Friday, March 30, 2012

Dibujando Superheroes.

Hay algo de hipnótico al ver a una persona dibujando, algo que nos hace gravitar sobre sus hombros independientemente de que nosotros mismos seamos o no capaces de dibujar algo. En el caso particular de un dibujante de cómics existe el factor de maravillarse ante el trabajo de un artista que uno admira, sea por la afinidad de estilos o porque la persona frente a nosotros ha sabido dejar una marca indeleble en un medio al que atesoramos como propio.


Primero tenemos a John Romita Sr. y Joe Kubert.

En ésta serie de videos no van a ver grandes cosas, solo a un grupo de gente, mayormente de espaldas haciendo algo que nos ha marcado de por vida. Como artista me llama siempre la atención el detalle, ver cómo agarran el lápiz, donde, cómo, cuándo y porqué borran, que elementos usan, por donde comienzan. En mi mente todo es material que voy tratando de asimilar pensando que en algún momento me va a ayudar a convertirme en un mejor artista. Acá no hacen falta explicaciones detalladas, la mano de cada uno habla por sí misma, y como dice el dicho “ a buen entendedor pocas palabras”.


Seguimos con John Buscema y Bill Sienkiewicz

No todos tienen la fortuna o la suerte de poder conocer a éstos talentos en persona, mucho menos verlos en acción, aunque solo sea haciendo un boceto. Aquellos que hemos podido hacerlo sabemos el valor intrínsecamente didáctico que tiene el poder contemplar a uno de éstos nombres en vivo haciendo lo que hacen. Para el resto, y gracias a ésta maravilla que es internet existen estos vehículos, para que como quien lee un libro, uno tenga un cierto nivel de exposición a algo que puede reforzar sus cualidades artísticas. Con eso en mente les dejo ésta serie de videos, para que vean y analicen el trabajo de algunos historietistas del más alto calibre.


Terminamos con Dave Gibbons y Travis Charest.


También pueden ver este artículo que habla sobre como componer una imagen dinámica de grupo realizado por Alvin Lee para la revista Imagine FX. Todo esto nos va preparando para la próxima entrevista, una que tengo muchas ganas de publicar. Nos vemos muy pronto.



Sunday, March 25, 2012

Un par de consejos.



La narrativa no solo implica una secuencia de imágenes. Hay veces que una sola imagen tiene el poder de contarnos muchas cosas, con o sin la asistencia de texto. Hoy les dejo una imagen de un artista que me gusta mucho. Paul Madonna publica semanalmente su tira All Over Coffee en el diario The San Francisco Gate. Aquí les dejo una:

“En cuanto a consejos en general, voy a decir lo que suelo decirle a los estudiantes cuando hablo en escuelas, que es hacer lo que les sea natural, no lo que uno cree que debería hacer. Pero también tratarlo como un trabajo. Ser artista no significa que tengas que ser vago, significa que eres un emprendedor, y que no puedes esperar a que alguien te diga lo que tienes que hacer. Debes actuar por ti mismo, ser voluntarioso y bien disciplinado. Con eso dicho, no cualquiera debería ser, quiere ser, o está hecho para ser auto-dirigido. Debes identificar en qué eres bueno y donde encajas, y qué es lo que realmente quieres lograr en tu vida”

All Over Coffee Sunday, February 26, 2012
By Paul Madonna

Y luego un ejercicio para relajar un poco la mano después de muchas horas de dibujo.

Más material, muy pronto.

©2012 Brainstorm producciones

©2012 los respectivos autores para sus respectivos materiales.

Por más trabajos de Paul Madonna:
http://paulmadonna.com/



Sunday, March 18, 2012

12 preguntas con Tony Moore.



Tony Moore. Para saber a qué se refiere el (*)
seguir hasta el final del post.
Tony Moore se dio a conocer durante el primer año de The Walking dead. Dibujó los primeros 6 números y luego hizo las portadas hasta el número 24(*). Ha dejado su marca en el medio como creador de trabajos de género y ha continuado trabajando en títulos como The Exterminators (con Simon Oliver), Fear Agent (con Rick Remender) y Venom en 2011 (con Remender) para Marvel cómics.

Primer trabajo profesional (pieza/año) y quizás una pequeña historia detrás de él.
No sé si podrías llamarlo “profesional” pero mi primer libro fue “Battle Pope”, que Robert Kirkman y yo lanzamos en el 2000, bajo nuestro sello independiente Funk-O-Tron. Somos amigos desde los 12 años, que a ese punto serian unos 8 años de amistad. El tenía algunas ideas que quería intentar publicar y me llamó a mí. Yo estaba terminando primer año en la escuela de arte y estaba de acuerdo con probar cualquier cosa. Era una experiencia de aprendizaje, y me condujo a obtener un trabajo que me permitió abandonar mi trabajo en UPS, que terminó siendo el unitario de Masters of the Universe´s Icons of evil: Beastman protagonizado por el villano de He-man.


Auto didacta o con educación formal (o una mezcla de las dos, mentores, etc)
La mayor parte de lo que sé sobre cómics es gracias a leerlos y estudiarlos obsesivamente. En lo que respecta a ilustración, diría que soy auto didacta. Pero, sí, fui a la escuela de arte, donde me gradué en dibujo y me dediqué a aprender tanto como me fuera posible sobre las artes. Tomé muchas clases de dibujo en vivo, junto con pintura e impresión. Creo que aprendí mucho, y la mayoría me sirvió para desarrollar una forma de hacer cómics de una forma u otra, directa o indirectamente.


Herramientas de trabajo: dándole una mirada rápida a tus lápices, pinceles, etc, ¿Qué herramientas has venido usando principalmente en estos últimos años?
Siempre tengo a mano mis marcadores Pilot v7, marcadores Micron pigment (005, 01, 03) y pinceles para acuarela sable redondeados. Solía comprar pinceles finos, tipo tamaño 0 o #2, pero hace poco me enamoré de éste pincel berreta y súper barato número 8. Es gigantesco y feo, pero es capaz de almacenar una buena cantidad de tinta, y tiene una punta milagrosamente fina, lo que me permite hacer una tonelada de trabajo con él. También me gustan los marcadores Sharpie de tinta blanca para hacer correcciones o dibujar en negativo.


Marca preferida de tinta:
Yatsumoto & Co. Sumi. Parece que no tiene shellac, así que es fácil de usar y fácil de lavar de los pinceles si es que en un descuido me olvido de limpiarlos.

Tipo de papel:
Strathmore 500 de 2 pliegos. Rugoso, ya que aguanta bastante el abuso y lo puedo pasar por mi impresora.


