Richard es artista, es
un dibujante de historietas uruguayo que trabaja para afuera. Es artista para Avatar Press (la editorial de Warren
Ellis), para Boundless; que es algo
así como un sub sello dentro de Avatar donde se publica la creación de Brian
Pulido “Lady Death”( personaje al que Richard ha dibujado en incontables
ocasiones, yendo desde las portadas hasta algunos números donde se encarga de
los interiores), además publica en Europa para los sellos Clair de Lune y Paquet.
Sus trabajos incluyen material hecho para la anteriormente mencionada Lady
Death, Anna Mercury, Le Capitaine Nemo, Freedonia y The Heat. Una de sus
mayores características es que hoy en día es uno de los pocos “good girl
artists” que quedan dando vueltas por ahí, o sea que es uno de los pocos que
hacen un oficio del hecho de dibujar mujeres bonitas en posturas sugestivas. Su
cuerpo de trabajo es importante y vale considerar que es uno de los pocos
artistas uruguayos que han conseguido tener una proyección internacional y han
logrado mantenerla. Su nombre se ubica junto al de Eduardo Barreto, Christian
Duce o Ignacio Calero, todos artistas que han sabido dejar su impronta en un
mercado por demás competitivo. Muy amablemente Richard nos brinda algo de su
tiempo y nos habla sobre sus métodos y sus orígenes en el campo de la
historieta.
Datos personales.
Nombre y apellido: Richard Ortiz
Lugar de nacimiento: Montevideo, Uruguay
Fecha de nacimiento: 19 de Marzo de 1975
Base de operaciones: Montevideo
Primer trabajo publicado: Profesionalmente Lady Death, en
el 2004. Pero lo primero fue en el 2001, un comic independiente, Montevideo
Ciudad Gris #03, luego Viviana y Yamandú para la República.
¿Cómo dirías que el comic
entró en tu vida?
No recuerdo como ni cuando entró, creo que estuvo siempre.
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| Illustración doble para portada de Anna Mercury. |
¿Cuándo tomaste la decisión
de pasar de leerlo a hacerlo?
Estando en el liceo comencé a dibujar mis primeras historietas, como
puro divertimento y para mí solo. Escribía guiones y diseñaba personajes todo
el tiempo. Pero no fue hasta cursar Bellas Artes que comencé a verlo como una
opción laboral. De todas formas mi camino laboral con el dibujo fue el
siguiente: dar clases de dibujo durante años, dibujar storyboards y ahí sí, me
animé a mandar muestras a editoriales de comic.
En Uruguay (al menos en la
época de formación de los artistas de Mí generación) era proverbial la falta de
cursos o de institutos que enseñaran narrativa. ¿Cuáles fueron tus métodos de
aprendizaje?
Cursé la UTU Pedro
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| Lady Death. |
En un país como éste
(Uruguay), donde hay producción pero no hay publicación sustentada por algún
medio ajeno, me imagino que como la mayoría de nosotros tuviste que tirarte a
la pileta de la autoedición sin saber nadar. ¿Dónde llevaste a cabo tu
investigación al respecto, como aprendiste los pormenores del asunto?
A la autoedición llegué invitado, ya estaba todo digerido y resuelto,
me limité a dibujar, y luego sí, a colaborar con la distribución. Luego pude
contactarme con Eduardo Barreto que me explicó el procedimiento para preparar
muestras, 5 páginas, unas con acción otras con diálogos, hizo mucho hincapié en
cuidar los detalles realistas o cotidianos, que aunque fuera dentro del comic
de superhéroes, esos detalles hacían la diferencia. Me dijo como enviar
material, en la época anterior al e-mail, todo! Y desde entonces supe que
apuntaría para afuera.
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| Bocetos de Jean Grey y Emma Frost (White Queen), personajes de X-Men. |
Muchos de nosotros somos
hijos de los comics de superhéroes. ¿Eso influenció tu trabajo?, ¿Preferís
historias sobre gente con o sin
spandex?
