Entrevista a Paulo Escalada y Abalos Zel de Nueve Grullas.

En Uruguay hoy día es un poco más fácil publicar de lo que era cuando comenzamos la movida allá por el final de los ´90. Esto es en parte gracias a los fondos del MEC y a los que en parte, gracias a ese dinero mantienen editoriales donde publican mayormente trabajos propios. Esto no es para hacer quedar mal a nadie, es solo que en un país sin industria cuando alguien tiene un peso lo usa para publicar lo suyo, y eso está bien, pero por suerte no todo el mundo depende del gobierno para sacar material. En Montevideo Comics se presentaron varios libros (muchos, para ser honesto), y varios de los autores que auto financiaron sus publicaciones colaboraron conmigo, brindándome material para leer y luego poder preguntarles sobre sus experiencias.

Saltando de stand en stand me cruzo con la gente de Nueve Grullas, quienes estaban presentando sus revistas “Lila y los Otros” junto a “Letras, palabras, dibujos y viñetas” y “Audrey”. También conocí a los encargados de Mutágeno Comics y a Pablo Praino, con sus revistas “Fantastiche” y “Powaa” entre otras cosas.

Hoy nos centramos en el dúo que conforma Nueve Grullas y hablamos con ellos sobre sus métodos de trabajo y publicación, futuros proyectos y el arte y su influencia en la gente. Sin más los dejo en la compañía de los artistas.

Datos personales.

Sujeto número 1:

Nombre y apellido: Yonatan Vaz Zeballos (alias ABALOS ZEL).

Lugar de nacimiento: Algún hospital de Montevideo.

Fecha de nacimiento: 1 de Diciembre de 1981.

Base de operaciones: Principalmente mi habitación. También cualquier lugar donde pueda tomar mi libreta y dibujar o escribir algún trazo.

Primer trabajo publicado: Lila y los otros.

Sujeto número 2:

Nombre y apellido: Paulo Escalada.

Lugar de nacimiento: Montevideo, Uruguay.                                  

Fecha de nacimiento: 11 de Junio de 1981.

Base de operaciones: Montevideo.

Primer trabajo publicado: “Letras, palabras, dibujos y viñetas”.

¿Cómo dirías que el comic entró en tu vida?

AZ: A través de mi padre. El compraba revistas Skorpio, El Tony, Dartagnan, principalmente para él (aunque yo también las leía), y a mi me compraba Condorito, Patoruzú, revistas del Universo Disney, y los clásicos Batman, Superman, Spiderman y otros superhéroes. Todo eso fue un Universo que me atrapó inmediatamente y nunca decidió soltarme.

PE: Bueno, le voy a echar la culpa a mi vieja, ella era muy fan de Condorito y Patoruzú. Cuando no sabía todavía leer, me gustaba ir siguiendo el hilo de las imágenes e imaginar que iba ocurriendo. Cuando aprendí a leer comencé a devorármelas una y otra vez, hasta saberlas casi de memoria. Cuando las había leído unas mil veces más o menos, las canjeaba. Mientras otros chicos pedían monedas para golosinas y figuritas, yo pedía para comprar y canjear revistas de historietas.

¿Cuándo tomaste la decisión de pasar de leerlo a hacerlo?

AZ: El horizonte es difuso. Considero que el dibujo es un idioma. Un medio de comunicación que todos en el comienzo de nuestro desarrollo social utilizamos para comunicarnos. Cuando somos niños, dibujamos un sol en el ángulo de la hoja, con una cara sonriente, una casa tipo, y con unos dibujos fosforito representamos a nuestra familia. Estamos comunicándonos, estamos diciéndole a la maestra y a los compañeros de clase que tenemos un papá, una mamá, dos hermanitos, un perro, tal vez un auto rojo. Pero después, este medio de comunicación lento, difícil, poco útil, es sustituido rápidamente por el lenguaje verbal y el escrito. Es mucho más fácil escribir la palabra “auto” que dibujar un vehiculo para indicar que tenemos uno. Al ser una persona muy antisocial, tímida, que luego esa timidez mutó en un desinterés a interactuar en sociedad, el lenguaje “dibujado”,  se convirtió en una forma muy apropiada para comunicarme. Digamos que muevo el lápiz mejor de lo que muevo la lengua. Al comienzo copiaba los dibujos que veía en las revistas. El quiebre podría tomarse en el liceo, donde, con un grupo de compañeros, dibujábamos y escribíamos historias muy locas donde los protagonistas eran los propios compañeros de clase que encarnaban a personajes del momento (los x-men, Patoaventuras, Mortal Kombat, y un largo etcétera).  (Yo era Wolverine. El mejor de todos).

PE: Ya muy de adulto, me llevó un tiempo darme cuenta que era lo que realmente quería hacer a nivel artístico, a mí llegó con la famosa crisis de los 30 jajajaja!

Contanos un poco sobre como aprendiste a dibujar historietas y donde hiciste tus primeras armas en el campo de la impresión.