¿A que artistas o creadores recurrís cuando necesitas una pizca de inspiración? ¿Quiénes son tus maestros?
Tengo muchos cómic viejos de la EC dando vueltas. Jack Davis, Wally Wood, John Severin, Will Elder…esos son mis héroes. También siempre tengo cerca algo de Joe Kubert, Moebius, Robert Crumb y Juanjo Guarnido. Todos éstos tipos dibujan del carajo y definitivamente son una influencia en la forma en la que yo dibujo.


Una vez que un cliente te ha dado un trabajo de ilustración, ¿Cómo encaras el trabajo? ¿Podrías darnos una mirada rápida sobre tu proceso?
Leo el guión y hago break downs de 2” x 3”. Trabajar en ese tamaño tan chico me permite concentrarme en la narrativa y evitar colgarme con detalles innecesarios. Escaneo esos dibujos, les agrego los espacios en medio y les ajusto el tamaño donde haga falta, después compongo el layout en Photoshop, donde los imprimo en un 6% de Cyan en un tamaño de 10”x 15”. Entonces hago algunos lápices bastante sueltos para poder comenzar con el entintado. Hago mucho del dibujo en la etapa de la tinta, y muy raramente hago lápices muy complicados de antemano. A veces tengo a otra persona entintando mi trabajo, en ese caso paso bastante tiempo dibujando todos los detalles en lugar de entintarlos. Esto usualmente me ahorra un par de horas, pero un par de horas en cada página siendo 22 páginas por número, hay veces en que la suma resulta en ser bastante tiempo ahorrado. Entonces, finalmente, escaneo las páginas, y en los casos en los que cuente con un entintador, se las mando para que pueda terminar la revista.


¿Que hay actualmente en tu reproductor de música?
De todo. Escucho música todo el día, todos los días. Me gusta mucho el country, muchas de las bandas modernas hacen pop, o una basura que pasa por soft rock. El country es algo natural para mí, porque cuentan historias. Johnny Cash, Shel Silverstein, Waylon Jennings, Kris Krisofferson, Steve Earle, Neko Case, Gram Parson y algunos más. Eso no quiere decir que no mezcle, tengo un montón de Black Metal noruego. Dos de mis bandas favoritas son They might be Giants y Queen. Cuando hago listas al azar suenan como si un demente las hubiera programado.


¿Qué tenés colgando en tus paredes y cuál es tu pieza de arte favorita de la que seas dueño (que no hayas creado vos)?
Hay bastante poco colgando en las paredes de mi estudio, en realidad, pero mi pieza de arte favorita es la pintura de Fear Agent hecha por mi héroe, Jack Davis. El tipo tiene 82 años y no se le escapa nada. Es absolutamente preciosa, y el hecho de tener a un grande de la EC dibujando a mi personaje es sin duda un punto alto en mi carrera. Estoy seguro que no hay nada mejor que eso.


Ultimo libro que hayas leído y última película que hayas visto (Que puedas recomendar).
Desafortunadamente no puedo recordar la última novela que leí. Típicamente, si estoy lo suficientemente despierto como para leer y comprender, me imagino que debería estar usando esa energía para trabajar. El último libro que leí porque sí fue “El extraño” de Camus, y fue hace años. Me compré “The Hot Kid” de Elmore Leonard, y nunca llegué a leer más de unas pocas páginas. La última película que vi fue “High Plains Drifter”, que es totalmente alucinante. La última película nueva que vi debe haber sido “No country for old men”, también la disfruté mucho.



Proyectos presentes y a futuro.
En este momento estoy haciendo Fear Agent: Yo contra Yo, que es una historia de seis números de locura espacial mezclada con western en un título que co-creé junto a Rick Remender. Más allá de eso, nada está escrito en piedra, pero he estado hablando con algunos editores sobre hacer un par de proyectos bastante deliciosos. (Nota: esto es antes de comenzar su trabajo para Marvel en Venom)


¿Qué le dirías a un joven artista que se está partiendo el lomo pero aún le hace falta y quiere llegar al próximo nivel?
Sigan intentando y persigan el sueño. Estudien siempre y trabajen para mejorar su estilo. Donde se conformen, se mueren. Trabajar en cómics es medio como la escena de pelea en “Cool Hand Luke”, donde a Newman le dan un flor de paliza pero aún así no se queda en el suelo. Si, como yo, son demasiado tontos para quedarse en el suelo, no se conformen tampoco. Hay solo un boleto en ésta calesita, así que hagan que el paseo valga la pena. Tampoco se confundan con trabajar en el próximo “Gran” libro o llegar al “siguiente nivel” como una respuesta a la felicidad. Mucha gente tiene ésta idea donde un título es como un oasis en el horizonte pero en realidad es solo un espejismo, donde uno termina esclavizándose en la revista de otro, sin control o nada que arriesgar. Si no es lo que querés hacer, entonces buscá que es lo que te hace feliz y andá y hacelo, porque nunca sabes cuándo se te va a acabar el tiempo, y si postergás tu propia felicidad, puede que nunca más tengas la chance de perseguirla.

©2012 Brainstorm producciones.
©2012 Tony Moore para todas las imágenes.
©2008 Richard Serrao & Jason Thibault para la entrevista.

Página original:

http://www.optimumwound.com/masters-of-ink-10-tony-moore-answers-12-questions.htm





(*) Recientemente Robert Kirkman y Tony Moore se encontraron enfrentados legalmente debido a ciertos derechos y falta de pago (según Moore) de algunas regalías concernientes a The Walking Dead. Hay que acordarse del tremendo éxito que la adaptación del cómic está teniendo en la pantalla chica y cómo esto influye en el nivel de ventas del cómic y de productos derivados (remeras, juguetes, DVD´s, novelas, etc.). Todo esto ha generado polémica en internet y de hecho se puede seguir toda la cadena de eventos online siempre y cuando se pueda leer en inglés. Lejos estoy de tomar partido por una u otra facción, pero esto sirve de ejemplo para ver que cuando hay plata hasta las amistades de la infancia corren peligro. También sirve para que a la hora de firmar un contrato el artista sea consciente de los beneficios y limitaciones que conlleva la firma del mismo.  En definitiva, hay que tener mucho cuidado para no pasar miles de horas dibujando y no poder beneficiarse de las posteriores recompensas si el trabajo resulta ser un hit. Esto puede no tener mayor relevancia en el mercado local, pero todos apuntamos a trabajar y dejar nuestra marca en el mercado global, por lo tanto: ¡¡Artistas sean precavidos!!


