Creando Comics: Un Viaje por la Narrativa Visual: July 2012

Con un nombre que suena proveniente de lugares exóticos, Fiumara es dueño de un apellido que se ha vuelto notablemente popular dentro del mercado americano. Aquellos que además de leer las revistas leen los nombres de los autores seguramente se han encontrado con éste apellido en repetidas ocasiones en las portadas de varios comics de Marvel. Es que Max Fiumara ha dejado su sello en títulos como; Spiderman, Daredevil, Hulk, Thor y Namor y su particular estilo de dibujo nos ha presentado nuevas formas de ver a personajes como los X-Men, El Capitán América, Los Avengers y más recientemente Hellboy. Su derrotero lo ha llevado por todas las editoriales grandes de los EE.UU, es artista frecuente de la anteriormente mencionada Marvel comics, pero también trabajó en DC comics haciendo Infinity Inc. Su trabajo salió recientemente bajo el banner de Dark Horse comics al colaborar junto a Mike Mignola en el ya icónico Hellboy. Pasó también por Avatar Press y por Image comics, donde en 2009 publicó Four Eyes (cuatro ojos), serie que co-creo junto al mismísimo Joe Kelly, y por si todo eso no fuera suficiente participó en el libro de antología basado en cuentos de Horacio Quiroga llamado De amor, de locura y de muerte publicado por Pictus en la argentina ilustrando la adaptación hecha por Luciano Saracino del cuento Los pescadores de vigas. Su estilo se despega un poco de aquel al que los comics americanos nos tienen tan acostumbrados y gracias a ello es capaz de infundirle un aire renovador a personajes que ya llevan más de medio siglo en el imaginario colectivo. Gracias a que vive en Argentina pudimos hablar con el sobre sus métodos de trabajo, sus influencias y sobre cómo hizo para lograr algo que tantos ansían. Es un honor dejarlos en tan ilustre compañía.

Datos personales.

Nombre y apellido: Max Fiumara.

Lugar de nacimiento: Buenos Aires, Argentina.

Fecha de nacimiento: 28 de Octubre de 1977.

Base de operaciones: Buenos Aires, Capital Federal.

Primer trabajo publicado: The Mighty Thor #67 (Marvel).

¿Cómo dirías que el comic entró en tu vida?

De chico tenía algún que otro comic de Spiderman, He-man, Alf, pero creo que más que nada entré a ese mundo por medio de los dibujos animados de los Super Amigos, y eso siempre me fascinó. Por otro lado, mi papá me traía suplementos de historietas Argentinas como Skorpio, y otras llamadas Capicúa y Afanancio. Leía poco de esas historietas, hasta que en Argentina se empezaron a publicar los comics de DC de Superman, Batman, Liga de la justicia y Flash. Ahí empecé a leer mucho más.

Bocetos del Capitán América y la Bruja Escarlata.

¿Cuándo tomaste la decisión de pasar de leerlo a hacerlo?

Siempre dibujé, desde muy chico, y en las historietas de DC había propagandas de cursos de historieta que se hacían en Buenos Aires. Las carreras para seguir estudiando después de la escuela no me interesaban en absoluto, así que hacer un curso de historieta me parecía un camino mucho más interesante, era como estudiar y seguir dibujando al mismo tiempo. Una vez que arranqué con el curso, entendí que había una posibilidad de trabajar de eso, y me volqué de lleno a seguir la profesión de dibujante de cómics.

Contanos un poco sobre como aprendiste a dibujar historietas y donde hiciste tus primeras armas en el campo de la impresión.

El curso que hice fue uno que Leonardo Manco daba en la Escuela Argentina de Historieta. Hice varios años con él y en esa época publiqué en algún fanzine al que me invitaron y en un diario de cuentos de ciencia ficción llamado Samizdat.

Ya lo dice la canción: "Es un monstruo grande y pisa fuerte..." - Hulk by Fiumara.

En un país como Uruguay, donde hay producción pero no había publicación sustentada por algún medio ajeno hasta la aparición de los fondos concursables la mayoría tuvimos que aprender sobre edición a los golpes. Me imagino que como la mayoría de nosotros tuviste que tirarte a la pileta de la auto edición sin saber nadar. ¿Tuviste que auto editarte alguna vez? ¿Dónde llevaste a cabo tu investigación al respecto, como aprendiste los pormenores del asunto?

