Renato es uno de esos artistas que trascienden las barreras
geográficas. Nacido en Brasil en 1980 comenzó a estudiar en la escuela de
historietas llamada “Fabrica de Cuadrinhos” (hoy llamada Quanta academia de
artes) y luego comenzó a publicar sus trabajos para las editoriales americanas.
Ha realizado trabajos para títulos como STARGATE
SG-1 para Avatar Press, 24: One Shot
y SAW: Rebirth para IDW y varios más
para DC Comics incluyendo títulos como Superman,
Action Comics, OMAC, Smallville y Supergirl. Trabajó junto al escritor
Jason Aaron en Wolverine para Marvel
y en 2011 editó su primer libro recopilatorio de arte. Un artista brillante y
una persona excepcionalmente agradable nos deja entrar a su estudio y nos guía
por su proceso creativo. Este es el resultado de una extensa charla de casi tres horas por skype en la que se cubrió de todo y se compartieron varias risas. Un completo placer y sin dudas una de mis entrevistas favoritas. Con Ustedes:
Nombre y apellido: Renato Guedes
Lugar de nacimiento: São Paulo, Brasil
Fecha de nacimiento: 10 de Marzo de 1980
Base de operaciones: São Paulo.
¿Cómo dirías que el
comic entró en tu vida?
Comencé leyendo de chico, una vez en la escuela la profesora
me regaló una revista de Mónica (Turma da Mónica) porque sabía que me gustaban
las historietas, a partir de ahí no paré y seguí leyendo cosas de Marvel. Como
a los 12 años me comenzó a gustar el comic europeo con cosas como Tin-tín y
Asterix, iba a una biblioteca que estaba cerca de casa y sacaba los libros de
ahí. Eran ediciones en portugués, y tenía que ir ahí porque no se conseguían en
kioskos.
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| "Turma da Monica" o "Monica y sus amigos" como se llamaban en latinoamerica. Grupo creado en 1963 en Brasil por el historietista Mauricio de Souza, era una tira publicada en varios diarios, en revistas e incluso llego a tener una serie de animación propia. Gran influencia entre la enorme mayoría de los artistas brasileros. |
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¿Cuándo fue que tomaste
la decisión de pasar de leerlo a hacerlo?
Más o menos a los 15 o 16 años me tocó elegir de que iba a
trabajar porque se me terminaba el colegio, en Brasil se termina el secundario
cerca de los 17 y a los 18 hay que hacer el servicio militar obligatorio, que
en realidad no es tan obligatorio porque solo te reclutan en caso de que haga
falta por tal o cual razón, pero la cosa es que yo no quería ir de ninguna
forma, igual por suerte no me tocó, así que no tuve que hacerlo. En fin,
encontrar trabajo a los 17 no es nada fácil, y yo no tenía muchas opciones así
que me puse a dibujar. Practicaba todos los días, unas 10 o 12 horas por día,
en eso puse todas mis energías y lo tome como profesión. Por suerte ese riesgo
al final me recompensó. También intenté con el futbol, pero acá en Brasil hay
mucha competencia y es muy difícil convertirse en jugador profesional, así que
me quedé con el dibujo.
¿Había en Brasil
cursos o institutos que enseñaran narrativa? ¿Cuáles fueron tus métodos de
aprendizaje?
Si, acá -creo que por el ´98- se abrió “La Fábrica de Cuadrinhos”
que es una escuela de dibujantes formada por artistas que ya venían teniendo
éxito en el mercado americano, gente como Roger Cruz y Marcelo Campos, y yo
creo que ingresé en ese mismo año, en el
´98. Con el tiempo me invitaron a trabajar en el estudio que ellos tenían, esa
fue mi mejor experiencia ya que ahí aprendí lo que es ser un profesional al
estar rodeado de tantos artistas. En aquella época Roger [Cruz] hacía un
especial de The Darkness y yo estaba a su lado todos los días, hacía todo con
él y cuando tenía que ir a la agencia por cualquier cosa yo lo acompañaba. En
esa época yo era más bien un interno, hacía mil cosas que no tenían nada que
ver con el dibujo, preparaba café, iba al banco, hacía mandados, de vez en
cuando me daban algo para hacer, pero nunca era gran cosa, así que aproveché
todo ese tiempo para ir aprendiendo como es el oficio y como se tiene que mover
uno como artista. Después me tire como freelancer, lo cual era un riesgo porque
no sabía si iba a encontrar trabajo o no, pero por suerte me salió bien. Más
tarde me contacté con el representante de la agencia, incluso sigo con el hasta
hoy. Al principio me pidió muestras de mi trabajo, algunas páginas y eso y a
las pocas semanas ya tenía un guión de muestra de DC para la revista
Smallville, un spin-off de la serie que era algo así como la adaptación. La
colección no duró mucho tiempo, y yo hacía historias cortas de entre 6 o 9
páginas, eso dependía de la historia.