Siempre y desde muy chico, leí de todo un poco. Desde La pequeña Lu-Lu,
Asterix, Mafalda y Patoruzú, hasta Tarzán, El llanero solitario, Flash y
Batman. El gusto por la anatomía, los chicos musculosos y las chicas casi sin
ropa me fue llevando por la senda del
spandex durante mucho tiempo. Actualmente, me da lo mismo el género, mientras
esté correctamente dibujado o narrado.
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| Toy Story, historieta publicada en Freedonia, guión de Alceo. |
Ya que este es un medio particularmente
cooperativo donde todo se hace por separado, con un guionista escribiendo la
historia, un dibujante haciendo los lápices, otro entintando todo, un letrista,
un colorista y un editor examinando cada paso del proceso, me pregunto si te ha
tocado trabajar de varias formas, en tal caso ¿Qué preferís, trabajar solo o en
equipo?, ¿En qué dirías que difiere la dinámica?
Siempre prefiero trabajar en el marco de un equipo, y hacer mi parte
que es el dibujo. Hice algunas historietas cortas solo, una era muda y las
otras eran adaptaciones de cuentos. Básicamente no soy bueno con las palabras. Mi
principal falla frente a un guión es la de trancarme con los diálogos, no poder
hacer hablar a los personajes. Otro problema es el que tengo con la estructura
clásica del guión en tres actos, y es que nunca puedo conectar el primer acto
con el tercero y último, me resulta imposible. Por otra parte disfruto mucho
cuando trabajo en un guión ajeno con total libertad, siento casi como si fuera
mío, entonces si escucho hablar a los personajes, se me ocurren diálogos
alternativos, escenas nuevas, de todo, pero obviamente me apego al máximo al
guión, cambiando solo lo que me parece que le de más fuerza visualmente.
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¿Cómo comenzaste a trabajar
profesionalmente, fuiste a convenciones con un portfolio bajo el brazo,
mandaste muestras por correo, conociste a algún editor, agencia de talentos?
Mandé muestras por mail. Hice una investigación en internet sobre
editoriales norteamericanas que aceptaran muestras por e-mail, resultaron ser
las editoriales pequeñas y medianas, mandé muestras a casi todas (las que daban
con el perfil fantasía o superhéroes) y me respondieron de Avatar Press. Me
pidieron más muestras, yo no tenía nada más en ese momento pero les dije que
sí, que tenía (por supuesto!) y me puse como un demente a dibujar un par de
páginas para mandarles al otro día. Una investigación similar hice cuando
busqué trabajo en Francia y funcionó. Al principio mandé adjuntos, más adelante
ya tenía blog y mandaba un link. Pocas o casi ninguna palabra, cero presentación,
mi nombre y en lo posible nada más.
¿Trabajas con guiones
completos o más bien con plots?
Guiones completos.
¿Cómo es tu proceso creativo?
Leo la sinopsis completa para saber a rasgos generales por donde va la
cosa, hago estudios de los personajes (no muchos), busco referencias
fotográficas, y el guión lo voy leyendo a medida que lo dibujo. Boceto la
página completa en tamaño chico A4 y sin ningún detalle, puede ser la página
completa o viñetas por separado si no las tengo tan claras, pero en seguida trato
de pasarlo en tamaño final al original, ya que me cuesta mucho trabajar en
pequeño. Allí veo realmente si funciona, muchas veces termino de ajustar o
cambiar cosas directamente en la página final. Después escaneo, limpio un poco
en photoshop y mando al editor. Siempre mando el boceto para tener la aprobación
del editor y así comenzar con el lápiz final o la tinta.
¿Cuánto tiempo pasas al día
en la mesa de dibujo?
7 u 8 hs, a veces más, a veces menos. Depende de lo que me tome buscar
y ordenar las referencias, o también de mi concentración, que me hace levantar
de la mesa para hojear libros y revistas o buscar info en internet.