Presionando con fuerza y convicción ACA van ser dirigidos a la demanda completa. Ahí van a poder leerla y entender mejor cómo se trabaja frente a un caso como éste.



Para saber más al respecto:
Kirkman calls the lawsuit “ridiculous”
TONY MOORE CLAIMS "DECEPTION" IN "WALKING DEAD" CONTRACTS.



Tuesday, March 13, 2012

Recordando a Moebius.


El pasado 10 de Marzo falleció en París uno de los mayores nombres dentro del cómic europeo y mundial. El gran Jean-Giraud, también conocido como Moebius dejó este mundo para irse junto a su personaje Arzach en lo que seguramente será una gloriosa recorrida cósmica. Lo único se me ocurre para conmemorar la inmortal obra de este grande es dejarles un par de videos y algunas de sus ilustraciones. 




Prestigioso autor de trabajos como El Incal, El garaje hermético, Arzach, Blueberry y dibujante de aquella fantástica historia del Silver Surfer llamada "Parábola" escrita por el propio Stan Lee supo también trabajar en el mundo de los video juegos y del diseño para películas como El quinto elemento, Alien, Blade Runner y Tron. Dueño de una línea clara y precisa, decidida y determinada, era según algunos una de las pocas personas en el mundo capaces de dibujar una persona de perfil completa sin levantar jamás el lápiz (^_^). Aquí se lo puede ver haciendo de las suyas en una Cintiq en el festival de Angouleme en Francia y luego tenemos un documental sobre su obra.


(Bueno, el documental fue borrado y no lo puedo subir de nuevo, así que lo más parecido que encontré fue ésta versión en YOUTUBE. Se llama Moebius Redux y está todo en francés e inglés con subtítulos en inglés. En una de esas si lo buscan lo encuentran.)

Quisiera tener más para decir sobre él, pero éste tipo de cosas siempre nos toman por sorpresa. Su obra vivirá por siempre. Au revoir Monsieur.



©2012 Brainstorm producciones
©2012 los respectivos autores para sus respectivos materiales.

Sunday, March 11, 2012

Dossier Faith Erin Hicks.


INTRO.
Faith Erin Hicks es una joven artista canadiense que vive en Halifax, Nueva Escocia. Me encontré con su trabajo gracias a la recomendación de Andrés Accorsi en el sitio de comiqueando. Yo ya había leído un par de comics posteados en internet que iban avanzando a razón de una página cada unos pocos días, pero no había visto nada como esto. No solo estaba posteando una página nueva por día de su más reciente novela gráfica (publicada por la editorial First Second para ser leída de forma gratuita antes de que el libro saliera a la venta como objeto) sino que además las dejaba abiertas a los comentarios de los lectores y hasta iba agregando entradas completas sobre su proceso creativo y cómo es que se gana la vida como artista junto a algunas páginas clave.


La historia en sí se llama “Friends With Boys” y cuenta la historia de Maggie, una chica criada en el seno de una familia complicada que educa a sus hijos en casa hasta que alcanzan la edad para ir a la secundaria. Allí hacen su aparición la relación con sus tres hermanos, su padre, sus nuevos amigos, su nuevo entorno y hasta con un fantasma. El trazo de Hicks es prolijo y juguetón, lo suficiente como para cautivar al lector ya desde la segunda página. Intenté contactarme con ella para hacerle la entrevista, pero no obtuve ninguna respuesta. Por lo tanto me dediqué a extraer y traducir material del sitio web y a compilarlo para poder brindarles una mirada al proceso creativo detrás de una joven artista que cosecha nuevos fans con cada pincelada. Además, en un negocio saturado de testosterona es bueno tener la opinión de una chica, que no solo trabaja con superhéroes desde su particular punto de vista, sino que además sabe moverse dentro del terreno de lo super natural y lo cotidiano. Abramos pues la proverbial puerta y adentrémonos en el mundo de Faith Erin Hicks y su amistad con los muchachos…

ENTREVISTA.
(*) Extracto de una entrevista realizada por Jonathan Liu para Wired.com

Ha sido una experiencia encantadora la de leer Friends with Boys online, en particular poder leer algunas de tu notas sobre las páginas. ¿Cómo fue esa experiencia para vos como una creadora de historietas? (*)
Realmente genial! Es mucho trabajo el de mantener el sitio y a la vez intentar bloggear, hablar sobre temas interesantes y estar al tanto de los comentarios de los lectores, pero realmente he disfrutado mucho la respuesta de los lectores. Comencé haciendo comics online, así que siento que estoy volviendo a mis raíces. Adoro la inmediatez de internet, y ser capaz de ver como la gente responde a cierto personaje o a cierta parte del libro. Algunas partes les gustaron a los lectores y respondieron bastante, otros mantuvieron una postura más distanciada. Es muy interesante, y muy valioso para mí como creadora.

¿Cuándo comenzaste a postear las páginas, cuanto de tu trabajo estaba completo? ¿Ya habías terminado con el libro a esa altura o seguías trabajando en él? (*)
Ya había terminado de dibujar FWB para cuando comenzamos a salir online. Nosotros (mi editor, mi agente y yo) habíamos comenzado a hablar sobre ponerlo online antes  de que terminara de dibujarlo, pero resulto un proceso tan largo que al final ya había completado el trabajo cuando salimos online.

Ya sé que ya hablaste sobre esto en el sitio, pero ¿podrías compartir un poco sobre tu proceso a la hora de crear una página? ¿Cuánto planeas con anticipación? ¿Hay algo hecho en digital o fue todo hecho en papel? (*)
Todo lo que refiere al dibujo en papel, pero tipeo la escritura en la PC, como debe hacer una dama. Escribo el guión y hago un primer pase de thumbnails en un montón de hojas rayadas. Luego escribo el guión final a partir de ese desastre. Hago thumbnails finales para completar el look de la escena, y después comienzo a dibujar a lápiz en unas hojas gigantes de papel Bristol. Dibujo con un lápiz celeste de animación (o col-erase) y entinto con un pincel Winsor & Newton serie 7 para acuarelas y tinta china barata. Lleva mucho tiempo, pero creo que al final se ve genial.

PROCESO.

 Allá por 2010 o cuando sea que ésta página haya sido dibujada (sí, estoy bastante segura que fue en 2010. Parece que fue hace mucho) hice copias de la misma a lo largo del proceso para poder mostrarle a la gente como es que dibujo mis cómics, yendo desde los bocetos iniciales hasta las tintas completas. Espero poder brindar una mejor percepción sobre cómo trabaja un historietista! Yay.