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| Trabajo para Smallville. |
Por suerte seguí con Smallville y después
me fueron dando trabajos similares. Así fue que trabajé en series como 24, CSI:
Miami y Stargate, todas adaptaciones de franquicias televisivas, algo que es
bastante complicado de hacer ya que el proceso es largo y tedioso ya que pasa
por muchas manos antes que cada elemento consiga ser aprobado. A veces es
complicado porque no solo hay que pasar por el filtro del editor, sino además
por el estudio y en algunos casos hasta por el mismo actor que quiere que el
dibujo se le parezca o no, eso depende. De esa forma caí a hacer la adaptación
de SAW (el juego del miedo) para IDW y esa sí que fue una verdadera pesadilla.
Primero que nada era muy difícil conseguir material, casi no tenía referencia
para trabajar. En aquel momento estaba completa la primera película y ya
estaban terminando la segunda, yo agarré y les pedí imágenes porque las que yo
tenía eran muy oscuras y no se veían bien las caras de los actores, así que
como no me mandaban las caras que yo no podía ver las inventé [risas]. Encima
de todo era muy difícil conseguir algún tipo de referencia ya que Tobin Bell
(Jigsaw) no era un actor muy conocido en aquel momento, no tenía como sacar
alguna foto donde se le viera bien la cara. Después de tanto quejarme me
mandaron un contrato muy intimidante que me obligaba a responsabilizarme de las
cosas que me mandaban, diciendo que era material solo para mis ojos y eso, con
eso fue suficiente, así que decidí largar todo eso y volver a los superhéroes.
En ese momento volví con DC e hice una historia de Superman,
yo conocía a Eddie Berganza que era el editor del título y me tenía como
artista de fill-in. Así que ahí estaba yo, pendiente de que le pasara algo al
artista titular para poder entrar en escena y hacer lo mío [risas]. Tenía
bastante trabajo porque los dibujantes en ese momento en particular eran
bastante lentos y casi siempre se atrasaban con las entregas, así que ese se
convirtió en mi modo de trabajo durante un tiempo. Seguí de esa forma incluso
cuando cambiaban artistas, a veces hacía una página, a veces más. Era algo muy
laborioso, una vez me dieron 10 páginas para completar en 6 días, era similar
al trabajo que se hace en publicidad, donde te caen con un montón de cosas para
hacer y te dicen “las preciso para mañana”. Era el peor tipo de trabajo, pero
las opciones no eran muchas, así que siempre fue cosa de tomar al toro por los
cuernos y darle para adelante. Fueron tres años donde trabaje bajo ese régimen,
y creo que les di lastima o no sé que [risas] pero por fin me dieron un contrato
y un proyecto para hacer, ese trabajo resulto ser la miniserie OMAC. Ahí hice
todo, lápiz, tinta y colores. Me gustó mucho esa época, estábamos cerca de
navidad y estaba dibujando una historia corta de unas seis páginas para un
especial y como no tenían colorista me preguntaron si yo me animaba a hacer
color y tinta y eso, entonces a partir de ahí cada vez que me encargaban algo
me encargaban hacer todo y entre todo eso tenía que trabajar unas 15 horas por
día, era un trabajo duro, pero por lo menos ahora era titular en vez de
suplente.