No, la verdad no me autoedité nunca, siempre participe de cosas que se publicaban, tipo fanzines, pero yo solo aportaba los dibujos. Para autoeditarme necesitaba siempre plata, que era algo que nunca tenía. Además mi sueño cuando empecé a estudiar fue el de trabajar para Marvel o DC y no me interesaba el publicar fanzines.

En el mercado de historieta de Argentina, para la época en la que yo intenté trabajar, ya las cosas estaban muy mal financieramente, y no había lugar para publicar mi trabajo. Así que el buscar trabajar para Marvel o DC en ese momento parecía la única opción.

Diseños de personajes para Infinty Inc. durante su paso por DC Comics.

Muchos de nosotros somos hijos de los comics de superhéroes. ¿Eso influenció tu trabajo?, ¿Preferís las historias sobre gente con o sin spandex?

Me gustaban los cómics de superhéroes mucho más antes, cuando recién empezaba a leerlos, ahora disfruto de alguno que otro, pero no leo mucho la verdad. En cuanto a dibujar gente con o sin spandex, siempre me imaginé dibujando todos los personajes de DC y Marvel, mucho mas los de DC. Ahora me da un poco lo mismo, busco que los personajes me gusten y me parezcan un lindo desafío de dibujar.

Una página para el anual de Namor.

Ya que el género super heroico en particular es un medio de producción basado en el modelo industrial donde todo se hace por separado, con un guionista escribiendo la historia, un dibujante haciendo los lápices, otro entintando todo, un letrista, un colorista y un editor examinando cada paso del proceso, sabemos que por tu paso por Marvel has trabajado en ese tipo de condiciones. ¿Qué preferís, trabajar solo o en equipo?, ¿En qué dirías que difiere la dinámica?

Por suerte, he tenido pocas y malas experiencias donde tuve entintadores trabajando sobre mis lápices, por lo general trabajo lápices y tintas yo solo, no me gusta dejar los trabajos por la mitad, y hacer solo lápices para mi es exactamente eso. Con el color ya es otro tema, porque por los tiempos con los que contás para hacer un cómic, necesitas de alguien que los coloree. Tuve coloristas con los que quedaba contento y muchos con los que no. Por suerte últimamente estoy muy contento con la manera en la que colorean mi trabajo.

Fuiste contactado para un trabajo, te acaba de llegar el guion, describinos cómo es tu proceso creativo.

Cuando empiezo a dibujar un cómic, lo primero que hago es leer bien el guión, unas 3 ó 4 veces antes de dar cualquier otro paso, para entender bien la historia; mientras tanto se me va apareciendo alguna que otra imagen que me puede servir luego en las páginas.

El siguiente paso es buscar referencias de alguna cosa específica que tenga que dibujar y no tenga mucha idea de cómo hacerlo. Después empiezo a hacer diseños de los personajes que aparecen en el comic. Los diseños me ayudan a definir bien los personajes antes de empezar a dibujarlos en las páginas, darles un toque personal, si es que dibujo personajes ya existentes, o darles rasgos que sean bastante distintivos para que ningún personaje pueda confundirse con otro. Hacer los diseños antes de empezar a dibujar las páginas me ayuda un montón, y lo disfruto mucho. Cuando estoy ya sobre los lápices puedo pensar cómo resolver otras cosas que tengan que ver más con la narración o con el trabajo de cualquier cuadro, más que en cómo tengo que dibujar a un personaje, si me sale o no.

Después me pongo a dibujar los layouts, los bocetos de las páginas, haciendo primero bocetos muy pequeños, tipo páginas de 4 cm, con las que puedo ver la cantidad de cuadros y contenido de acción o escenas de diálogo que puede tener el cómic, y luego hago bocetos más grandes, de 20 cm, donde marco bien la narración para hacerla entendible y fluida. Una vez que tengo los diseños de personajes y los bocetos de páginas, se lo mando todo a los editores para que me aprueben el material y ahí sí, me pongo a trabajar sobre los lápices. Cuando me aprueban los lápices hago las tintas, y con eso temino mi trabajo.