Primer paso! El nacimiento de un cómic nuevo:
Así es como escribo inicialmente mis guiones. Y déjenme comenzar esto diciendo que así es como trabajo “YO”, no como otros historietistas deberían trabajar. Se de otros que hacen los guiones antes de hacer los thumbnails o hacen otras cosas mágicas antes de comenzar, pero así es como yo hago mis cómics. Primero me consigo un par de cuadernos con papel rayado y ahí empiezo a garabatear. Hago los thumbnails a medida que voy escribiendo, porque los cómics son las dos cosas, arte y escritura, y siento que (especialmente en la importantísima etapa del comienzo) uno no debería tener precedencia sobre el otro. Así que cuando hago mi primer pase por el guión, hago dibujitos a la vez que voy escribiendo diálogos, lo que me permite pensar de antemano en cómo voy a dibujar el libro, como van a interactuar los personajes, como se van a acomodar los paneles, y ver si el ritmo va a ser acorde. Luego doy un paso hacia atrás, y agrego o tacho cosas (como se puede ver en esta página). Esto complica bastante las cosas, desde luego, de modo que cuando tengo que sentarme a escribir el guión propiamente dicho para pasárselo a mi editor se puede volver todo un poco confuso. Así es como he trabajado en mis tres libros publicados, y como estoy trabajando en el libro que estoy haciendo ahora.
Entonces, cuando tipeo y refino el guión, se lo paso a mi editor en First Second (o SLG, si fuera 2007), ella lo mira, sugiere revisiones y lo que haga falta, luego pulimos el guión hasta que quede lindo! Es divertido.


Aquí están los thumbnails para esta página:
Como pueden ver cambié de idea en cuanto al planteo original de la página, agregándole un toma de reacción de Maggie al comienzo de la misma, antes que Lucy la arrastre.


Segundo Paso: Composición con thumbnails.
Estos son unos thumbnails un poco más definidos, pero aún bastante pequeños (tomo una hoja común A4 y la divido en cuartos, dibujando un thumb en cada cuarto), en los cuales voy descifrando la composición definitiva de la página. Escaneo estos dibujos y se los mando a mi editor junto con el guión para que ella pueda hacerse una idea de cómo va a quedar el arte terminado. Así es como funciona con First Second, con otro editor con el que estoy trabajando ahora me pidieron lápices definidos antes de que comenzara a entintar, pero no me pidieron bocetos…todo depende del editor y tu relación con el, eso va a dictaminar tu proceso.

Y aquí está el guión de esta página en particular:

PANEL 1: Maggie observa la mano.
PANEL 2: Maggie (mirando a Lucy): de nuevo…el qué?
PANEL 3: Lucy le agarra la mano a Maggie, la arrastra con ella. Lucy: vamos, te voy a mostrar!
PANEL 4: Lucy, Maggie y Alistair caminan por la loma hacia el cementerio. Lucy y Maggie conversan alegremente.
PANEL 5: Alistair queda un poco atrás de Lucy y Maggie mientras ellas entran por el portón del cementerio, aún conversando.
PANEL 6: Alistair sonríe, parcialmente aliviado, parcialmente entretenido. Su hermana tiene una amiga.
PANEL 7: Lucy avanza entusiasmada por el cementerio. Lucy: Por aquí!

Como yo escribo para mí misma, no tiendo a ser muy descriptiva con el aspecto visual como podría ser el caso si estuviera escribiendo para otro. Ya sé cómo va a lucir la página, así que no preciso decirle a nadie cómo dibujarla. La mayoría de las notas visuales que pongo son para la editora, para que sepa  que es lo que está pasando, y alguna que otra nota de carácter emocional, para poder acordarme luego de qué es lo que está sintiendo el personaje (como Alistair acá)


Tercer paso: El dibujo a lápiz!
Así es como se ven mis lápices. ¿No son desprolijos y horrendos? :D soy una dibujante bastante tosca, no me importan los lápices para nada, creo que mis trabajos solo se ven completos o decentes una vez que han sido entintados. Nunca le mostraría una página a lápiz a nadie a menos que sea mi editor (o ustedes, queridos lectores). Como pueden ver, no pongo un montón de detalles, porque los detalles se los voy a agregar más tarde con la tinta. Pero es importante tener una estructura de dibujo a lápiz que sea solida, de otra forma las tintas no van a quedar lindas. Además, los recuadros que ven acá son los márgenes de seguridad para la hoja impresa, y WOW, ese sí que fue un concepto difícil de entender cuando comencé a ser publicada. Básicamente, el borde es donde la página va a ser cortada cuando se imprima el libro, así que vas a querer que todas las imágenes importantes (junto a los globos de texto) queden dentro de esa  zona de seguridad, para asegurarte que nada se pierda al ser cortado cuando lo impriman, una vez que el libro se convierta en un objeto físico. Pero también, hay veces en las que uno quiere que el arte “sangre” fuera de la página (como ocurre en el último panel), y entonces se vuelve todo horriblemente confuso. Me costó mucho llegar a entender esto…me alegra que ahora tenga sentido.

Dibujo con un lápiz celeste col-erase para animación. CELESTE, no un azul claro de los que no reproduce el escaner, son dos cosas bien diferentes (el celeste es un poquito más oscuro que el azul). He usado lápices para animación casi desde que comencé a dibujar, mayormente porque suelo molestar bastante el papel cuando dibujo, constantemente refregando el canto de mi mano sobre el dibujo. Los lápices de grafito ensucian a lo loco, así que si usara grafito terminaría con una gran mancha de color gris. Los lápices col-erase tienen una mina más dura, y por eso manchan menos. Tampoco son muy fáciles de borrar, pero eso no importa, porque los celestes no son escaneados. Así es, no tengo que andar borrando mis lápices desastrosos después de todo, solo escaneo la página terminada y termino con un hermoso dibujo hecho a tinta, sin ninguna clase de línea a lápiz, VIVA! Estos son los UNICOS lápices que he encontrado que se comportan de ésta manera, ya que mi escáner (tengo un Mustek A3, que es un escáner grande bastante decente y barato, aunque no creo que sea compatible con Windows más allá de Windows XP) levanta cualquier línea de cualquier lápiz de otro color, incluso uno tan claro como el col-erase naranja.
Eso fue largo! Pero en serio, encontrar un lápiz con el cual me sienta cómoda dibujando y luego no tener que andar borrando mis páginas (borrar es molesto, y puede incluso dañar la tinta) fue un proceso extenuante, y estoy emocionada de haber encontrado al fin un sistema que me funciona.