Como OMAC no andaba bien de ventas yo hacía lo que quería, y
eso a mí me servía [risas], así que cuando cancelaron la serie decidieron
recompensarme por todo el trabajo que había hecho y me ofrecieron hacer un
número de Action comics y después otro, con esas dos ediciones de Action fue
que mi trabajo alcanzo al público y ya que los editores estaban conformes me
ofrecieron hacer Superman como artista oficial. Ese fue el mejor momento de mi
carrera. Fueron como siete años que pasé con DC haciendo de todo y durante ese
tiempo Marvel había estado tratando de llevarme con ellos, sobre todo cuando
vieron que comenzaba a mejorar, pero igual yo ya tenía el contrato de
exclusividad con DC, así que cuando me dieron Superman, clave bandera y ahí me
quedé.
¿Cuándo dibujás lo
hacés para vos o para los demás?
No, lo hago para mí. Creo que es más autentico de esa
manera, no estoy tratando de agradar al público, creo que tengo que hacer el
trabajo para quedar conforme yo. Aunque use las influencias que tengo en
definitiva me tiene que gustar a mí. Soy un poco bastante exigente con mi
trabajo pero soy realista, a veces no tengo tiempo de corregir todo y dejarlo
como yo quiero, pero lo que más me importa es que la historia fluya. Esto es
comic, y acá lo más importante es la narración, es sobre contar historias.
En un país como éste
(Uruguay), donde hay producción pero no hay publicación sustentada por algún
medio, la mayoría de nosotros tuvo que tirarse a la pileta de la auto edición
sin saber nadar. ¿Alguna vez te has autoeditado? ¿Dónde llevaste a cabo tu
investigación al respecto, como aprendiste los pormenores del asunto?
Sí, yo edité mi artbook este año. Fue una buena experiencia,
como que me di cuenta que era posible hacer algo de forma independiente. Hoy
las imprentas son distintas y es más fácil hacer cosas, yo hice de todo,
seleccioné las imágenes e hice de editor, un amigo después me ayudó con la
diagramación. Yo tengo amigos que sacan cosas acá y la editorial les cobra
entre un 42 o 45%, a veces la librería se queda con un 55-60%, así que el
artista se termina quedando con un 8%, o sea, con el vuelto. Un amigo trabajó
cuatro meses haciendo un comic que se vende por unos 15 reales y si de eso gana
el 8% tiene que vender miles de copias para poder vivir de eso. Es injusto que
la persona que se pasa tanto tiempo creando algo sea la que menos gana de esa
transacción. Si tengo que sacar algo hoy día lo hago solo, por las mías.
Averigüé a través de la escuela Fábrica de Cuadrinhos y me dieron el contacto
con la imprenta, de ahí en más fui preguntando y juntando el dinero para
financiar la edición. El movimiento va ser al revés, va a surgir desde abajo,
nosotros mismos vamos a generar el mercado, no las editoriales. Veo que hay
muchos artistas en muchos países (Chile, Perú, Venezuela, Argentina, Uruguay) y
en cuanto nos demos cuenta que cuando nos juntamos entre nosotros vamos
creciendo más y más y nos brindamos ese apoyo entre todos más vamos creciendo.
Dependemos muchísimo de nuestros colegas, las cosas van a fluir mucho mejor,
eso es seguro.
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| Doble splash de Superman #683 |
Muchos de nosotros
somos hijos de los comics de superhéroes. ¿Es ese tu caso, eso influenció tu
trabajo?, ¿Preferís historias sobre gente con
o sin spandex?
Con spandex [risas]. Comencé a leer más en la época en que
Jim Lee, Silvestri y McFarlane estaban en Marvel, así que esa fue mi
influencia, después los seguí cuando se fueron a Image pero también me gusta el
comic europeo. Estoy planeando sacar algo en Francia, ya que es una industria
que realmente admiro. Yo trabajo con superhéroes pero también quiero trabajar
fuera de ellos.
Tu perteneces a una
camada de artistas brasileros de exportación ya que junto a nombres como Iván
Reis, Adriana Melo, Rafael Albuquerque y más recientemente Fábio Moon, Gabriel
Bá y Rafael Gampá han sabido adornar con sus trabajos las páginas de las
revistas de las grandes editoriales americanas. ¿Cómo fue el proceso de llegar
hasta allí? ¿Fue por medio de muchos intentos o con la ayuda de un
representante de talentos?