En su blog Max puso un paso a paso sobre la confección de la portada del one-shot de Hellboy “B.P.R.D. Hell on Earth - The Transformation of J.H. O'Donnell”, donde acompaña las distintas etapas del proceso con un breve comentario. A continuación lo reproducimos para ustedes.

Creando la portada de: B.P.R.D. Hell on Earth: The Transformation of J.H. O’Donnell

Como si entrar al mundo de Hellboy y trabajar con Mike Mignola en uno de sus libros no hubiera sido suficientemente emocionante para mi, cuando iba por la mitad del número, Scott Allie (su escritor y editor) me pregunto si quería probar hacer la portada. Pueden apostar a que dije que SI!

Hice un par de bocetos con los protagonistas en mente. Desde luego, no podía esperar para dibujar un Hellboy enorme en la portada, pero esta historia es mayormente sobre el primer año de O’Donnell, mostrando a Hellboy como un importante personaje secundario, así que me enfoque en O’Donnell y este extraño y cuento.

A Mike y a Scott les gusto más el primer boceto. Creo que resulta más icónico, y que las imágenes son más claras y poderosas. Además la composición con el nuevo logo de B.P.R.D Hell on Earth queda mejor.

Una nota de Scott me hizo notar que había algo raro con la mano derecha de Hellboy. La muñeca se veía rara, como que la unión no se veía bien, y precisaba olvidarme un poco sobre la presión de dibujar a Hellboy y aprender a dibujar esa mano increíble!

Esta es la portada con la mano corregida. Generalmente a esta altura trabajo con un lápiz azul. Me hace más fácil eliminar la línea azul en Photoshop, sin tener que andar borrando mucho en la página original después de haber entintado.

La tinta! Esta etapa es quizás la mejor para mi, ya que disfruto trabajar con tinta y pinceles. Puedo juguetear con un poco mas de libertad que con un lápiz.

Esta es la portada sin las líneas azules y con los ajustes necesarios hechos en Photoshop.

Y finalmente la portada completa luego de que el asombroso Dave Stewart hiciera los colores. Los tonos fueron manejados perfectamente; los niveles de rareza y escalofríos ganaron un montón con la adición de estos colores. Esta es la primera vez que veo a Dave coloreando mi trabajo. Soy un gran admirador suyo y siempre he querido trabajar con el. Este libro fue totalmente un sueño hecho realidad!

¿Cuándo trabajás lo hacés en silencio o por ejemplo escuchás la radio?

Me acostumbré a escuchar música cuando trabajo, desde bandas que me gustan hasta música instrumental de películas. Ahora que estoy trabajando en un estudio junto a otros dos dibujantes, de los cuales uno es mi hermano, hay veces en las que solo hablamos y no escuchamos nada.

¿Haces muchos bocetos previos en la etapa de planeamiento (diseños de personajes, ambientes, thumbnails) o vas derecho a la página?

Si, acostumbro a hacer varios bocetos antes de volcarme a las páginas, es una buena manera de conocer bien las historia que estás por dibujar, para que te quede bien en claro como podés encarar las páginas de una manera visual interesante y entendible. Además los editores te piden los bocetos por lo general para chequear que la narración funcione, así no hay que hacer muchas correcciones sobre los lápices o las tintas.

Bocetos del personaje O´Donnell para el one-shot de Hellboy.

¿Cuándo te trabas con algo que no te sale, que haces para salir de esa situación? ¿Qué buscas o que haces para reencender los fuegos creativos? ¿O lo dejas quieto por un tiempo y volves a ello mas tarde?

Para mí la manera más fácil de estar inspirado es buscar lo que me gusta de lo que sea en lo que estoy trabajando, y entrar en ese mundo lo más que pueda. Tratar de acercarme a la imagen que tengo en la cabeza y hacerlo de la manera menos forzada posible. Cuando ese dibujo no se acerca a la imagen que tengo en la cabeza, hay veces que me enojo y peleo con el dibujo, pero muchas veces también paso a otra cosa. En la página de un cómic hay muchas cosas que dibujar, y voy trabajando la página toda junta a la vez, no me dedico solo a un cuadro hasta que lo termine. Eso hace que las cosas salgan más fácilmente. Hay que aprender a aceptar que no siempre pueden salir las cosas como uno quiere y pasar a otra cosa.

¿Cuánto tiempo pasas al día en la mesa de dibujo?