AZ: Al comienzo fue todo completamente autodidacta. Imagino que inconscientemente tomaba como ejemplo los comics de editoriales profesionales que leía. Hacia todo en hojas de cuaderno o cuadernola sin usar borradores, todo con lapicera Bic dibujado al unísono sin un guion a desarrollar. Luego empecé a poner márgenes, para que los dibujos no se mezclen entre si. No escribía un Plot, o un guion a dibujar. Eran ambas cosas al mismo tiempo. Todo sobre la marcha. Allá por las cansadas empecé a armar todo más ordenadamente. Pensar en un personaje, escribir a grandes rasgos una historia, profundizarla con detalles de los dibujos que debían ir en las viñetas. Un comic de Marvel de X-Men que compre un día, traía un artículo de cómo se hacían los comics en esta compañía. Eso ayudó mucho para orientarme en la cuestión de Guionista-Dibujante y encontrar una forma cómoda y eficiente para trabajar. Aún sigo buscando esa forma.

Con respecto a la impresión, todo fue al comienzo por fotocopias. Pasé de la lapicera Bic a la Pilot, descubriendo que la tinta producía una copia más nítida y fuerte. Nada muy profesional. El salto a la imprenta fue algo abrupto. De hecho, el primer comic publicado (Letras palabras-Lila) fue, al menos para mi, meramente una prueba para experimentar todo tipo de elementos de la impresión, como ser el color, los márgenes, tamaño de letra, encuadernación, etc. Para ser el primer ejemplar, el resultado fue bastante aceptable, sin mayores errores. Cabe destacar la ayuda de los chicos de Mastergraf (la imprenta), que nos guiaron en algunos detalles.

PE: Bueno no las dibujo, me he animado a tirar algunas líneas, sobre todo a nivel digital, soy diseñador gráfico, de todas formas lo mío es escribir. Creo que hubiese tenido talento para el dibujo, de chico lo hacía bien, pero no seguí practicando, me volqué a los libros y la literatura. Con respecto a la impresión, preguntando, tirándose al agua, que se yo, equivocándose uno aprende.

En un país como Uruguay, donde hay producción pero no había publicación sustentada por algún medio ajeno hasta la aparición de los fondos concursables la mayoría tuvimos que aprender sobre edición a los golpes. Me imagino que como la mayoría de nosotros tuviste que tirarte a la pileta de la auto edición sin saber nadar. ¿Dónde llevaste a cabo tu investigación al respecto, como aprendiste los pormenores del asunto?

AZ: Idem respuesta anterior. Todo fue en base a ensayo y error. Paulo se interiorizó más en el tema. Es más serio y responsable referente a todo esto. Yo estoy prácticamente jugando. Me divierto lo que no tiene nombre haciendo comics. Recuerdo que al comenzar a hacer la tira “Lejana cercanía” para Lila y los otros, al escanear y comenzar a manipular una imagen en PhotoShop para agregarle color, al ampliar la misma se píxeló obscenamente. Urgente llame a Paulo y le comenté del problema, el cual lo soluciono de forma inmediata diciendo que pasara la imagen a 300 dpi. Paulo es mi bastón en el empedrado terreno de la responsabilidad. 

PE: Metiste el dedo en la llaga, jajaja! En Uruguay  autoeditar no es una opción, a veces es la única puerta. Bueno, es un poco como dije en la pregunta anterior, vas consultando a gente que ya ha publicado, vas a talleres, o terminás haciendo retoques a la portada de tu libro en la oficina de la imprenta, en una laptop.

Muchos de nosotros somos hijos de los comics de superhéroes. ¿Eso influenció tu trabajo?, ¿Preferís contar historias sobre gente con o sin spandex?

AZ: Tengo un centenar (literalmente) de personajes que pertenecen al mundo de los superhéroes. Están latentes, y espero algún día publicar algo con ellos, aunque sea en formato Fanzine. Muchas de mis historias y comics a medio terminar son aventuras de superheroes. Ciertamente fue una influencia importante. Gracias Marvel!

De chico y adolescente consumía mucho todo tipo de superheroes, mayormente de Marvel. En cierto punto me saturaron y dejé de comprar y leer sobre ellos. Ahí descubrí el manga (más allá que, evidentemente, miraba anime de pequeño). Y retomé las historias comunes (y no tan comunes) de revistas como Skorpio y el Tony. Imagino que al madurar (apenas) mi mente necesitaba nutrirse de un alimento mas solido que simplemente el bien contra el mal. Luego supe buscar bien en lo poco común del mundo de los superhéroes y encontré verdaderas joyas que a nada tienen que envidiarle obras clásicas de la literatura universal. Historias que no solo son piñas y patadas de unos contra otros, sino que muestran historias verdaderamente interesantes sobre la condición humana, y ofrecen, además, el aliciente de lo fantástico, que expande las posibilidades de lo racional y alimenta una buena historia.

Ya sea con o sin cuerpos trabajados en su plenitud embutidos en sensuales trajes de neopreno de colores primarios, nunca quise lanzarme hasta hace poco a publicar algo “formal” porque no sentía que estuviera listo tanto grafica como argumentalmente. Pensaba o juzgaba que mi trabajo aún no era lo suficientemente bueno. Y en el campo de los superhéroes, ya sabemos quien tiene la hegemonía. (Igual te quiero mucho, Stan Lee).