Cuarto paso: El entintado.
Bueno, solo échenle un vistazo a la página terminada. Yo entinto con un pincel Winsor & Newton serie 7 para acuarela, número 1, mojándolo en un tarrito de tinta china (uso la Speedball super black ink, solo porque es barata) y luego, con mucho cuidado voy repasando las líneas a lápiz. Es el mismo pincel que Jeff Smith usó para entintar Bone. Yo empecé a usar pinceles para acuarela allá por el 2009, cuando ya iba por la mitad de Brain Camp…y es por eso que la segunda mitad del libro se ve mucho más linda que la primera. El serie 7 brinda una espectacular cantidad de control sobre la tinta, y hace que mis cómics se vean más pulidos. Fue complicado al principio, pero creo que mi arte ha mejorado bastante desde que comencé a usarlos…Le recomiendo a cualquiera que esté pensando en cambiar a pincel que considere éste tipo de pinceles, no se van a arrepentir. Antes del serie 7 usaba un Pentel pocket brushpen, que es algo así como un pincel bastante decente con el cual comenzar, si es que te gusta usar pincel pero no te gusta mucho andar sumergiéndolo en tinta. Sin embargo, no creo que el Pentel se compare ni un poco con el serie 7. El serie 7 es lo más!

Más o menos por acá (luego de terminar de explicar cuál es mí proceso) es cuando la gente me pregunta si alguna vez he considerado hacer comics digitalmente. Algunas etapas de mi proceso se podrían hacer muy fácilmente de manera digital (los bocetos por ejemplo), pero existen varias razones por las cuales no tengo intención de dibujar mis cómics completamente en la computadora: El Hardware es muy caro (tendría que invertir en una Cintiq para obtener el tipo de refinamiento que precisan los cómics profesionales, y las buenas cuestan miles de dólares), además estar mirando un monitor de computadora por muchas horas puede cansar y hasta dañar la vista, y yo prefiero una cierta apariencia para mis cómics, y esa apariencia no es digital. Disfruto bocetar en mi tableta (es genial para hacer algo muy rápido), pero no se puede comparar el grado de control y refinamiento o el singular estilo visual que se obtiene con lápiz y tinta.
Pero una vez más, estas son MIS preferencias a la hora de dibujar. No existe una única forma de hacerlo, digital, tradicional, es todo lo mismo. Tradicional es lo que me gusta a mí, pero si te gusta hacerlos digitalmente, eso también está bueno!

Básicamente, lo que quería era remarcar que no hay nada más importante que encontrar las herramientas apropiadas y los métodos que funcionen mejor para cada uno. Los elementos que uso son cosas que me llevó mucho tiempo encontrar. Me gusta mostrárselas a la gente porque puede que sean las herramientas adecuadas para ellos también, y el hecho de que yo les cuente sobre ellas les puede ahorrar unos cuantos años de búsqueda. O pueden ser totalmente las equivocadas para hacer sus cómics.


Por ejemplo, el pincel Pentel. Solía hacer todos mis cómics con el Pentel, hice Zombie Calling y la Guerra en Ellsmere con él. También hice la mitad de Brain Camp: aquí hay un panel entintado con el Pentel y luego uno hecho con el Winsor & Newton para acuarelas (y un frasquito de tinta).


Para mí, uno muestra un montón más de destreza técnica. Mi opinión personal es que mi trabajo mejoro una vez que encontré un pincel que me permitió desarrollar mi talento artístico en una dirección más realista. No sé por qué hizo que mi arte se vea mejor, pero lo hizo. El arte es así, medio rara: a veces algo funciona cuando por ahí no debería, y no lo hace cuando tendría que hacerlo. ARTE! Puede llegar a volverte loco.
Como sea, el caso es, conozco gente que usa el Pentel, o incluso marcadores berretas con punta de pincel y que son capaces de hacer dibujos hermosos. Me acuerdo de haber visto a Darwyn Cooke dibujar un tremendo boceto de The Spirit usando solo un marcador de esos, un instrumento que francamente odio. Siento que estuviera usando guantes cuando uso uno, pero ese tipo podía hacer cosas mágicas con él. Funcionaba para él.

Creo que mi punto en cuestión es que uses lo que funcione mejor para vos. Probá de comprar cualquier porquería en tu tienda de arte y probálo. Algo barato y hecho pelota puede resultarte mejor que un pincel de US$ 70.

Una de las peores experiencias que tuve en la escuela de arte fue tratar de dibujar con un modelo en vivo. ODIABA el dibujo en vivo. Tenía que usar una barrita de carbonilla y dibujar en hojas de papel gigantescas. Defenestraba el dibujo en vivo. Nada de lo que hacía se veía o se sentía bien, así que al graduarme de la escuela de animación, juré que nunca más iba a dibujar en vivo. Era terrible en ello y no sabía cómo hacer para que quede bien.

Bueno, desafortunadamente, eso dejo de ser una opción, porque para volverse bueno dibujando gente, hay que dibujar con modelos. Creo en esto firmemente: hay que dibujar mucha gente desnuda y aprender la anatomía y como se ve la gente para poder dibujar buenas personas de historietas. Creo que es una de las reglas fundamentales para poder dibujar buenos cómics. ¿Pero qué podía hacer? Odiaba dibujar así, la respuesta llegó cuando cambié mi método de dibujar de ésta forma.

Decidí que no iba a usar más hojas gigantes o estar parada frente a un caballete, eso me resultaba incomodo. Habría de sentarme en una silla e iba a usar las herramientas con las que me sintiera cómoda, que resultaban ser lápiz y tinta. Y así lo hice, dibujé gente desnuda de esa forma y fue sorprendente cuanto llegué a disfrutarlo. No hacía grandes dibujos, pero por lo menos disfrutaba lo que estaba haciendo.
Se me olvidó mencionar qué tipo de papel uso en mi largo divague sobre el proceso de hacer una historieta. Dibujo en papel Bristol Strathmore, con superficie satinada. La clase común de Bristol, no la versión “elegante” de papel para hacer cómics que vienen tratando de imponer en éste último tiempo. Ese tipo de papel es muy caro para gente común que trata de ganarse la vida haciendo historietas. ¿Te cobran algo así como 30 dólares por 20 hojas? No lo creo. Mis páginas originales son de 9 y un poco por 14 y un poco (pulgadas), así que usualmente compro el papel de 11 x 17 y tengo un poco de margen extra. El Bristol que yo compro está en oferta una vez al año (algo así como un 40% menos), así que voy una vez al año y me gasto como $100 para abastecerme.