¿Cuándo trabajás lo hacés en
silencio o por ejemplo escuchás la radio?
Casi siempre música.
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| Los lápices para otra historia publicada en Freedonia... |
¿Qué música escuchás?
Básicamente jazz y electrónica. Me apasiona el jazz previo a los 60. Billie Holiday, Miles Davis, John
Coltrane, Django Reinhardt, Benny Goodman, Bebo Valdes... Y de electrónica,
escucho mucha cosa, desde ambient hasta
trance. Fuera de eso, me gustan mucho Nick Cave, Yo la tengo y Tindersticks.
¿Haces bocetos antes de
comenzar o vas derecho a la página?
Bocetos, y en lo posible feos. Porque me cuesta mucho copiarme, si algo
me queda lindo en el boceto después para llevarlo al original es una lucha!
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| ...Y la versión completa. |
¿Cuáles son tus herramientas?
(lápices, minas, marcadores, pinceles, tinta, etc.)
Minas casi siempre HB grosor 0.5 (o 0.3 para las caras y las figuras
chiquitas), marcadores Micron de Sakura que ahora sustituí a la fuerza por unos
Faber Castell que se llaman ECCO Pigment que resultaron muy buenos (cualquiera
de los dos tienen el trazo bastante negrito y compacto) y si no, para los
detalles muy chiquitos un rapidograph Faber recargable 0.02 que es
increíblemente finito. Para rellenar una fibra Pentel, Maxiflo (antes usaba
tinta china Windsor & Newton o Pelikan y pinceles Windsor & Newton
también). Mucha goma, las Maped me dan buenos resultados.
¿Qué tipo de papel usas para
dibujar y en que tamaño haces los originales? ¿Cuáles son las diferencias al
respecto entre las revistas americanas y los álbumes europeos?
Hasta hace un par de años usaba un Canson de 180 gr, pero luego
descubrí una opalina de 200 gr muy buena que venden en Mapa, una papelería por Rondeau
y Uruguay. Ambos originales, los europeos y los norteamericanos los trabajo en
A3, las diferencias son mínimas. Los europeos los tengo que detallar un poquito
más por una cuestión de que no lo reducen tanto como el comic USA.
¿Preferís trabajar en papel o
en digital?
Papel para dibujar, digital para limpiar y corregir.
¿Cuál es tu set up digital, que clase de equipos
tenés? (computadora, scanner, programas, etc)
Computadora con Windows7, un scanner Canon A4, tableta Genius también
A4, uso el PhotoShop CS4.
Dado que vivimos en un lugar
y en una cultura donde la piratería parece ser reina, y donde los comics se
consiguen digitalizados prácticamente el mismo día en que salen a la venta,
¿Cuál es tu postura frente a la piratería de comics por internet?, ¿Te
molestaría (o te molesta) saber que tu trabajo puede estar escaneado por ahí
sin redituarte ganancia alguna? (no tomar
en cuenta el trabajo que se hace para blogs y cosas por el estilo)
Primero que nada, la piratería en Internet es inevitable, no se gana
nada despotricando en contra. Para mí se trata de gente difundiendo cosas,
compartiendo cosas, prestándose cosas y eso no es para nada malo! Para mí es un
orgullo que haya historietas mías para descargar, eso indica que mal o bien
tengo difusión y llegada “real”. Luego cada uno puede elegir libremente si le
es suficiente el archivo digital o si quiere también comprar el soporte físico
habiendo leído o visto la historieta completa. Además suma lectores, hay gente
que si no fuera por las descargas no te conocería bien ni mucho menos te
compraría.
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| Una página de Nemo, tintas. |
¿Cuál fue la sensación al ver
tu primer trabajo publicado (y donde fue)?