PE: Jajaja, muy buena pregunta, me imagino haciendo una campaña, como hizo una marca de cervezas que no me acuerdo, con o sin espuma – ¿con o sin spandex? Bien, listo, tenía que decirlo. Creo que si hubiera comenzado a editar con veinte años habría spandex para rato. Por suerte eso no ocurrió, y aquellos superhéroes que en mi adolescencia me emocionaba leer, hoy no me llegan. Hoy me inclino por historias más humanas.

Ya que el género super heroico en particular es un medio de producción basado en el modelo industrial donde todo se hace por separado, con un guionista escribiendo la historia, un dibujante haciendo los lápices, otro entintando todo, un letrista, un colorista y un editor examinando cada paso del proceso, ¿alguna vez trabajaste en equipo bajo ese tipo de condiciones?

AZ: Nunca. Y espero nunca hacerlo. (Excepto si me pagan. Entonces sí)

PE: No, en Uruguay uno es todas esas cosas juntas más editor, corresponsal, rrhh y un largo etcétera

¿Qué preferís, trabajar solo o en equipo?, ¿En qué dirías que difiere la dinámica?

AZ: Para hacer mis historias prefiero trabajar solo. Pero un trabajo en equipo, si bien solo he tenido esta experiencia con Paulo, imagino que me sentiría cómodo si el proyecto es agradable para ambos. Es decir, que ambos disfrutemos tanto de la historia como del dibujo. Todo depende de la historia que se esté contando. Creo que el dibujo debe someterse a la historia, y si el escritor dice “este cuadro tiene que ser de ESTA manera”, el dibujante no tiene demasiado voto para cambiar eso, pues el guionista quiere ese cuadro de esa forma por algún motivo. Lo más importante en un trabajo compartido es la relación de los artistas. Si no es buena, se ve reflejado en la obra final.

PE: Prefiero  trabajar en equipo aunque es más difícil, requiere más esfuerzo y tiene que haber cierta química o feeling artístico para que las cosas salgan bien. Trabajar solo puede resultar más fácil, no hay un sí o un no, sos vos solo el que decide que queda, que se va. Cuando trabajás en equipo, la historia ya no es tuya, es del grupo, y adquiere los matices de cada uno, se va transformando en algo incluso mejor que lo que vos tenías en mente. Como guionista incipiente que soy, creo que la persona que va a dibujar tu historia tiene que hacer click con la misma, sino, no sirve de nada.

Dado que son amigos, uno es escritor y el otro dibujante ¿Tienen planeado hacer algo juntos? ¿No sería algo natural que lo hagan?

PE: Siempre estamos trabajando juntos. De alguna u otra forma, llevando adelante cada uno de los proyectos. A nivel de las obras, hemos hecho algunas tiras, nada grande por ahora. Tampoco tenemos nada planeado de momento.

AZ: De hecho, hemos hecho algunas cosas como equipo. Pero nada muy “grande”. El hecho de que tengamos proyectos individuales en guion, nos separa un poco de proyectos en conjunto. Preguntaste anteriormente que onda con los superhéroes. Pues bien, ese aspecto es una faceta en donde tenemos algo muy en común, y en un futuro me agradaría bastante (estoy seguro que Paulo está de acuerdo conmigo) publicar algo con ese proyecto.

¿Cómo es tu proceso creativo?

AZ: Me drogo. No, es broma. @_@

Hay otras tres formas.

La primera es la que llamaré Creatividad Inducida. Y es ponerme a pensar en una historia de manera voluntaria. Decidir escribir una historia o dibujar algo por el deseo de hacerlo. Entonces comienza el trabajo (quizás más laborioso) de armar el guion, pensar en los personajes, en el desarrollo de la historia y el final, pasar por varias opciones hasta decidirse por una que más guste. Buscar cercanías en otras obras, en la vida real, etc. Es un proceso “artificial”, por llamarlo de algún modo, y si bien funciona el andamiaje de la creatividad e inspiración, está ampliamente dominado por el esfuerzo mental de armar la historia (o los dibujos) para que el proyecto funcione.

La segunda forma es La creatividad espontanea. Es esa historia, ese dibujo, ese personaje, situación, chiste, que surge cuando estoy contando las monedas del vuelto del boleto del bus y me golpea en el órgano de la inventiva, que tenia que ejercitar en la forma anterior (Creatividad inducida), pero que ahora se activa sola, sin ningún esfuerzo ni estímulo externo (al menos ningún estimulo que sea evidente). Puede ser un simple concepto (Un personaje que cada vez que se despierta, es otra persona) y nada más, y ahí tengo que desarrollar todo el concepto, darle coherencia, crear a los personajes, seguramente con la forma anterior. O puede ser simplemente el final de una historia (Y ahí tengo que ir retrocediendo para contar todo el comienzo y cuadre con el final que surgió espontáneamente).

La tercer forma es la creatividad Onírica. La menos común. Y es soñar con la historia a contar. Las pocas veces que me ha ocurrido esto, la historia se ha presentado completa. Comienzo desarrollo y final.