En definitiva…vayan y dibujen, no tengan miedo de probar cosas nuevas, y no tengan miedo de ignorar las instrucciones de los maestros y los profesionales. Yo solo ofrezco mis consejos sobre cómo hacer historietas como entre comillas: así es como funciona para mí, pero puede que no funcione para vos. Y eso está bien, en serio.


Hacerlo financieramente viable.
Ahora les voy a hablar un poco sobre cómo hago para mantenerme haciendo cómics.
Primero que nada, nunca en un millón de años llegué a pensar que iba a poder pagar el alquiler dibujando historietas, o haciendo trabajos artísticos de manera independiente. A veces me encojo internamente cuando le digo a la gente que me gano la vida escribiendo y dibujando historietas, porque hay veces que no se siente así; es más bien como si me hubiera tomado unas vacaciones de algún trabajo real para poder dibujar cómics, y que eventualmente voy a volver una vez que se me acabe la plata. La última vez que tuve un trabajo real fue en 2008, cuando trabajaba en un estudio de animación.

En parte la razón por la que soy medio pesimista al hablar así es porque actualmente estoy viviendo de los adelantos que me dan los editores, y voy reforzando eso con dinero de una beca y algún trabajo independiente (haciendo trabajos de ilustración para clientes, haciendo el ocasional taller, haciendo dibujos por encargo, etc.). No cuento con una novela gráfica que sea un hit de la cual reciba regalías de forma estable. Por lo menos no todavía. Sospecho que en mi línea de trabajo me sentiría más segura si lo hiciera.
Así que, para explicar mi situación: por ahora, he vendido o sido parte de cuatro novelas gráficas compradas por editores que dan adelantos en el pago (Brain Camp, FWB, my libro actual Voted most likely y Bigfoot Boy). Un adelanto es dinero que se le paga a un escritor o artista (o historietista) por parte del editor basado en una proyección de lo que puede vender el libro a futuro. Tomemos por ejemplo FWB. First Second me pagó una cantidad X de dólares para escribirlo y dibujarlo, porque ellos estiman que van a hacer XX en ventas. Suena un poco arriesgado, como si estuvieran tomando un riesgo, pero aparentemente así es como funciona el mundo editorial en el mercado de libros. La cosa con los adelantos es que en general (esto depende del editor) uno recibe la mitad del dinero al firmar el contrato y la otra mitad luego de completar el trabajo. Y de ahí hay que ir a sentarse a dibujar la historieta. Así que me pagaron la mitad de X por hacer FWB incluso antes de hacer la primera página, pero a partir de ahí tuve que vivir con la mitad de X por un año mientras completaba el libro.


Soy EXTREMADAMENTE AFORTUNADA de estar trabajando con editoriales que pagan adelantos. No es algo muy típico. No es algo PARTICULARMENTE usual en el mundo del cómic. No me pagaron ningún dinero como adelanto cuando hice mis libros con Slave Labor Graphics, en su lugar me pagaron regalías basados en los números de ventas. Zombies Calling y Ellsmere vendieron algo así como 2.000 copias cada uno, de las cuales me tocó un porcentaje del precio de tapa, creo que era un 7%. Así que hago un 7% de cada 10 o 14 dólares. No hice mucho dinero con esos libros, razón por la cual mantenía mi trabajo en animación al momento de hacerlos. ;)

Mis ingresos varían a lo loco, y así ha sido desde que dejé de trabajar en animación a tiempo completo. Por ejemplo, en 2010 tuve mi mejor año, llegando a hacer una buena cantidad de dinero, más de 30.000 dólares en un año! Estaba bastante sorprendida. Pero en 2010 obtuve una beca de US$ 8.000 que brinda el gobierno de Nova Scotia para escribir y dibujar FWB. Tuve también una cantidad inusual de trabajos freelance en 2010, como Girl Cómics para Marvel y un trabajo de ilustración para las niñas exploradoras de América que pagó bastante bien. Estos fueron trabajos independientes ya que no se han repetido con ninguno de los dos clientes.

Muchas veces me preguntan sobre la transición al mundo de los cómics y el trabajo artístico independiente, cómo hacerlo y cómo hacerlo financieramente redituable. Así es como lo hice: no lo hice.


En 2008 perdí mi trabajo en animación porque la compañía en la que trabajaba se quedó sin proyectos. Viví un año en seguro de desempleo, esperando conseguir algún trabajo, y ahí llegó First Second y me dijeron si quería hacer Brain Camp. Yo salté con la oportunidad. El estudio seguía sin trabajo para cuando terminé con Brain Camp, y por aquel entonces FWB se le vendió a First Second, y de pronto tenía otro poco de plata del cual vivir (el adelanto de X, si es que se acuerdan) así que seguí dibujando cómics.
Estaba observando un panel en la New York Comic Con de 2010, y la pregunta de “¿Cómo se lleva a cabo el cambio a trabajar en cómics a tiempo completo?” fue hecha. Creo que había unas cinco personas en el panel, y dos de ellas dijeron estar casados con alguien que accedió a mantenerlos mientras ellos intentaban llevarlo a cabo. Creo que éste estilo de vida artístico no es para cualquiera, funciona para mí, aún soy joven, y siento que ésta es mi oportunidad de ganarme la vida dibujando historietas, ¿así que por qué no aprovecharla?

No puedo ofrecer consejos concretos sobre cómo dar el paso para trabajar haciendo historietas tiempo completo. Lo que sugiero es buscar becas (Nota del traductor: como puede ser el caso de los Fondos Concursables en uruguay o la Xeric en EE.UU) ya que obtener una en 2010 fue algo increíble. También sugiero ahorrar, así si te despiden o decidís tomarte un descanso de tu trabajo diario, puede que seas capaz de pasar un mes o dos trabajando de lleno en tu propio cómic, sin tener que preocuparte por pagar el alquiler.