Es común trabajar con representantes, es más sencillo. Acá
está la agencia Art & comics, que es una agencia que representa artistas
desde el ´89 más o menos. Deodato, Cruz, todos trabajan con representantes, son
los más nuevos los que trabajan solos; Fábio Moon, Gabriel Bá, Rafael
Albuquerque y creo que Rafael Grampá, pero eso es algo más nuevo.
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Proceso para la pagina 5 de Wolverine Vol.4 #2, publicada en Diciembre de 2010 y escrita por Jason Aaron.
Lapices hechos por Renato. Tintas realizadas por Jose Wilson Magalhaes. |
Ya que ése género en
particular (el de superhéroes) es un medio cooperativo donde todo se hace por
separado, con un guionista escribiendo la historia, un dibujante haciendo los
lápices, otro entintando todo, un letrista, un colorista y un editor examinando
cada paso del proceso, ¿Cómo describirías el proceso de trabajar en equipo?
Es fluido por el proceso en sí, pero no hay tanta intimidad
artística. Puede pasar que al dibujante no le siente bien el entintador o que
no le agrade el resultado con los colores, así que es complicado. Yo estaba
trabajando en publicidad así que hacía de todo. Me formé como ilustrador, no
como dibujante. En EE.UU hay algunos dibujantes que solo hacen el lápiz y nunca
entintan nada, creo que cuanto más te preparás más fácil te va a ser luego
conseguir trabajo. Por lo menos así fue mi experiencia, yo aprendí a hacer de
todo y en ésta línea de producción ser limitado puede restringirte como
artista. Nosotros los sudamericanos y los europeos somos artistas completos,
hacemos de todo, y eso nos ayuda mucho.
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Continuación del proceso de la pagina de wolverine, esta vez con el color preliminar y
luego con el color final y el lettering agregado. Color hecho por Matt Wilson. |
¿Qué prefieres,
trabajar solo o en equipo?, ¿En qué dirías que difiere la dinámica?
Depende, con superhéroes no me queda otra que trabajar en
equipo. Hoy día no me puedo quejar del equipo que tengo, mi entintador me
conoce y hace que el trabajo se luzca y mi colorista me entiende. Este que
tengo ahora es nuevo así que aún nos estamos conociendo. Yo prefiero hacer
todo, lápiz, color, tinta, portada…soy muy egoísta, quiero tener el control
[risas].
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| Pagina de Action comics # 847. |
Tu trabajo a lápiz es
muy claro, muy preciso, con una línea más bien uniforme. ¿Eso es porque ya
estás pensando en cómo se va a integrar luego el color?
Sí, también prefiero dejar todo bien definido para que
cuando entinten no haya lugar a dudas, no quiero que el entintador interprete
algo mal y me arruine el dibujo. Con el color hay que pensar, a veces dejo
mucho espacio para el color, depende de cómo sea, si lo hago yo –Action comics
#847- o lo colorea otro.
Hablando de color. Tu
trabajo se ve muy reforzado por el color, es como que con él cobra una vida y
un movimiento que si bien está presente desde el comienzo se ve ahora
multiplicado gracias a su aporte. ¿Qué tanto te involucras en éste proceso?
¿Haces guías para el colorista o pones notas en los márgenes de las páginas?
No me queda tiempo, a veces tengo ganas de hacerlo pero no
puedo. A veces mando algo con tonos de grises para dar una mejor idea, pero
solo cuando veo que algo no parece funcionar en la etapa de los lápices, o si
veo que el colorista interpretó algo de una forma muy diferente a lo que yo
tenía en mente, entonces sí hago sugerencias. Pero no sé, no me gusta meterme
todo el tiempo en el trabajo del colorista, es su trabajo…aunque a veces tengo
que controlarlo [risas].
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Ilustración hecha con agua fuerte (Inkwash) del Capitán America.
(N del A: personalmente uno de mis trabajos favoritos de Renato) |
¿Entonces no sos de
esos que ponen en el margen de la página cosas como “la luz viene de la
izquierda” o cosas como esas?