Mi primer trabajo para afuera fue en Avatar Press (USA), y ya venía muy
pero muy desconforme con los coloristas, el resultado final fue espantoso! De
todas formas me emocionó recibir el paquete por correo.
La otra primera vez fue años más tarde, para Francia, el álbum “El
Capitán Nemo”. Esta vez estaba muy satisfecho con mi trabajo, el de la
colorista y el del guionista, pero cuando me enfrenté al material publicado,
todo lo que sentí fue vergüenza, pero mucha vergüenza por mi parte del trabajo!
Sentí que no había hecho bien el traspaso del formato USA al europeo por eso de
que si bien los originales son parecidos, el europeo tiene mucho menos
reducción que el usa, por lo tanto los detalles me parecieron muy pobres, me
quedé un rato muy largo en silencio. Durante mucho tiempo evité hojearla.
Recién al año o dos de publicado pude verla más optimistamente (u
objetivamente). Pero más allá de las malas primeras impresiones siempre me
sentí feliz de trabajar en esto.
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| La misma página de Nemo, pero ahora coloreada. |
Ya que mencionaste el trabajo
con los coloristas ¿sos de hacer alguna anotación sobre el color o los dejas
que ellos mismos se encarguen de colorear a sus anchas?
Muy pocas veces les doy anotaciones. En el libro que estoy haciendo
ahora (aviones, uniformes y rigor histórico) tengo que mandarle mucha
referencia de colores, matriculas, banderas, de todo a la colorista. Pero son
más referencias que anotaciones de color.
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| Lápiz para portada de Nemo. |
Al trabajar tanto para el
mercado americano como para el europeo ¿En qué dirías que difieren las
metodologías? ¿Hay alguno de los dos que disfrutes más que el otro?
En Francia el timing lo ponés
vos, se arregla en el contrato. En USA sos vos el que se tiene que adecuar a los
tiempos del editor y de las publicaciones. Lo que es bueno de USA es que
terminás produciendo más porque te apretan el acelerador terriblemente. En
Francia, les importa que hagas bien el laburo y que quede lindo, pagan más por
página y trabajás mas tranquilo. Pero a final de cuentas creo que producís
menos que si trabajaras para USA. Depende de lo que quiera cada uno, de sus
aspiraciones como dibujante o ambiciones.
Y en cuanto al dibujo en sí, como que en la historieta franco-belga todo
es igual de importante, cada viñeta de cada página y cada cosa que aparece en
cuadro hasta en el fondo, es importante. En USA no es tan así, se trabaja más
con el destaque, hay viñetas más
importantes que otras y así también pasa con las páginas, pero ante todo son
los personajes los que priman. En Francia es el entorno el que prima un poco más
por sobre los personajes.
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| Tintas para la misma imagen. |
Algunas de las páginas que he
podido ver de Capitán Nemo son increíblemente complejas y cargadas de detalle,
y vos le atribuís esto a que la salida de imprenta implica una menor reducción
con respecto al original. ¿Ponés todo ese detalle en la etapa del lápiz o
completas el dibujo en la tinta?
Completo en la tinta.
Hay varios artistas que se
entintan a sí mismos y eso hace que pongan menos detalle en el lápiz para no
hacer todo el trabajo dos veces y no aburrirse cuando tienen que entintar. Hay
otros que se hacen notas que tienen que ver con ideas y que hablan de posibles
grosores de línea, y desde luego están los que solo bocetan a lápiz y después
dibujan todo con tinta ¿Cuál es tu posición frente al entintado? ¿Cómo te gusta
trabajar? ¿Preferís que te entinten o lo querés hacer vos mismo?
Entinto lo que tengo del lápiz (no muy detallado pero ya aprobado por
el editor). Luego vuelvo a la página con lápiz para detallar más, y luego
entinto esa nueva capa de trabajo. Prefiero entintarme yo mismo, me acostumbré
a eso. Eso sí, me gustaría poder evitar la tinta (llegar a un buen acabado
final a lápiz para ser coloreado posteriormente), pero tengo muchos vicios del
auto-entintado que son difíciles de quitar.
