te gustaría publicar? (Revista, país, editorial, no importa)

Si tuviera que elegir una editorial en particular, elegiría Marvel.
Empecé siendo fan de los superheroes y sobre todo del Universo Marvel, es por eso que tengo un apego especial por esa editorial.

¿Si tuvieras que describirte de alguna forma, como lo harías?, ¿Artista, historietista, narrador, caricaturista…?

He realizado varias tareas que tienen que ver con lo gráfico, pero donde me siento mas cómodo es en aquello que tenga que ver con el comic, por lo cual creo que “historietista” es la palabra que mejor me describe.

¿De que trabajás para pagar las cuentas?

 Para pagar las cuentas he trabajado de varias cosas en varios lados, en estos últimos años es mi oficio de electricista el que me ha pagado la mayor parte de las cuentas, aunque últimamente me estoy dedicando mas al diseño gráfico y a la ilustración que a otra cosa.  

¿Algún consejo para el aspirante a artista?
Primero que nada, tratar siempre de cultivarse, de asistir a talleres, cursos, clínicas, adquirir manuales y videos sobre diversos artistas y sus respectivas técnicas, todo eso ayuda a forjar un estilo propio y a consolidarse como artista.

Nunca dejar de dibujar/escribir, hay que ejercitarse siempre para no perder el ritmo y a su vez ir mejorando página a página.

Hay que perder la vergüenza y mostrar lo que uno hace, no solo a los parientes y amigos, que siempre nos van a decir "...¡Que lindo!...Está buenísimo..." , o a otros colegas en las charlas y convenciones, hay que atreverse a publicar en la web y recibir críticas de todo tipo.

Y lo más importante, no desanimarse. Muchas veces uno se encuentra en situaciones feas, de grandes decepciones, ya sea en el comic local o trabajando para el exterior. Pues no hay que desanimarse, cuando una puerta se cierra hay diez que se abren, solo hay que tener paciencia y seguir intentando.

Web: http://taibox.deviantart.com

http://sinjetpack.thecomicstrip.org/

©2012 Brainstorm producciones.

©2012 Federico Taibo Bassano para todas las imágenes.
©2012 "Mi vida sin un Jetpack" Federico Taibo Bassano y Magnus.