Pero mayormente es una mezcla de todo esto junto. A veces una y otras veces otra. Las musas son inquietas y cambiantes.

PE: Voy anotando ideas iniciales, así como salen, ideas en bruto. A veces son imágenes, una situación. Otras veces, en base a las ideas primarias van surgiendo imágenes, cuadritos. Estas imágenes me surgen a veces en lugares inapropiados, me pueden estar hablando de cualquier cosa, y yo estoy colgado en una imagen, en lo que le va a pasar a mi personaje cuando se encuentre con tal otro. Luego viene la parte de ordenar todo eso cronológicamente. Ordenarlo por páginas, por viñetas. Pulir todo ese masacote de ideas, de imágenes, de diálogos, de situaciones.

Paulo, ya que sos escritor y soles trabajar con diferentes dibujantes, ¿Qué es lo que buscar en ellos a la hora de colaborar? ¿Cuánto tiempo te lleva (más o menos) desarrollar una idea?

PE: En primer lugar compromiso con la obra, por más pequeña que sea. Lo del tiempo es relativo, una tira la guiono en un rato. Las ideas más complejas (las novelas gráficas) creo que llevan un tiempo de maduración dentro de uno. Ese tiempo es relativo. Luego plasmar toda la idea, no te sabría decir, me encuentro guionando mi primera novela gráfica, hace como un mes ya, cuando la termine te cuento.

Paulo, ¿Cómo son tus guiones? ¿Son detallados o más bien descripciones más sueltas? ¿Cuánto espacio le dejás al artista para hacer lo suyo? (con esto digo diagramar la página, personajes, cambiar cositas, etc.)

PE: Mis guiones son muy flexibles y suelen teñirse del matiz de quien lo dibuja y me encanta que eso pase. Si algo tiene mucho detalle es porque esos detalles son vitalmente funcionales a la historia. Intento que eso no pase, excepto cuando es necesario. También hay mucho de diálogo previo, voy viendo, hay dibujantes que prefieren más y otros menos, o que no detalle tanto los dibujos, pero sí que diagrame la página, depende.

¿Cuándo trabajás lo hacés en silencio o por ejemplo escuchás la radio?

AZ: Por lo general escucho música o veo una película o alguna serie (Ver es una forma de decir. Solo escucho los diálogos y de vez en cuando levanto la mirada para echar un vistazo). Música instrumental ayuda bastante para no distraerme con las letras de las canciones, si bien el silencio a veces es bueno.

PE: Me gustan las dos opciones, depende que tipo de trabajo estoy haciendo. Si es más bien técnico, como pasar en limpio apuntes, copiar archivos, casi siempre hay música. Cuando se trata del desarrollo de la historia, por lo general el silencio es la mejor opción. Ahora me encuentro trabajando en una novela gráfica que hay mucha música y estoy experimentando escuchar esa música cuando escribo una escena que está relacionada a un tema musical en particular.

¿Qué tipo de música escuchan?

PE: Bueno esta pregunta es de las difíciles. Tengo etapas, me gusta explorar siempre nuevos artistas, nuevos ritmos. Ahora estoy escuchando mucho jazz latinoamericano y mornas de Cesaria Evora. Amo la música, pero sin encasillarme en géneros.

AZ: Particularmente soy un poco cerrado con la música. Una vez que encuentro algo que me satisface, lo escucho durante largo tiempo sin buscar nuevas experiencias. Incluso la lista de lo que escucho no es muy extensa: Evanescence, Nightwish, Epica, Blackmore´s Night, Cranberries, Xandria, Alanis Morissette, Disturbed, Connie Dover, Loreena Mc Kennitt, Enya, Linkin Park, Lyriel, Sirenia, Ska p. Y hay una gran variedad de temas aislados de diferentes grupos que están dentro de mis favoritos.

¿Haces muchos bocetos previos antes de comenzar o vas derecho a la página? ¿Haces algún tipo de planeamiento antes de comenzar a trabajar?

AZ: Pocos bocetos. De hecho, nunca hice lo que se supone que se debería hacer, el personaje parado de frente, de espalda, vista aérea, especificaciones de su tamaño y relación y proporción con otros personajes. Soy muy desprolijo en ese sentido. Generalmente hago un boceto de la página general, y luego me enfoco en cada viñeta por separado. No soy nada profesional, solo juego a dibujar macacos y algo surge de todo eso.

PE: Bueno, voy a contestar esta pregunta como guionista. Trabajo mucho con borradores. Planifico mucho antes de comenzar a escribir. Armo un esquema, cronogramas, descripciones de personajes, etc. Bueno, si hay que investigar investigo, eso lleva tiempo también.

¿Cuándo te trabas con algo que haces para salir de esa situación? ¿Qué buscas o que haces para reencender los fuegos creativos? ¿O lo dejas quieto por un tiempo y volvés a ello más tarde?