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| Hablando de complejidad, una página de la historia The Heat. |
¿Cómo ves al cómic uruguayo,
nos conocen afuera?
Afuera les da lo mismo de donde seas mientras trabajes bien. Y no, no
creo que seamos conocidos, por lo menos no como los argentinos, por ejemplo. O
los brasileros que en los últimos años han atacado en masa el mercado norteamericano.
¿Cuándo haces thumbnails, seguís el orden secuencial o
vas saltando de escena en escena yendo a las cosas específicas que más te
llaman la atención primero?
En orden secuencial. Ya cuando estoy haciendo los lápices finales o
tinta, a veces salteo alguna página complicada con la que me tranco y la dejo
para más adelante.
Ya que muchas veces nosotros
mismos tenemos que ponernos diferentes trajes (el de guionista, dibujante,
entintador), ¿Sos de ponerte en el lugar del editor mientras estás trabajando?,
¿Te vas auto editando a vos mismo o dejás que las cosas salgan como salgan?
Soy muy autocrítico como dibujante, pero a la vez trato de que todo
vaya saliendo lo más fluidamente posible.
Decís que te cuesta copiarte.
¿No sos de dibujar en chico y luego ampliar eso en Photoshop o en fotocopias
para luego calcarlo? Cuando yo hago algo en chico que me queda justo como
quiero y me da cosa el pasarlo lo escaneo, lo agrando al tamaño que haga falta,
lo imprimo y entonces lo calco en la plancha. ¿Vos copias el dibujo de nuevo a
ojo?
Por lo general no calco, y si lo hago, nunca logro las mismas sutilezas
del original, en fin… nunca me practiqué calcando, soy conciente de que cuando
uno calca tiene que dibujar, pero cuando yo calco, solo calco.
Lo que sí hago a veces, pero con los pinups o las tapas, es un boceto a
lápiz (grafo gris, común) bastante prolijo en A4 (o en A3), lo escaneo, lo paso
a celeste bien clarito en photoshop y lo imprimo en tamaño A3 (en Copiplan), y
entinto encima.
¿Tenés o trabajas con lighbox?
No.
¿Cuándo estas en medio de un
proyecto tu forma de trabajar es fluida o sos más bien estructurado?, ¿Sos de
cambiar cosas a medida que las vas haciendo o te regís por el guión?
Soy de ir cambiando o corrigiendo los encuadres o las poses. Voy para
atrás y para adelante un caos total. Eso sí, trato de ceñirme al guión al
máximo.
Vos tenés una historia
bastante larga con Lady Death, en base a eso me pregunto ¿Qué te gusta más, la
ilustración o la narrativa?
Siendo totalmente sincero diría que me parece más interesante la
narrativa, pero no puedo negar que disfruto muchísimo dibujando chicas lindas J
¿Ahora que ya tenés material
publicado bajo tu nombre, te es más fácil conseguir trabajo en USA?
Técnicamente, si. De todas formas depende del trabajo o del estilo de uno, si gusta, bien,
y si no, a seguir participando hasta poder entrar. Eso y los contactos, que son
muy importantes!
Las editoriales grandes son
famosas por no querer publicar a nadie nuevo sin trabajos publicados
previamente por alguien más, pero ahora que ya trabajás seguido con Avatar
¿Puede llegar a jugarte en contra eso?
Creo que no.
¿No tenés miedo de que te
encasillen como un artista de las “ligas menores”?
Y sí, ése miedo está! Igual que el miedo de no ser ya demasiado viejo (mayor
de 25 o 27) para entrar en las grandes ligas. Pero esas son elucubraciones de
uno! El tema es seguir trabajando, tirar redes, siempre buscar contactos nuevos
y encontrar tiempo para hacer muestras “gratis”, que eso sí es una transa!