Mucho, unas 11, 12 horas. De lunes a viernes, los sábados trabajo un poco menos.

¿Preferís trabajar en papel o en digital?

Trabajo en papel, no tuve muchas experiencias en digital todavía.

¿Cuáles son tus herramientas? (lápices, minas, marcadores, pinceles, tinta, etc.)

Uso el lápiz que sea para los bocetos y diseños de personajes, lápiz azul para las páginas y luego encima tinta china. El lápiz azul lo uso porque luego de pasarle tinta china sobre ese lápiz, no tengo la necesidad de usar la goma y borrar la línea azul. Ese proceso lo hago con el photoshop, que lo hace más rápido y práctico.

Si puedo entinto todo con pinceles, son la herramienta más flexible y le dan mucha espontaneidad al laburo. Para algunas cosas uso cepillo de dientes, esponja, acrílico blanco y acuarela negra.

¿Qué tipo de pinceles usas?

Unos muy comunes, CASAN de pelo sintético, número 2 ó 3, a veces un 5.

¿Qué marca de tinta china preferís?

Siempre usé Pelikan, negra perlada, probé otras pero no me gustaron.

¿Qué tipo de papel usas para dibujar?

Los papeles para las páginas te los mandan las editoriales, así que uso esos papeles, son bastante buenos.

¿Sos de ir comprando el material para trabajar a medida que lo vas precisando o compras por cantidad de una sola vez?

No importa.

¿Cuál es tu set up digital, que clase de equipos tenés?

Uso una Imac y una tableta Wacom, la máquina la uso para escanear y armar las páginas, hacerle los ajustes necesarios para mandarlas a las editoriales. También coloreo en photoshop las portadas que hago.

¿Cuándo estás escribiendo y dibujando una historieta que se te ocurre primero?, ¿Cómo hacés para trabajar la historia? ¿Tu forma de trabajar es fluida o sos más bien estructurado?

No escribo, solo dibujo.

Ok, entonces formulo la pregunta de otra forma. ¿Vos haces thumbnails de toda la historia para mandarla al editor y una vez aprobadas te pones a dibujar? ¿Qué pasa cuando entre el thumb y los lápices se te ocurre algo para cambiar? ¿Cuánta libertad tenés a la hora de trabajar?

Los layouts son muy básicos, figuras humanas con dos o tres lineas para la disposición de los personajes, nada más. Una vez que leí el guión, se los mando a los editores para que los aprueben . Cuando me dan el OK, empiezo a dibujar las páginas basándome en esos layouts, pero hay veces en las que quizá cambio algún cuadro, o ángulos en una viñeta, porque se me ocurre otra manera mejor de contar las escenas. Si la narración sigue entendiéndose con los cambios hechos, no te hacen ningún comentario al respecto.

Página para el libro adaptando cuentos de Horacio Quiroga.

¿Cuándo tenés toda la historia ya desarrollada a nivel gráfico y llega la hora de empezar a dibujar, seguís el orden secuencial o vas saltando de escena en escena yendo a las cosas específicas que más te llaman la atención primero? ¿Sos de cambiar cosas a medida que las vas haciendo o te regís por el guión? ¿Sos de los que empiezan por la primera página y siguen en orden hasta la última?

Si, suelo empezar por la primer página y terminar con la última. Y me rijo por el guión que por lo general viene separado en páginas y viñetas. Quizás agrego alguna que otra viñeta para contar mejor la escena, o hacerla visualmente más interesante para mí.

Ya que muchas veces nosotros mismos tenemos que ponernos diferentes trajes (el de guionista, dibujante, entintador), ¿Sos de ponerte en el lugar del editor mientras estás trabajando?, ¿Te vas auto editando a vos mismo o dejás que las cosas salgan como salgan?

Lamentablemente me acostumbré por un tiempo bastante largo a creer que tenía que hacer las cosas como suponía que los editores las querían, hacer algo que se parezca a la manera típica de hacerlas en el mercado de cómics de EE.UU. Y por lo general cuando hacía esas cosas salían mal y a los editores no les gustaba. Por las malas aprendí que lo mejor que puede hacer uno, es trabajar los cómics de la manera más personal posible, así fluye todo mejor.