Oh, otro tema que quería tratar ya que un par de personas me preguntaron al respecto: Algunos quieren saber cómo es dibujar una historieta para un editor, especialmente cuando se tiene un trabajo de tiempo completo o se va a la escuela y no les es posible comprometerse de lleno con el cómic trabajando en él tiempo completo. Creo que es muy importante que uno sea directo con su editor en cuanto a sus tiempos, y debe ser realista con uno mismo sobre cuantas páginas al mes va a ser capaz de completar. Yo hice Zombies Calling y The war at Ellsmere mientras trabajaba a tiempo completo, lo que me dejaba lugar para completar unas 10 páginas al mes. Completé esas dos historias en unos 9 meses. Los editores esperan que tengas otro trabajo además de hacer historietas; es raro que éste sea tu único trabajo, y aún tengo que encontrar algún editor que no sea flexible, siempre y cuando seas honesto con él. Si podés obtener un contrato para hacer una historieta, y solo podés completar 10 páginas al mes, asegurate que eso le quede claro a tu editor, para que ellos puedan programar y trabajar de acuerdo a esos tiempos. Si 10 páginas son demasiadas, decíle a tus editores y ellos deberían ser capaces de trabajar alguna solución contigo.
Una vez que comencé a hacer que dibujar historietas sea mi único trabajo mi relación con los editores cambió, porque yo dependo de ellos para pagar el alquiler, pero cuando estaba trabajando en animación y haciendo historietas en mi tiempo libre, mientras fuera capaz de producir unas pocas páginas al mes y tratara de acercarme a la meta, mis editores estaban contentos.

Esto es algo para recordar: los editores están de tu lado. Da resultado tener una relación honesta y simbiótica con ellos para producir los mejores y más vendibles cómics que puedas hacer. Porque de esa forma ambos hacen dinero y así pueden hacer aún más comics juntos. Creo que es muy importante el hecho de querer crear historietas en las que estés personalmente involucrado (historias personales), pero también creo que es importante estar al tanto de qué tipo de cómics se venden bien en éste mercado, y qué puede llegar a ser atractivo para el editor con el cual querés trabajar.

¿Por qué TRABAJAR SOLA?

Tengo mis propias razones para decidirme a escribir y dibujar mis propias historias, y aquí están:
1)      Soy capaz de administrar mis propios tiempos. Tengo opiniones fuertes sobre cómo debe ser el ritmo en un cómic. Soy partidaria de una narrativa descomprimida, y me gusta cuando se le da al arte espacio para respirar dentro de la historia, y cuando se les da a los personajes momentos para actuar o expresarse en lugar de llevarlos de un lado a otro gritándose el dialogo los unos a los otros.  Esa es mi principal queja en lo que respecta a los escritores de cómics: Demasiadas palabras! No hace falta tener un montón de palabras apretujadas en cada página. Confíen en sus artistas para contar sus historias con dibujos, no palabras! No los va a matar estar en silencio por una página o dos, queridos escritores, se los prometo.
2)      No pasa muy seguido que se me acerque un escritor con una idea que yo quiera dibujar. O sea, he tenido ofertas, y algunas de ellas las he aceptado, pero han sido pocas y muy distanciadas entre sí. Algo que encuentro bastante decepcionante! Me encantan las historias de otra gente! Me encanta leerlas y consumirlas, y adoro cuando leo algo que es bien diferente de las historias que escribo. De verdad me encantaría colaborar con un escritor y ser capaces de crear algo, un mundo único y completamente diferente. Veo a escritores como John Arcudi y Mike Mignola o Brian Vaughn y pienso en lo interesantes que son sus historias y cuan diferentes son a las mías…la idea de ilustrar algo tan distinto a lo mío es muy atractiva. Pero aún no ha ocurrido. En la mayoría de los casos, los escritores parecen pensar que me gusta dibujar historias sobre relaciones (un 80% del material que me mandan incluye ese tipo de cosas), lo cual, si han visto mi cuerpo de trabajo, resulta bastante confuso. He hecho cómics sobre familias demoníacas, chicas peleando en internados, zombies y chicas con súper poderes porque son divertidas y emocionantes de dibujar. Dibujar un sitcom no me resulta muy entretenido. No tengo ni idea si los escritores responden al hecho de que soy una chica, pero espero que no, EW.
3)      Las historietas consumen mucho tiempo! Solo puedo dibujar una novela gráfica al año (cerca de unas 300 páginas. Este año dibuje unas 240 sin contar las páginas de Superhero Girl , pero 96 de ellas tenían que ser coloreadas, lo que me enlenteció bastante) y tengo montones de ideas para mis propios cómics. Quitarle tiempo a mis propias historias para dibujar las de otra persona a veces no es posible si en realidad quiero ver las mías terminadas. Pero de nuevo, esto es cuando me ofrecen algún buen proyecto. Me delita cuando un buen guión cae en mis manos (como es el caso de Bigfoot Boy o Brain Camp, más sobre ellos en un rato) , pero eso no pasa muy a menudo. A veces me resulta un poco injusto que un escritor pueda escribir más cómics de los que yo soy capaz de dibujar. He conocido escritores que trabajan en dos o tres libros a la vez, mientras que yo solo puedo hacer uno (aunque de hecho ahora estoy haciendo dos, pero estoy muuuuuy atrasada en uno). Es frustrante. Ojalá pudiera clonarme y así dibujar todos los cómics. Tristemente, no puedo.


Pero de vez en cuando trabajo con otra gente. Hasta ahora he hecho dos novelas gráficas con otros: Brain Camp, que fue mi primera experiencia dibujando un guión ajeno, y la novela en la que estoy trabajando actualmente con el escritor J. Torres, llamada Bigfoot Boy.
Ambas experiencias son diferentes y presentaron sus propios desafíos, pero antes de hablar de ellos déjenme mencionarles cómo fue que terminé dibujando estos libros, porque esa es siempre la pregunta que más me hacen en las convenciones: “Soy un escritor y quiero hacer cómics. ¿Cómo hago para que un artista me dibuje el guión?

La respuesta: PAGANDOLE.

En ambos casos los dos libros estaban en manos de editores que tenían dinero para pagarle al artista que fuera a dibujar esos guiones. Encima tampoco tuve que hacer un montón de trabajo para ser considerada: en el caso de Brain Camp dibujé tres páginas del guión, y para Bigfoot Boy ni siquiera tuve que hacer eso, solo hice algunos bocetos de los personajes. Así que el tiempo que he tenido que invertir en algún proyecto que puede ser que no pague ha sido mínimo. Para un artista sobre explotado como yo, tratando de hacer que mi trabajo se vea por ahí, eso era un factor muy importante.
Además, eran proyectos que estaban buenos. Brain Camp se trataba de un campo de vacaciones diabólico, y me hacía acordar a la película de Carpenter, The thing; una de mis películas favoritas. Bigfoot Boy tiene, bueno, tiene a pie grande (y yo soy canadiense.) Y los guiones estaban escritos por escritores experimentados con varios títulos publicados bajo su nombre, algo que es una gran ayuda. Cuando sos un dibujante trabajando con otro escritor, tenés que ser capaz de confiar en sus habilidades. Personalmente creo que en las historietas, una buena historia puede sobreponerse a un nivel de arte mediocre, pero si tu historia apesta, no hay una cantidad suficiente de buenos dibujos que puedan convertir a tu cómic en un buen cómic.