No, no, en Superman cuando tenía unos coloristas primero y
después otro se podía llegar a dar el caso, pero muy pocas veces. En esos casos
ponía tonos de gris para que él vea, pero eso es porque no alcancé a mostrar
exactamente lo que quería en los lápices. El colorista también está dibujando,
ya que o le agrega o le quita volumen al dibujo. Con (David) Curiel -colorista
en Superman, por ej. #691- el trabajo era más fluido, me mandaba cosas todo el
tiempo y eso me gustó mucho. En el caso de Superman dependía mucho del color,
por eso era algo muy importante estar en contacto con el colorista.
¿Cómo es tu proceso
creativo?
Leo el guión completo una vez para saber que pasa en la
historia, después comienzo con los thumbnails. Los hago aparte y voy viendo
cómo va cobrando vida la historia. Tengo muchos procesos, desde hacer thumbs
hasta dibujar directo en la página, yo siempre estoy cambiando. A veces me
siento más cómodo dibujando en la página final y otras como ahora lo hago con
thumbs.
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Proceso para la creación de una portada. Desde la concepción del thumbnail hasta la ultima etapa en la que
se le agregan las letras y el logo (Conocido en el medio como "Copy"). |
¿Tenés alguna medida
para trabajar en chico?
No, los thumbs los hago a ojo, después los escaneo y ahí les
acomodo el tamaño en la computadora si es que hace falta, pero eso no pasa muy
seguido, después de tanto tiempo trabajando es como que tengo las medidas
asimiladas y no precisan muchos ajustes. Una vez que tengo eso hecho los
imprimo en dos partes y de ahí voy a la mesa de luz. Hay que tener mucho
cuidado con ese paso porque puede ir perdiendo energía o impacto al pasarlo y
si la energía se va perdiendo el dibujo no queda como uno quería. En el caso de
Superman les mandaba las páginas con los lápices ya casi completos, ellos me
conocían y me tenían confianza, en otros casos como con Wolverine hago un
boceto más terminado y ahí se lo mando al editor, depende de que tan
familiarizado esté con el personaje. Por suerte no recibo muchas correcciones
[risas], ya confían en mí y en mi habilidad para contar la historia, a lo sumo
me puedo equivocar con algún traje, pero eso pasa muy poco.
¿Cuándo trabajas lo
haces en silencio o por ejemplo escuchas la radio?
Hoy con internet veo todo tipo de boludeces mientras dibujo.
Trabajo al ritmo de teorías de conspiración y eso [risas]. Con youtube una cosa
va llevando a la otra y con eso voy yo también. Ya me aburrió la música y por
eso me pongo a mirar cosas en youtube, solo tengo que tener cuidado de no
distraerme mucho. En una época escuchaba muchos audio libros, pero eso fue
quedando de lado cuando dejé de encontrar buenos libros en ese formato.
¿Cuáles son tus
herramientas? (lápices, minas, marcadores, pinceles, tinta, etc.)
Pentel 0.5 y 0.9 HB y 2B Papel... el que Marvel me envia.
Tinta Staedtler. Pinceles Rafael n. 1 y 2.
¿Qué tipo de papel
usas para dibujar?
Uso el papel que te mandan ellos, hoy ya no compro papel.
Antes usaba una marca que es como el bristol, pero ya no lo compro más. DC te
manda el papel satinado, creo que ya no hacen más del papel rugoso, pero ese
papel se ensucia muy fácil con el lápiz.
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| El paso a paso de un panel de 24. |
Pero es muy bueno con
la tinta, yo usé un par de veces y es hermoso como fluye.
Si, con pincel y pluma es precioso. El de Marvel es más
áspero, está más cercano a lo que es la hoja de canson, y yo hoy prefiero el
papel de Marvel, se ensucia menos. Acá las editoriales le mandan el papel a Art
& comics porque es más barato mandarlo por cantidad, después ellos lo
reparten entre todos porque son muchos artistas los que tienen trabajando.
¿Prefieres trabajar
en papel o en digital?