Por supuesto hay ciertos limites y parámetros con los que se rigen los cómics en cualquier mercado del mundo, hay que aprender a jugar con cada una de esas reglas pero volcando la visión propia.

¿Cuál fue la sensación al ver tu primer trabajo publicado?

La verdad no me acuerdo, pero casi siempre la cosa fue que estuve muy contento e ilusionado al saber que estaba por publicar algo para Marvel o DC y luego con el cómic en la mano, ponerme mal por lo feo que se veía.

Ejemplo de una versión pirateada de uno
de sus trabajos. Portada de Thor #67

Dado que vivimos en un lugar y en una cultura donde la piratería parece ser reina, y donde los comics se consiguen digitalizados prácticamente el mismo día en que salen a la venta, ¿Cuál es tu postura frente a la piratería de comics por internet?, ¿Te molestaría (o te molesta) saber que tu trabajo esta escaneado por ahí y que la gente lo descarga sin redituarte ganancia alguna? (no tomar en cuenta el trabajo que se hace para blogs y cosas por el estilo)

No me molesta ni en lo más mínimo, he bajado cómics por curiosidad, pero no los he leído, me es muy incómodo el formato digital y no me interesa. Siempre compro cómics en papel (pocos) pero cuando sale algo que me gusta mucho lo compro sin dudarlo.

Que bajen mis cómics para verlos o leerlos es más una alegría que otra cosa, hay más gente que puede conocer mi trabajo, y lo agradezco.

¿Cómo hiciste para entrar al mercado americano?

Me contactó un agente de dibujantes español, e hice muchas muestras, muchísimas, las cuales el agente pasaba a los editores de Marvel y DC para que vieran y opinaran. Aprendí mucho, no tanto de las respuestas de los editores, que eran pocas, sino más por el mismo trabajo de hacer muestra tras muestra. Empecé un trabajo para DC que nunca fue publicado (fue el primer intento de la editorial de publicar Thunder Agents, pero se canceló por que perdieron los derechos de la publicación), luego me contactaron de Avatar Press, una editorial chica de EE.UU. con muy buenos escritores. Y nada de eso funcionó, hasta que agarré un fill-in en Thor # 67, en el que hice solo los lápices. Después de eso, empecé a buscar trabajo sin agente de por medio, ya con contacto directo con los editores, todo desde mi computadora y la casilla de correo.

Lapices de Max para la mencionada Thor #67.

¿Cuáles eran las principales críticas que recibías? ¿A que te decían que le prestaras más atención?

Lo que me acuerdo que más me decían era que dejara de dibujar tan lindo y prestara más atención a la narración. Tenía muchos conflictos con el tema de narrar bien o mal un cómic. La verdad, no tenía mucha idea de cómo hacerlo, y no entedía lo que estaba haciendo mal. Me ayudó mucho un editor de DC que también es un muy buen artista, Mark Chiarello. Me acuerdo que en los layouts de las primeras páginas de Thunder Agents que había hecho, Mark me marcó en cada página, cuadro por cuadro, lo que había hecho mal y además me sugería cómo podía hacer para mejorar cada cosa que estaba mal. Fue muy loco recibir un mail con tantas correciones, por un lado era muy frustrante, pero por otro, estuvo buenísimo poder contar con una ayuda tan clara y precisa. Me sirvió mucho para empezar a enteder qué era lo que hacía mal. Después de eso presté mucha atención a la narración y leí algunas otras cosas sobre el tema. Pero más que nada aprendí del día a día, de dibujar y dibujar.

¿Crees en el sistema de mandar muestras por correo a las editoriales grandes?

El mail es una herramienta más eficaz, muchos editores prestan atención si pones links de blogs y te piden muestras de un par de páginas por mail. Pero otros ni los leen. Viajar a los lugares donde están las editoriales sería ideal creo, pero monetariamente no es una buena inversión. El mail es más rápido y gratis. Por suerte, de vez en cuando se organizan convenciones en Argentina, por ejemplo, en donde traen editores de EE.UU. o Europa, para que muestres tu carpeta; eso también está bueno.

Has dibujado personajes como Spiderman, los X-men, Namor, ahora Hellboy y la gente del B.P.R.D ¿Cuál es tu personaje favorito de todos los que has hecho y cual tenes ganas de dibujar?