¿Sos de usar referencia?,
¿Cuál es tu relación con ella y de donde la conseguís?
Uso mucha referencia más que nada porque tengo poca memoria visual, y
necesito sentirme seguro de lo que estoy dibujando. El material lo consigo en
Google, los guionistas por lo general ya te mandan algunas cosas (fotos de
determinado edificio, de uniformes de determinada época, etc) y uno si quiere
profundiza en la búsqueda para conseguir tal vez más y mejores fotos. También
compro libros que me puedan servir eventualmente, ya sea de muebles de época,
puentes, ilustraciones victorianas, revistas de moda, arte conceptual de
películas o animaciones, revistas National Geographic ( las viejas de antes de los
60s, son muy buenas!), etc.
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| Página de Witchblade que hizo como muestra para Top Cow e Image. |
¿Buscás o ves arte fuera del
terreno de los comics?
Seguro! Películas, arquitectura, moda, fotografía. Amo la ilustración
de fines del siglo XIX y principios del XX (Alfons Mucha, Carl Larsson, Windsor
McKay), la ilustración publicitaria de los 40 y 50 (Rockwell, Loomis,
Leyendecker), también los grabados japoneses (Hokusai, Hiroshigue) y todo lo
referente a la ornamentación y la decoración.
¿Cuáles son tus influencias
como artista?
Katsuhiro Otomo, Moebius, Tony
Harris, Alex Raymond, Adam Hughes, Windsor McKay, Alfonse Mucha, Frank Cho,
Scott Campbell.
¿Si tuvieras que describirte
de alguna forma, como lo harías?, ¿Artista, historietista, narrador,
caricaturista…?
Historietista.
¿De que trabajás para pagar
las cuentas?
Historietista. Ilustrador.
¿Qué es lo que intentás
transmitir cuando hacés un comic?
Lo que está en el guión, o lo que yo interpreto de ese guión. Y aparte
de eso, trato de no quedar muy pegado y que se note que me defiendo con el
dibujo.
¿Cuál es tu mayor
satisfacción al hacer comics?
Que no tengo que compartir ni tiempo ni espacio físico con compañeros
de trabajo insoportables y que nada tengan que ver conmigo. Y la otra gran satisfacción
es poder andar en chancletas casi todo el año.
¿De ser capaz de elegir,
donde te gustaría publicar? (Revista, país, editorial, no importa)
Y, en USA y en Francia, que ya publico, pero en las grandes editoriales,
Marvel, DC, Glenat, Casterman, Dargaud, Soleil.
 |
| Página de Lady Death: The Wicked. |
¿Algún consejo para el
aspirante a artista?
Primero que nada, no creerse artista.
Tener verdadera autocrítica, tratar de mejorar técnicamente siempre, no
quedarse con los “que lindo que dibujas” de tus amigos ni de tus padres.
Observar la naturaleza y todo lo que nos rodea, no hacer asco a nada a
la hora de dibujar, ya sean autos, edificios, electrodomésticos, almaceneros,
taxistas, no quedarse solo con los escorzos de tipos musculosos dandose piñas.
No tener miedo de usar referencias, no muerden y no se puede pretender
dibujar todo de memoria, por ejemplo si tenés que dibujar determinado avión de
la segunda guerra tiene que ser ése y no otro, no podés improvisar con esas
cosas.
Investigar no solo a artistas o técnicas de dibujo si no también las editoriales,
que serán el posible futuro cliente. A través de Google y Facebook rastrear editores
para ver en que colección o en que sello trabajan y que perfil tienen.
Y para terminar, mi primer motivación a la hora de buscar trabajo de
esto fue la cantidad enorme de tipos que dibujan horriblemente y publicaban, si
ellos podían porque yo no?! Hay muchos genios pero hay infinitamente más
perros. Y además los genios están para superarlos (o por lo menos intentarlo).
©2012 Brainstorm producciones
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