AZ: Me pongo a jugar Nintendo. O a hacer ejercicio. Escuchar música o pulir bocetos ya hechos. Mis fuegos creativos no tienen mucho combustible para encender ninguna chispa de luminosidad. Me ayuda bastante comenzar a leer la historia, el guion, desde el comienzo, e interpretar físicamente a los personajes y las situaciones. Y ahí me ves en mi habitación como un loco moviéndome para todos lados y revolcándome por el piso. Generalmente es suficiente para destrabar el bache, es como si la historia siguiera su curso por si misma. De cualquier forma, al pensar en una historia, mayormente surge el comienzo, desarrollo y final, así que no hay mayor trancadera, si bien me han ocurrido algunas veces.

PE: Depende, si se trata de una tira, la dejo, trabajo en otra. Luego la solución aparece sola. Con una novela, es más fácil, porque una novela tiene varios puntos para trabajar, si me tranco por ejemplo, con un personaje, paso a otro. Y así.

¿Cuánto tiempo pasas al día en la mesa de dibujo?

AZ: No todo el que debería.

¿Preferís trabajar en papel o en digital?

AZ: Papel.

¿Cuáles son tus herramientas? (lápices, minas, marcadores, pinceles, tinta, etc.)

AZ: Básicamente un lápiz mecánico que compre allá por 1998 y Papel A4.  (Y alguna Pilot Negra pa´entintar). Tengo Oleos, pinceles, otros elementos a los que no les doy mucha pelota.

¿Qué tipo de papel usas para dibujar?

AZ: Cualquiera. He dibujado, en algún momento de inspiración, en papel higiénico. (Sin usar).

Para hacer un trabajo, el A4 ha sido suficiente hasta el día de hoy.

¿Sos de ir comprando el material para trabajar a medida que lo vas precisando o compras por cantidad de una sola vez?

AZ: Mi material no es muy abundante que se diga. Siempre tengo papel A4, siempre tengo Pilot negra y siempre tengo grafo para el lápiz.

¿Cuál es tu set up digital, que clase de equipos tenés?

AZ: Una m13rd@ que se tilda a cada momento. El Mouse óptico encara (antes tenia el de ruedita. Un infierno). El monitor también es bueno. Pero se impone un cambio de equipo de manera casi urgente. De cualquier forma mis prioridades son confusas. El Wii u está primero en mi lista de gastos inmediatos.

PE: Compu.

Dado que vivimos en un lugar y en una cultura donde la piratería parece ser reina, y donde los comics se consiguen digitalizados prácticamente el mismo día en que salen a la venta, ¿Cuál es tu postura frente a la piratería de comics por internet?, ¿Te molestaría (o te molesta) saber que tu trabajo puede estar escaneado por ahí sin redituarte ganancia alguna? (no tomar en cuenta el trabajo que se hace para blogs y cosas por el estilo)

AZ: A diferencia con las películas y los videojuegos que sufren terriblemente con la piratería, el comic digital nunca va a sustituir por completo al comic en papel. (Esperemos que no, al menos). De hecho, el publicar un trabajo para descargar gratuitamente es un llamador, para que consigan el trabajo original. No hay nada como el papel, ya sea por su comodidad, la versatilidad de llevarlo a cualquier lado, no se le acaban las baterías, no cansa la vista con el brillo de la pantalla, y un largo etcétera. Hay comics en papel para rato. Y el hecho de que, por ejemplo, mi trabajo se difunda gratuitamente por Internet sin ser yo quien lo haga, es genial, pues significa que a esas personas les gusta lo que hago. Si de casualidad alguien más gana dinero con mi obra, acepto que son las reglas del juego.

PE: No la verdad que no me molesta para nada, de hecho, nuestro pequeño sello comparte los materiales libremente en la web para ver online o para descargar. Creo que la forma en la que se trata a veces este tema actualmente es bastante cerrada, todos los materiales artísticos deberían ser de libre acceso.

Hablando un poco del tema de internet, tengo entendido que a través de su sitio web, están encarando un proyecto para promocionar y publicitar web-comics en español, de forma completamente gratuita. Cuéntennos de qué se trata y cuáles son los objetivos que se planearon al concebir dicho proyecto. ¿Cuáles son los requisitos para formar parte del mismo?

PE: La propuesta está orientada a obras y artistas de habla-hispana. La idea es promocionar y apoyar la difusión de las obras mediante publicidad on line. Hacemos mucho hincapié también en la interfaz de visualización, apostando a la practicidad y comodidad para el lector. Nuestro objetivo a largo plazo con este proyecto es llevar las mejores obras al papel, o realizar algún concurso, que se publicarían bajo nuestro sello. Pero en primera instancia el objetivo principal es la promoción de los trabajos. Si tienen blogs, webs o Fanzines, mucho mejor, nuevegrullas podría ser un medio más para publicar y promocionar los trabajos. Si no, simplemente se puede enviar un trabajo completamente inédito. No solamente pensamos trabajar con comics, también pueden ser ilustraciones y dibujos. Los requisitos para participar los pueden encontrar en nuestro sitio web (nuevegrullas.com) en la sección “publicá tu web – comic” - El servicio es 100% gratuito.

¿Cuál fue la sensación al ver tu primer trabajo publicado (y donde fue)?