Hellboy es un personaje que visualmente siempre me fascinó y que nunca pensé que iba a tener la oportunidad de dibujar. Tengo cariño por muchos de los personajes con los que trabajé. Suelo tirarme para el lado de los personajes más oscuros. Batman me gustaría dibujar, con suerte en una historia bien contada.

Sin dudas el estilo de Max hace ver a Batman como el verdadero Caballero Oscuro.

¿Preferis trabajar con plot o guion completo?

Trabajo mayormente con guiones completos, fueron muy pocos los guiones que me llegaron sin diálogos o división de cuadros o páginas. De las dos maneras me gusta.

¿Tenes algún guionista preferido con el que te guste trabajar?

Muchos escritores diría, Grant Morrison es sin duda uno. Disfruto mucho de mi trabajo con Joe Kelly y seguiría trabajando con sus guiones de por vida. Otros que me gustan son Gaiman, Mike Mignola, John Arcudi, Peter Milligan. Steve Seagle, hay muchos!

Portada del volúmen 1.

Vos trabajaste junto a Joe Kelly en “Four Eyes” para Image comics, hablanos un poco de todo eso ya que a diferencia de tu trabajo con propiedades ajenas este fue un proyecto creado por los autores (creator owned). ¿Qué tipo de ventajas o diferencias tiene esto con respecto a trabajar para Marvel por ejemplo?

Four Eyes es un cómic que disfruto muchísimo hacer, la gran ventaja de este cómic es que los personajes y las historias son mías y de Joe, es algo nuevo, y muy personal, no me tengo que ajustar a ningún personaje, ni acoplarme a la continuidad de ninguna historia. Y además comparto con Joe los derechos de autor del cómic.

¿Cómo fue un poco la génesis de ese proyecto? ¿Quién se acerco a quien?

A Joe lo conocí en Buenos Aires en el 2004 creo, cuando se realizó una convención ahí. Hablé dos palabras con él, pero muy buena onda, nos pasamos los mails. En el 2007 le mandé una tarjeta navideña, que era un dibujo que había hecho yo, a él y a algún editor de los que tenía entre mis contactos. Yo para ese momento había teminado mi trabajo con DC (Infinity inc), y estaba viendo qué hacer. Joe me contestó preguntándome por mi disponibilidad y ofreciéndome dos proyectos. Hablamos un poco sobre de qué se trataban y uno me impactó mucho más que el otro, ese era Four Eyes. Así que nos pusimos a trabajar enseguida.

¿Vos solo te encargaste de desarrollar la parte visual del asunto o aportaste algo a nivel historia?

La parte visual solamente, Joe se encargó de la historia y sugirió alguna descripción de los personajes y los dragones. Yo me encargué de darle el aspecto a todo.

Me acuerdo que Joe me propuso darle a mi estilo un poco de estilización para que pareciera un toque menos realista, y más suelto. A mí me encantó la idea, dado que había estado teniendo bastantes problemas con la manera de dibujar las cosas, y la estilización me resultaba muy liberadora y me acercaba a un estilo más de dibujo animado, que siempre me agradó.

Four Eyes marcó un punto muy importante en mi carrera por el cambio a ese estilo; desde ese momento encontré la manera de dibujar sin sufrir tanto el dibujo y yendo mucho más confiado y fluído. Mucho más personal.

Diseños para el personaje de Enrico, el protagonista de Four Eyes.

Cuando hace poco hiciste el one-shot “B.P.R.D. Hell on Earth - The Transformation of J.H. O'Donnell” para Dark Horse tuviste la oportunidad de trabajar con Mignola. Conozco a Mike y se que es un tipo bastante abierto al que le gusta ver como otra gente hace a Hellboy. ¿Tuviste alguna clase de intercambio con él sobre el aspecto de la historia y la manera de dibujar las cosas? ¿Cómo fue para vos trabajar en ese proyecto?