No, en papel. No le veo mucho sentido a eso de comprar una
cintiq y dibujar ahí. Primero porque valen muy caras y no son tan fáciles
de transportar, y segundo porque cuando
usé una me molestó mucho la emisión de luz, yo se que se puede regular y eso,
pero igual, tiene que ser muy incómodo estar viendo a la pantalla por 10 horas
al día, no puede ser bueno para la vista. Yo soy más materialista, el dibujo en
papel es algo que existe y es algo que se toca ¿te imaginas si existiera una pintura
de Picasso pero solo en digital?, no, yo me quedo con el papel. Además en
cualquier caso el papel te brinda la oportunidad de vender el original.
¿Cuál es tu set up digital, que clase de equipos
tienes?
Uso una mini Mac y un PC HP junto con un Scaner HP.
Dado que vivimos en
un lugar y en una cultura donde la piratería parece ser reina, y donde los
comics se consiguen digitalizados prácticamente el mismo día en que salen a la
venta, ¿Cuál es tu postura frente a la piratería de comics por internet?, ¿Te molestaría
(o te molesta) saber que tu trabajo puede estar escaneado por ahí sin
redituarte ganancia alguna? (no tomar en
cuenta el trabajo que se hace para blogs y cosas por el estilo)
No es piratería, es otra cosa, como algo más comunitario, no
me molesta para nada. Creo que incluso la piratería ayuda a regular el precio,
cuando algo cuesta mucho porque solo se consigue de cierta manera eso limita
que se consiga, y la piratería ayuda con esa difusión, a veces haciendo que el
precio baje. El coleccionista quiere el objeto, no un archivo digital, si uno
lo descarga es porque tal vez el precio no es justo o hay que leer una mega
saga que tiene muchos títulos que por ahí no te importan. No creo que sea ese
el motivo por el que venden poco las editoriales, sino que es algo relacionado
con malas decisiones editoriales. No me molesta ver mi trabajo posteado, creo
que en todo caso ayuda a difundir el producto.
¿Cuál fue la
sensación al ver tu primer trabajo publicado (y donde fue)?
Creo que nunca tuve mucho tiempo para procesarlo o para
pensarlo. Mi primer trabajo acá fue una portada para una revista de Batman, de
esas que reeditan en portugués la serie americana, y sí, eso fue medio surreal.
Era muy loco pasar por un kiosko y ver tu dibujo colgado ahí con el resto de
las cosas. Una vez estaba de vacaciones en un balneario y no había mucho para
hacer, pero en un kiosko que había ahí –creo que era el único- estaba la
revista. Estábamos los dos ahí, era raro [risas].
¿Cuándo estás
escribiendo o dibujando un comic, que viene primero?, ¿Cómo haces para
trabajar la historia?
Depende, yo como que dejo que la cosa fluya, es un trabajo
diario, no me gusta limitarme a un proceso. Hay días que intento manejar las
cosas como un profesional, pero hay momentos donde hago lo que me da la gana. A
veces hago secuencias, a veces página por página. Hay días que estoy más
rebelde y dejo que la cosa salga. Mi única organización es leer el guión y
saber qué es lo que pasa, pero trato de hacer todo página por página y en
orden. Trato de confiar en la experiencia que tengo, tengo algo de
organización, pero al hacer comics desde el 2002, haciendo cosas todos los
días, trato de confiar en mi instinto. Las cosas se van armando en mi cabeza, y
cuando surge algo complicado ahí le pongo más atención. Cuando algo no funciona
–o así lo siento yo- cambio las cosas, ando cambiando cosas todo el tiempo. En
Wolverine por ejemplo, los guiones de Jason Aaron son muy fuertes, con mucho
drama, casi como una secuencia de Hitchcock, ahí el guionista no tiene mucho
control, te va a decir que hacer, pero depende de uno hacerlo funcionar en la
página. No me ha pasado que se quejen, o hice cambios que no se dieron cuenta o
que consideraban que estaban bien. Me gusta mucho el cine y de allí me nutro.
Cada vez que estoy viendo una película estoy mirando como plantean la toma y
ese tipo de cosas, algunos directores que me gustan son Hitchcock y M.Night Shyamalan. En el caso del último puede que no
te gusten las historias que cuenta, pero el tipo es un animal con la narración,
yo creo que hoy día es uno de los que mejor manejan la narrativa. Sexto sentido
era perfecta.