AZ: Gané un concurso para un comic que se distribuía en Montevideo Comics. Cuatro paginas de una historia algo predecible y pasada de tono. No recuerdo la sensación, lo que indica que no fue algo demasiado emocionante. La historia que presenté la había escrito y dibujado un año antes, no la escribí específicamente para el concurso. Mi participación fue como “Ma’ si, voy a presentar esto y me chupa el codo si gano o no”.

PE: Fue genial, tomé el libro en mis manos y lo miraba descreído. Bueno fue con Nueve Grullas.

Bueno, ya que estamos en el tema ¿Cómo surge Nueve Grullas y por qué el nombre?

PE: Nueve Grullas surge por amor al arte literalmente. Nos conocemos hace mucho tiempo y siempre soñamos con la idea de llevar adelante una pequeña editora. Se podría decir que surgió como suelen surgir estas cosas, cerrando los ojos y tirándose a la piscina. Y desde que nos animamos hemos aprendido un montón de cosas y seguimos aprendiendo. Es de Perogrullo lo que voy a decir, pero la inactividad no lleva a ningún lado, uno se oxida, en el ensayo y error uno se va fogueando. Bueno, lo del nombre, a ambos nos gusta mucho el origami, y la grulla es su figura más emblemática. Además, estas aves en sus migraciones en el continente asiático, realizan cada año una verdadera odisea, que es sobrevolar el Himalaya atravesando muchas inclemencias climáticas. Es para nosotros una metáfora del esfuerzo que conlleva perseguir un sueño. Y son nueve por el noveno arte.

He visto que han hecho performances en alguno de los lanzamientos de sus revistas ¿Qué los llevó a hacer eso?

PE: La experiencia en la Fiesta Beware fue genial. La idea inicial era publicitar en la fiesta, o ser auspiciante. El personaje Audrey es muy goth y nos pareció que sería una buena idea trabajar con ellos. Pero nos ofrecieron algo mejor, que la temática central de la fiesta sea Audrey. Para los que no conocen Beware, cada fiesta es única, con una temática definida y una performance sobre el tema. Se representaron unas escenas que saldrán más adelante en la historia. Laburamos más de un mes con ellos para una fiesta que generó muchísima espectativa y quedamos muy conformes con los resultados. La filmación de la performance puede verse en nuestro sitio web.

AZ: Es una forma de salirse de la norma y tratar de ser originales, llamar la atención y entretener al público, una especie de espectáculo que enriquezca la obra en sí. Está bueno no quedarse solamente en el aspecto historietístico, sino mezclarlo con otras expresiones artísticas.

¿Cuándo estás escribiendo y dibujando una historieta que se te ocurre primero?, ¿Cómo hacés para trabajar la historia?

AZ: Depende. WIT, un personaje (Superheroe), se me ocurrió al despertar una noche. Soñé con una chica que me gustaba y me desperté. (Fue una pesadilla, porque en el sueño la mina no me daba pelota). Desvelado, tomé el lápiz y empecé a dibujar, y así surgió WIT. Luego le armé todo un universo a su alrededor. Game Over surgió con las situaciones de Lila rechazando continuamente a alguien que la amaba profundamente y a ella no le importaba. Hacía dibujos fosforitos, porque lo que me importaba eran las situaciones y no tanto los personajes. Por eso Game Over es tan simple en su diseño.

Al tener algunos personajes bien definidos, a veces puedo cargar sobre sus hombros alguna historia que pueda soportar, y me evito la labor de crear algún personaje nuevo, y viceversa. Hay personajes que al verlos, surge naturalmente alguna historia para contar. Hay historias que me dibujan al personaje, y personajes que me escriben la historia.

La historia muchas veces la escribo como un minicuento. Luego la adapto a comic. En este proceso es necesario a veces, sin perder la esencia de lo que quiero contar, adaptar las situaciones, ya que pasa de cuento a un formato más visual. En el caso de Audrey, por ejemplo, usamos una actriz para interpretar el personaje. En la segunda parte, esta chica ya no va a estar, tuvimos que contratar a otra muchacha, y eso debió adaptarse al guion, y explicar por qué Audrey tiene ahora otro rostro. Y debí adaptar el guion a esa situación, sin perder de vista la historia principal que no se modificó.

He borrado finales completos que si bien me gustan, me doy cuenta que no corresponden con la historia que estoy contando. Adaptarse es esencial para lograr un buen resultado.

PE: Bueno pasa de todo. A veces se me vienen imágenes y situaciones que no sé a qué podrían corresponder. Las voy anotando y quedan guardadas. En otros momentos lo que se me ocurre es el final de una historia, el remate de una tira. Luego trabajo para llegar hasta ahí. Cuando no tengo un final se me hace imposible trabajar, el final es una guía para saber a dónde voy, o que estoy escribiendo. Si lo que tengo es un montón de situaciones, imágenes y personajes y me gustan como se ven juntas, bueno, trabajo primero en que final podría tener. Y bueno, el resto del proceso creo que ya te conté más arriba.