Fue completamente inesperado e increíble. Me encantó trabajar con él y dibujar a Hellboy. La historia que me tocó dibujar era una que Mignola tenía guardada desde hacía tiempo. En un primer momento la iba a dibujar él, y Scott Allie (escritor) la adaptó para que yo la dibujara. Dibujar esas páginas fue una tarea muy dificil pero placentera. De todas maneras, con lo que más luché fue darle mi toque personal a Hellboy y que no terminara siendo una mala copia de un Hellboy de Mignola. Creo que dibujé como 20 versiones diferentes hasta que llegué a la que se ve en el cómic. Mike fue muy generoso, se mostró muy entusiasmado por mi trabajo e inclusive le gustó mucho mi interpretación del personaje. Y tuve el agrado de ver mis páginas coloreadas por Dave Stewart, que desde siempre fue uno de mis coloristas favoritos, con el cual no había podido trabajar antes, y para ese proyecto se dió. Fue una gran experiencia.

¿Qué es lo que mas te cuesta o lo que menos te gusta de tu trabajo? ¿Qué es lo más difícil?

Creo que lo más difícil es encontrar la manera de dibujar algo que no me guste dibujar, de una manera interesante. Hay veces que no todas las escenas en un cómic me parecen interesantes, o me aburren mucho, y pienso como dibujarlo de manera que lo disfrute y se me haga más ameno. Creo que en mi trabajo se nota mucho la diferencia cuando hay algo que dibujé que no disfruté tanto y lo que sí disfrute haciéndolo.

¿Sos de usar referencia?, ¿Cuál es tu relación con ella y de donde la conseguís?

Si, uso mucha documentación según el tipo de proyecto que haga. Internet es una gran biblioteca de imágenes y sirve mucho. Para Four Eyes, por ejemplo, que transcurre en la década de 1930 en Nueva York, conseguí varios libros de fotografía de Nueva York de esa época.

Proceso de la creación de una foto antigua que acompaña la edición de Four Eyes.

¿De donde salen todos esos dragones?

Buena pregunta.

Un estudio de la New York en la época en que está ambientada Four Eyes, allá por 1930.

¿Buscás o ves arte fuera del terreno de los comics?

Si, de donde pueda, pintores, ilustradores, las películas también son una forma artística que me influencian mucho.

¿Cuáles son tus influencias como artista?

¿Vos decis dentro del comic, qué artistas me influencian? En ese campo me gustan mucho, Frank Quitely, Mignola, Frank Millar, John Cassaday. Otomo, Kim Jung Gi, Breccia (padre e hijo) la verdad son un montón, podría estar horas mencionándolos.

Hellboy versión Fiumara.

¿Te considerarías un artista “moderno” o mas bien “tradicional”, medio “a la antigua”? (hablando de los métodos de trabajo)

Y debería decir tradicional, pero la verdad es que hace un par de años atrás mis métodos eran muy distintos, y no sé si la manera en que trabajo ahora va a seguir siendo la misma siempre, creo que voy probando cosas para hacer mi trabajo más práctico y fluido.

¿Si tuvieras que describirte de alguna forma, como lo harías?, ¿Artista, historietista, narrador, caricaturista…?

No me describiría. En el pasaporte puse artista creo.

¿De que trabajás para pagar las cuentas?

Trabajo solo de hacer cómics, ¡por suerte!

¿Qué le dirías a alguien que está pensando en largar todo para dedicarse a hacer historieta o vivir del dibujo?

¡Buena suerte!

¿Consideras prudente que alguien que quiere hacer historieta se meta un poco en toda la parte editorial aunque lo único que quiera hacer es por ahí dibujarla?

No se, prudente sería que la gente trabaje de lo que quiere.

¿Qué es lo que intentás transmitir cuando hacés un comic?

Exactamente ese cómic que estoy dibujando en ese momento.

¿Cuál es tu mayor satisfacción al hacer comics?

El tener trabajos publicados que me enorgullecen es muy satisfactorio, pertenecer a un equipo creativo talentoso y de buena gente también. Dibujar lo que me gusta como me gusta es la mayor satisfacción.

¿De ser capaz de elegir, donde te gustaría publicar? (Revista, país, editorial, no importa)

Estoy en un momento en que no sé muy bien dónde me gustaría publicar. Hacer algo más para Argentina sería muy interesante, ya que lo que publiqué en mi país fue muy poco. El mercado europeo me llama mucho la atención, pero todavía no tuve la oportunidad de experimentarlo.

¿Hiciste algo para esta nueva etapa de Fierro? ¿Alguna vez te contactaron para publicar con ellos?

No, no hice nada para la Fierro, nunca me contactaron, no se si estarían interesados la verdad.