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| Portada para su reciente paso por Avengers (Los Vengadores) para Marvel. |
¿Eres de usar
referencia?, ¿Cuál es tu relación con ella y de donde la consigues?
No uso modelos, no hay tiempo, y las veces que lo intenté no
funciono. Me costaba mucho más trabajo , de hecho era casi el doble, preparar
todo para sacar las fotos, después tratar que queden iguales me hacía perder
mucho tiempo en el tablero. Me gusta trabajar con referencia, hacía
investigaciones de art decò cuando trabajaba
en Superman. Uno siempre tiene que buscar referencias para enriquecer el
trabajo, para no repetirse. Hoy en día uso mucho internet, Google image cambio
el mundo [risas].
¿Buscas o ves arte
fuera del terreno de los comics?
Yo tengo influencia de ilustración y pintura, tengo
influencias como por ejemplo de Rockwell. Creo que es importante buscar
influencias del manga o del comic europeo, hay que saber que se hace en otro
medios.
 |
| Conceptos para Supergirl. |
¿Cuáles son tus
influencias como artista?
Muchos artistas del comic, ilustración, fotografía, pintura,
art decò, art nouveau, manga, comic europeo. Me gusta mucho Mignola, o Buscema,
me gusta de todo, no me limito.
¿Si tuvieras que
describirte de alguna forma, como lo harías?, ¿Artista, historietista,
narrador, caricaturista…?
Creo que historietista está bien, no intento pensar
demasiado en eso. Yo no tengo control sobre el trabajo una vez que está
publicado, para algunos puede ser arte, para otros puede ser un tatuaje o algo
para copiar, cada público te describe como él quiere.
 |
| Mas diseños para Supergirl. |
¿De qué trabajas para
pagar las cuentas?
Hoy día por suerte 100% haciendo comics.
¿Cómo artista, que es
más importante, el dibujo o la narrativa?
Para el comic la narrativa. Un buen dibujante puede ser solo
eso y nunca llegar a ser un buen historietista, pero un buen narrador cuenta
bien una historia más allá del estilo de dibujo que tenga. El comic se trata de
contar historias, si la historia no fluye entonces no funciona. Yo antes
compraba revistas por el dibujo, había historias que compraba por el personaje,
de todo un poco, pero si la historia no fluye no compro mas la revista.
¿Qué es lo que
intentas transmitir cuando haces un comic?
No sé, la verdad es que…depende. Hay historias donde yo
pongo más de mí, hay cosas que quiero contar y entonces pongo más de mí como
artista. Hay otras veces que las hago mas como músculo.
¿Cuál es tu mayor
satisfacción al hacer comics?
Hacer lo que me gusta. A veces puede ser un poco duro
trabajar tantas horas por día, pero me gusta el reconocimiento de mis amigos y
la gente. Es todo una gran diversión, esto para mí es un privilegio.
¿De ser capaz de
elegir, donde te gustaría publicar? (Revista, país, editorial, no importa)
Sería como un fetiche para mí publicar para Dargaud, algo
para el mercado francés, pero me encantaría hacer algo para un mercado
latinoamericano. Algo que me permita hablar con ellos, escribir para ellos,
hacer un trabajo específicamente para nuestro público, así como hacen los
franceses. Después de todo somos comunicadores y comunicar no es fácil.
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No solo de Marvel y DC vive el hombre.
Trabajo en Witchblade para Top-Cow/Image comics. |
¿Algún consejo para
el aspirante a artista?
La
gente me pregunta ¿Cómo está la industria? ¿Cuánto se gana? ¿Se puede vivir del
comic? Esos son lo que menos chances tienen de publicar, hay que preocuparse
por practicar, por dibujar. Creo que el único consejo es estudiar, practicar,
buscar, las cosas llegan, puede tardar más o menos tiempo, pero se puede
llegar; solo hay que intentar. Hay que asentarse en la formación, cuando uno
está preparado el trabajo va a llegar, no hay que preocuparse, hay que
ocuparse.
©2012
Brainstorm producciones.
©2012 Renato Guedes para todas las imágenes.
©2012
Marvel Comics para todos sus personajes.
©2012 DC
Comics para todos sus personajes.
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