¿Cuándo tenés toda la historia ya desarrollada a nivel gráfico, seguís el orden secuencial o vas saltando de escena en escena yendo a las cosas específicas que más te llaman la atención primero? ¿Sos de cambiar cosas a medida que las vas haciendo o te regís por el guión? ¿Sos de los que empiezan por la primera página y siguen en orden hasta la última?

AZ: Lo veo como si fuera un lector más. (Que lo soy, de hecho). A veces me detengo en alguna página o algún cuadro especifico por si algo no me gusta y hay que cambiarlo, lo que es un estrés, ciertamente.

PE: Leí por ahí que escribir una historia es ir desenterrando un fósil. Vas encontrando huesos, vas excavando con cuidado, para no estropear las piezas. Al principio, resulta difícil darse cuenta de que tipo de animal pudo haber sido, hasta que se tengan todas las piezas. Me pasa algo similar, podés estar convencido de que la historia viene por un lado, y luego te encontrás con que el bicho tiene alas, y de repente la historia pega un giro. Se transforma en otra cosa. Y eso puede pasar varias veces, con detalles grandes y pequeños.

Ya que muchas veces nosotros mismos tenemos que ponernos diferentes trajes (el de guionista, dibujante, entintador), ¿Sos de ponerte en el lugar del editor mientras estás trabajando?, ¿Te vas auto editando a vos mismo o dejás que las cosas salgan como salgan?

AZ: Creo que inconscientemente me autoedito para que las cosas salgan como a mi me gustaría. Antes que un dibujante o escritor, soy un lector. Y si no me gusta el camino que va tomando la obra, sin duda voy a desviarme para encontrar el curso que mas me agrade como lector. Nunca he pensado hasta ahora desarrollar la historia para que le agrade a un tercero, al público al que va dirigido. Me basto con satisfacerme a mi mismo (“Eso fue lo que ella dijo”) en cuanto al dibujo y argumento. 

PE: Entenderás que en mi condición, no me queda otra que irme auto-editando. Me gustaría no tener que preocuparme de esas cosas y dedicarme solamente a escribir. Pero no es viable hoy en día.

¿Cuándo estas en medio de un proyecto tu forma de trabajar es fluida o sos más bien estructurado?

AZ: Soy como el agua. Adaptable y poco consistente.

PE: Intento darle atención a mis proyectos, buscar los tiempos, ponerme horas, mantener un orden. No resulta tan fácil como escribirlo acá, pero estoy en ese proceso sí. Digamos que intento mantener el equilibrio entre no dejar dormir el proyecto pero tampoco estar veinticinco horas diarias metido en el taller. Me encantaría, ojo, jajajaja, pero no puedo.

¿Qué es lo que más te cuesta o lo que menos te gusta de tu trabajo? ¿Qué es lo más difícil?

AZ: Lo más difícil es el dinero que gasto para hacer lo que me gusta realmente. Y eso significa sacrificar muchas cosas que me gustaría tener o hacer. Pero el placer de ver una obra terminada justifica cualquier esfuerzo y sacrificio para llevarla a cabo.

PE: Lo que menos me gusta son las cosas inevitables, todo aquello sobre lo que uno no puede influir, los contratiempos, los imprevistos. Las fechas. Lo más difícil creo, es hallar tiempo para hacer lo que a uno le gusta. Y el noveno arte lleva tiempo.

¿Buscás o ves arte fuera del terreno de los comics?

AZ: Música, películas, libros, lo usual.

PE: Sí, muchísimo. Cine, teatro, música, literatura, pintura...

¿Cuáles son tus influencias como artista?

AZ: No soy un artista. Solía, torpemente, imitar (que bien queda esa palabra en lugar de “copiar”) a Jim Lee, Bruce Timm, usar fotografías al igual que Alex Ross. Y me resulta muy cómodo el estilo Manga y anime. En cuanto a las historias, vuelco mucho de mi propia vida en ellas. Tanto en los personajes como en las situaciones.

PE: Bueno, creo que para ponerme a hablar de influencias sería necesario tener más obras en mi haber.  Si hablo de otras cosas que andan por ahí archivadas, más literarias, tienen influencias de Borges, de Sabina. De todas formas, considero que me estoy acercando,  en la obra que estoy trabajando, a un estilo más personal, más íntimo. A lo mejor cuando se publique, alguien me dice “che, me hace acordar a tal” pero bueno. Lo que sucede tal vez es que siento que todo me influencia, entonces, resulta un cóctel del que es difícil discriminar aquella influencia de otra. Y no solo del comic. Las influencias vienen de otras artes, del cine, de una banda de música.

¿Te considerarías un artista “moderno” o mas bien “tradicional”, medio “a la antigua”? (hablando de los métodos de trabajo)

AZ: No me considero un artista. Soy alguien que, en su carácter antisocial, se comunica a través de los comics.

PE: Intento adaptarme a lo que es práctico. Ser puritano solo porque sí, o porque es más romántico solo es válido si la obra y/o la historia queda mejor. Lo que más importa es la historia.

Abalos, parece que estás muy convencido de no ser un artista, pero uno puede cuestionar que todo aquel que crea algo puede serlo. ¿Estás convencido de eso o es falsa modestia?