Ahora, sobre cómo se hace para atraer a un artista antes de alcanzar ese punto donde sos un escritor cuyo trabajo está en manos de editoriales que pueden pagarle a artistas para que lo dibujen…no tengo ni idea!

Y creo que soy la persona equivocada para preguntarle, porque yo me siento más cómoda escribiendo y dibujando mis propias historias. Conozco artistas que no escriben, y que tampoco tienen el deseo de contar sus propias historias, solo quieren dibujar. Pero esa no soy yo, así que no creo que mi respuesta a la antigua pregunta “¿Cómo atraes un artista si sos un escritor?” sea la norma.
Pero como sea, volviendo a mis experiencias dibujando los guiones de otros: Fueron buenas! Susan kim y Laurence Klavan fueron los guionistas de Brain Camp, y ambos estuvieron de acuerdo en dejarme dibujar el guión en base a lo que yo interpretaba. Me dejaron diseñar a los personajes de acuerdo a como yo creía que se tenían que ver (hice al protagonista masculino para que se parezca un poco a un joven Kurt Russell como referencia a The Thing), algo de disfruté mucho. El guión ya estaba terminado para cuando yo me sumé al proyecto, así que de verdad aprecié el hecho de que me dejaran poner mi estampa visual en el libro. Si hubieran estado todo el tiempo encima mío, o si se hubieran puesto muy demandantes con el aspecto visual del cómic probablemente hubiera terminado sintiéndolo menos “mío”, y me hubiera sentido como si me hubieran contratado para hacer solo un trabajo de ilustración.
Hasta ahora Bigfoot Boy ha sido muy divertido (bueno, menos la parte con el plazo súper apretado, pero bueno). Es un cómic para lectores jóvenes, es alegre y divertido y contiene un montón de comedia física y animalitos adorables. J.Torres es un escritor experimentado, y eso se nota.  El ponía páginas donde los personajes no hablaban, pero reaccionaban al mundo que los rodeaba, y eso era buenísimo. Como artista me siento confiada para contar una historia de forma visual, y eso es lo que uno quiere si va a estar dibujando el guión de otra persona.

Típicamente, hago mis cómics yo misma. En realidad eso es lo que más me gusta de hacer historietas: lo puedo hacer todo yo sola. Desde luego, hay otra gente genial involucrada en el proceso de creación de un cómic que va a ser publicado, editores y diseñadores e imprenteros y publicistas y algunos más de los que me puedo olvidar los títulos, pero la escritura y el arte en sí los puedo hacer sola. No soy una artista, y no soy una escritora. Soy las dos cosas. Soy una historietista, y eso es bastante genial.

©2012 Brainstorm producciones.
©2012 Faith Erin Hicks para todas las imágenes.
©2012 Friends with Boys para First Second publishing.
©2012 Jonathan Liu para la entrevista publicada en Wired.com.


Y ahora toda la lista de links:

http://www.friendswithboys.com/2011/12/page-125/  (por qué hace comics sola?)
http://www.friendswithboys.com/2012/01/page-175/  (Cómo es que vive de hacer cómics)

Monday, March 5, 2012

Una escuela en USA. The Center for Cartoon Studies.


Frente de la escuela, ubicada en White River Junction, Vermont, EE.UU.


¿Hace falta saber inglés para hacer cómics?

La respuesta corta es: NO. Pero hay una más larga que desemboca en: pero ayuda bastante.
En EE.UU hay varias escuelas que se dedican a enseñar arte secuencial, como puede ser la Kubert School o la universidad de New York y su programa de cómics. El Center for cartoon studies (Centro para el estudio de historietas) es una de esas escuelas. 

En una ocasión estábamos con mis amigos en la convención de cómics independientes que organiza Mocca cuando el stand del CCS nos llamó la atención. Resultó que tenían montones de dibujos de sus estudiantes y un montón de folletería disponible para atraer nuevos estudiantes. Desde luego, como todo en USA uno tiene que pagar unos cuantos miles de dólares al año para poder estudiar, pero cuando se está decidido a hacer algo no hay que dejarse vencer. Por ello muchas de estas escuelas ofrecen becas para sus estudiantes, pero bueno, vamos al grano. Una de las cosas que me llamó la atención es el método que decidieron usar para explicar en qué consisten sus cursos, donde están ubicados y qué es lo que hacen: Usan historietas para todo.

El material es altamente didáctico e informativo pero está todo en inglés. Como habrán visto en la lista de libros recomendados para leer en la página de Facebook y en la bibliografía muchos de los textos que se pueden llegar a usar en el curso de aprendizaje de la narrativa visual está en inglés sin traducción al castellano. Por eso siempre digo que saber un poco del idioma los va a ayudar mucho.

A continuación les dejo un link a una versión digital de uno de los folletos que el CCS brinda a sus aspirantes a alumnos para que lo lean a gusto y piaccere.


Para leer la hermosa revista que mi amigo Oscár les está mostrando, deben presionar con fuerza y convicción ACA!

Luego les dejo una imagen que es de un poster que daban en el stand y que resume mucho de lo que conlleva hacer un cómic. Ellos incitaban a llevárselo a casa y tenerlo colgado en la pared, no solo porque podía brindar información útil, sino por ser fuente permanente de inspiración.


Hay algo que parece ir quedando de lado en las entrevistas, y es el hecho de que hacer una historieta es mucho más que solo escribirla y dibujarla, en algún momento lo ideal es imprimirla. El último paso de la creación de una obra de arte (cualquier arte) es la interacción de la misma con su público, y para completar una historieta ésta debe ser publicada. Eso incluye imprimir, armar, cortar, engrampar y distribuir el trabajo. Por suerte en venideras entregas vamos a cubrir un poco sobre ése campo.


Yo suelo emplear mucho material de éste tipo cuando doy cursos de historieta (con el agregado de que voy traduciendo todo para los estudiantes), así que si están interesados hay material para digitalizar y subir al blog.

Hoy día y desde hace ya un tiempo hay varias escuelas que enseñan cómics tanto en Uruguay, Argentina y Brasil, pero desgraciadamente no cuento con ningún material de ellos como para difundir. Cualquier información o material es bienvenido. Si me mandan yo lo subo acá y/o en Facebook.

A continuación les dejo un par de links para que investiguen un poco:



©2012 Brainstorm producciones.
©2006 CCS y Kevin Huizenga para el folleto y la imágen.