AZ: Estoy convencido. El arte es subjetivo. Lo que para alguien puede ser arte, para otra persona puede ser absoluta basura. Pasa en la música, en la danza, en la actuación, en toda expresión humana de creación. Tal vez alguien me vea a mi como un artista, pero esa es SU percepción. Yo no me veo a mí mismo como tal. Sé que lo que hago lo hago mejor que algunos y peor que otros, pero es lo que hago.

En sus trabajos se nota un lenguaje trabajado, serio, poético, usado para abordar temas complejos (la soledad, la muerte, el rechazo, el abandono), todos ellos bien tratados. ¿De dónde surge la necesidad de abordar algo tan complejo algo con tanta gravitas?

AZ: Por mi parte, soledad, muerte, rechazo y abandono están todo el tiempo presente en mi vida. (Más otras cosas que no son nombradas) Son situaciones, condiciones, hechos en mi vida que ciertamente han marcado mi identidad, para bien o para mal. Más allá de que acepte o no estas condiciones, más allá de que las disfrute o las odie, tengo que lidiar con ellas. El humor, la ironía, el sarcasmo, la caricaturización e idealización de estas condiciones en mi vida es una terapia gratuita para tolerarlas, disfrutarlas, quitarles importancia u otorgárselas. Es una catarsis con la cual evito pagarle abultadas sumas de dinero a un psicólogo.

También hay una gran carga filosófica en sus trabajos ¿Cuáles son sus mayores influencias literarias? Se ve que han leído mucho.

PE: Considero que nunca se ha leído lo suficiente. No veo, de momento, claras influencias literarias en mi trabajo. Podría ser quizá que algunas cosas tengan (solo algunas) un ligero matiz a Borges, pero es muy sutil a mi forma de ver.

AZ: No tengo una amplia cultura literaria. No he leído tanto como algunos a veces piensan. Algo que me ocurre (y a veces odio, pues fácilmente puede ser tomado como plagio, y tal vez lo sea) es que cuando leo algo, algún concepto de lo leído se me pega, o me atrapa, y trabajo algún guión en base a eso. Una idea que en la obra leída tal vez haya pasado prácticamente desapercibida o el autor no le volcó demasiada importancia, pero que a mí me cautivó.

¿Si tuvieras que describirte de alguna forma, como lo harías?, ¿Artista, historietista, narrador, caricaturista…?

AZ: Gamer ermitaño. Estoy jugando incluso con esto de los comics.

PE: Editor principiante (a la fuerza). Guionista. Narrador. Escritor.

¿De qué trabajás para pagar las cuentas?

AZ: Policía.

PE: Diseño gráfico y web. También trabajo en atención al cliente.

¿Qué le dirías a alguien que está pensando en largar todo para dedicarse a hacer historieta o vivir del dibujo?

AZ:¡¡¡¡No lo hagas!!!! ¡¡¡¡Piensa en tus hijos!!!!!!  (cuando nadie nos ve: ¡¡¡¡¡Hazlo, es lo que amas!!!!!)

PE: Que enloqueció por completo. Y también que si uno no hace lo que le gusta, nunca va a estar en paz.

¿Consideras prudente que alguien que quiere hacer historieta se meta un poco en toda la parte editorial aunque lo único que quiera hacer es por ahí dibujarla?

AZ: No sé si es prudente, pero en nuestro caso, es inevitable. Comercialmente no es algo inteligente. Delegar el trabajo para las personas idóneas en el asunto editorial (en este caso) es lo más productivo.

PE: Es necesario. No queda otra. Hay que empaparse, aprender, foguearse. No podés dejar tu historia guardada en un cajón encaprichado en que no vas a auto-editarte.

¿Qué es lo que intentás transmitir cuando hacés un comic?

AZ: Una idea, un concepto, parte de mí mismo, un ejemplo a seguir, un ejemplo a no seguir. Depende de la historia.

PE: Me gusta lograr que el lector se haga las mismas preguntas que yo me hice.

¿Cuál es tu mayor satisfacción al hacer comics?

AZ: Todas las minas que gano con esto. (Pausa larga. Un poco de llanto. Me seco las lágrimas y ahora si te contesto en serio): Que un lector me pregunte “¿cuándo sale la segunda parte?”.

PE: Contar historias.

¿De ser capaz de elegir, donde te gustaría publicar? (Revista, país, editorial, no importa)

AZ: No sé si voy a estar vivo mañana. Dejame disfrutar mis publicaciones de hoy.

PE: Quiero publicar en Francia y en España.

¿Algún consejo para el aspirante a artista?

AZ: Que alguien me diga como se hace, porque yo no lo soy.

PE: Que sea fiel y sincero consigo mismo. Que nunca deje de aprender.

Bueno, antes de despedirme y de darles las gracias por su tiempo y paciencia me queda por preguntarles una cosa: ¿Dónde se pueden comprar sus publicaciones?

PE: Bueno a través de la tienda online dragoncomics.com se pueden encontrar nuestras publicaciones con envío a cualquier parte del país y del mundo.

Para la gente que está en Montevideo, enviamos a domicilio sin costo y nos pueden hacer pedidos a través de los siguientes medios:

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